
         ~~~~~~~~~~~~~~~            Año XV      Cagua, Venezuela     Nº 249
           ~~~~~~~~~~~              =======================================
           ~~~~~~~~~~~                     LETRALIA, Tierra de Letras
           ~~~~~~~~~~~                      http://www.letralia.com
           ~~~~~~~~~~~              =======================================
           ~~~~~~~~~~~                        21 de marzo de 2011
           ~~~~~~~~~~~
           ~~~~~~~~~~~                   LETRALIA, Tierra de Letras, es
           ~~~~~~~~~~~                    la revista de los escritores
           ~~~~~~~~~~~                   hispanoamericanos en Internet.
           ~~~~~~~~~~~                     Usted puede enviarnos sus
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           ~~~~~~~~~~~        ~~~         JORGE GOMEZ JIMENEZ - Editor
           ~~~~~~~~~~~       ~~~~         Depósito Legal: pp199602AR26
           ~~~~~~~~~~~      ~~~~~               ISSN: 1856-7983
          ~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~

=== Sumario ===============================================================
                                                         |
La voz de Dios. / Brindis por el futuro. / Diafragmando  | Breves
en Monagas. / Filven fantástica. / Escribiendo en micro. |
/ Viajes con letras. / Escribiendo telenovelas.          |
                                                         |
Carlos Fuentes apadrina libro de artistas con síndrome   | Noticias
de Down. / Galardonada en España novela de la venezolana |
María Iholanda Rondón. / Austria concede Premio de       |
Literatura Europea al español Javier Marías. / Venezuela |
anunció composición de jurados de sus premios            |
internacionales. / Feltrinelli compra acciones de la     |
cadena de librerías La Central. / Inauguran ciclo        |
“Lecturas de Puerto Malo” en homenaje a Eugenio Montejo. |
/ Vargas Llosa recibió en Monterrey el Premio Alfonso    |
Reyes. / Colombiana María Paz Ruiz gana el Encarna León  |
de Relatos. / Falleció el escritor argentino David       |
Viñas. / Crean fundación para difundir la obra de Miguel |
Delibes. / Realizan homenaje póstumo a Carlos Monsiváis. |
/ A los 82 años muere el compositor venezolano Ítalo     |
Pizzolante. / Fallece el escritor paraguayo Félix de     |
Guarania. / Analizan en Santiago incidencia de nuevos    |
medios sobre la literatura. / Horacio González desafía a |
Mario Vargas Llosa a “afinar argumentos”. / Argentina    |
relanza sus Premios Nacionales de Cultura. / Antonio     |
Skármeta obtiene el Premio Iberoamericano                |
Planeta-Casamérica. / Murió la escritora española        |
Josefina Aldecoa. / EUA manipula intercambios culturales |
con Cuba, afirma Abel Prieto. / Autores mexicanos        |
proseguirán con actividades en Francia. / Niegan         |
posibilidad de cierre de la escuela de la Sogem. /       |
Universidad de Los Andes presentó ocho nuevos títulos en |
Caracas. / Publican libro con trabajos de Francisco      |
Ayala en el diario La Nación. / Falleció el dramaturgo   |
español Jordi Teixidor. / ULPGC concede doctorado        |
honoris causa a Mario Vargas Llosa. / Cierra             |
definitivamente el Museo Chillida de Guipúzcoa. / Premio |
Max de Honor 2011 para el dramaturgo José Monleón. /     |
Haruki Murakami gana el Premio Internacional Catalunya   |
2011. / Casa de José Saramago abierta al público. /      |
Presidente de Guatemala pidió perdón a familia de Otto   |
René Castillo. / Filven recorrerá Venezuela durante el   |
resto del año. / Herederos de Miguel Hernández “liberan” |
veinte libros. / Venezuela dedica tres días a analizar   |
su literatura contemporánea. / Puerto Rico celebra       |
Festival Internacional de Poesía. / Premio Alfaguara     |
para el colombiano Juan Gabriel Vázquez. / Conceden el   |
Premio Stendhal de traducción a Anne Hélène Suárez. /    |
Presentan reedición de El libro de Esther, de Juan       |
Carlos Méndez Guédez. / Héctor Torres reúne diez cuentos |
en El regalo de Pandora. / Círculo de Escritores de      |
Venezuela inicia programa 2011. / El Canto general de    |
Neruda es centro de una exposición en Chile. / Lectura   |
en voz alta, de Arreola, será leído en voz alta en       |
Guadalajara. / Venezuela lleva propuesta de tres         |
artistas a la Bienal de Venecia. / Investigadores        |
literarios hablarán en Mérida sobre anormalidad.         |
                                                         |
“La solterona, un arquetipo complicado que todos         | Artículos y
reconocen”, Rosol Botello. / “Las crónicas de Lisbeth    | reportajes
Salander”, Dixon Acosta. / “Jesús Enrique Guédez, la     |
estrella, la resaca y el río”, Alberto José Pérez. / “La |
poesía de José Ramón Mercado”, Gloria Cepeda Vargas. /   |
“Siete maneras de matar a un gato, de Matías Néspolo”,   |
José Luis Muñoz. / “El camino de los sabios, de Walter   |
Riso”, Antonio Guerrero Ruiz. / “La ciudad de las noches |
sin estrellas. Rubén Alfonso, un nombre que comienza     |
bien en la literatura actual”, Pedro Pablo Pérez         |
Santiesteban. / “Las novelas de aparente color rosa...”, |
Ariel Batres Villagrán. / “Penia y Poros”, Alfonso       |
Ramírez de Arellano.                                     |
                                                         |
“Un fan de Dios”. Entrevista a Daniel Audoux, cura, por  | Entrevistas
Guillermo Bravo. / El poeta argentino Juan Pomponio      |
Castiglione: “Necesito vivir la vida como si fuese un    |
poema”, entrevista por Rafael Rosado.                    |
                                                         |
“Jardín umbrío de Ramón del Valle-Inclán”, Miguel Díez   | Sala de ensayo
R. / “Octavio Paz: un hombre y una obra”, Patricia       |
Lozano Lucas y Jorge Fernández Gonzalo. / “Joaquín       |
Torres-García. La búsqueda de lo universal en el arte”,  |
Elisabet Veliscek. / “El enigma del individuo en la obra |
de Víctor Montoya y Mariano Azuela”, Michael Abbott.     |
                                                         |
“Sin brotes”, Silvia Hebe Bedini. / “Homo poeticus”,     | Letras
Cristian Avecillas. / “Winner”, Jorge Castelli. /        |
“Herida”, Gabriel Rodríguez (textos) y Fulvio Fernández  |
(fotografías). / “La cuadratura y lo concreto”, Nelson   |
González Leal. / Poemas de Beatriz Iriart. / “Día de     |
muertos”, Odilón Moreno Rangel. / Poemas de Ernesto R.   |
del Valle. / “El árbol, la roca, la serpentina sierpe”,  |
María Eugenia Sáez. / “Con tus ramas de vidrio”, Adán    |
Echeverría. / “Nostalgia del bosque”, Arquímedes         |
González Torres. / “Al borde del estallido” (extractos), |
Víctor Parra.                                            |
                                                         |
“Material de derribo”, José Garés Crespo. / “A que te    | El regreso
cuento dos”, Antonio Castro.                             | del caracol
                                                         |
Cristina Peri Rossi.                                     | Post Scriptum
                                                         |
===========================================================================
             Premio Unicornio 1997 como Evento Cultural del Año
                     http://www.geocities.com/SoHo/8753
===========================================================================
   Premio "La Página del Mes" de Internet de México el 3 de mayo de 1998
                         http://www.internet.com.mx
===========================================================================
      Premio "Web Destacada del Mes" de MegaSitio en diciembre de 1998
                          http://www.megasitio.com
===========================================================================
    Premio Katiuska de El Mundo Diferente de Katiuska, en enero de 1999
                          http://www.redchilena.cl
===========================================================================
         Premio Key Site Award, de Fortress Design, en mayo de 1999
                       http://www.fortressdesign.com
===========================================================================
          Premio a la Excelencia, de Exodus Ltd., en mayo de 1999
                          http://www.exodusltd.com
===========================================================================
    Premio Mejor Página de Poesía, de La Blinda Rosada, en julio de 1999
                         http://blindarosada.org.ar
===========================================================================
   Segundo lugar en los premios Lo Mejor de Punto Com, diciembre de 2004
                          http://www.lomejorde.com
===========================================================================
      Finalista en los premios Lo Mejor de Punto Com, octubre de 2005
                          http://www.lomejorde.com
===========================================================================
    Finalista en los premios Stockholm Challenge 2006, Estocolmo, Suecia
                      http://www.stockholmchallenge.se
===========================================================================
   Premio Nacional del Libro de Venezuela 2007, Centro Nacional del Libro
                          http://www.cenal.gob.ve
===========================================================================
    Finalista en los premios Stockholm Challenge 2008, Estocolmo, Suecia
                      http://www.stockholmchallenge.se
===========================================================================
Mención de honor en los premios Stockholm Challenge 2010, Estocolmo, Suecia
                      http://www.stockholmchallenge.org
===========================================================================

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|||||||||||||||||||||||||||||||    BREVES    ||||||||||||||||||||||||||||||

La voz de Dios. El musicólogo Gregorio Montiel Cupello ofrecerá en Caracas
una charla ilustrada, y musicalizada en vivo por el grupo So Sambistas,
sobre Milton Nascimento, el famoso cantante brasileño de quien Elis Regina
dijo un día: “Si Dios cantase, lo haría con la voz de Milton”. Durante la
charla se hará especial referencia a su singular repertorio, del que han
salido clásicos que trascendieron las fronteras brasileñas como “María,
María”, “Fe cega, faca amolada”, “Nos bailes da vida”, “Coração de
estudante”, “Certas canções”, “Raça” o “Portal da cor”. Con esta actividad,
Montiel Cupello y Só Sambistas continúan con un acercamiento a Nascimento
iniciado en septiembre del año pasado. El encuentro será el próximo 24 de
marzo a las 7 de la noche en la sede del Instituto Cultural Brasil
Venezuela (quinta Degania; avenida San Felipe entre 1ª y 2ª transversales
de La Castellana Alta).
http://www.icbv.org.ve

Brindis por el futuro. Revista Ojo y @Hoyquehay reunirán en Caracas, el
próximo viernes 25 de marzo, a centenares de jóvenes activos-talentosos que
sostienen o quieren iniciar proyectos, en la segunda edición de “El Futuro
Promete: Brindis por los talentos emergentes”. Distintos talentos en sus
diferentes disciplinas se verán las caras ese día, intercambiarán
experiencias y generarán su propia base de datos mientras celebran con
brindis y música. En 2009 se realizó la primera edición de este evento, en
la que participaron más de 600 jóvenes. Algunos de los talentos emergentes
que se presentaron ese día, hoy son ya figuras establecidas en su área. En
esta segunda edición se contará con la presencia y testimonio del Colectivo
Abstractor (música), Proyecto Picta (diseño), George Harris (stand up
comedy), Cept (hip hop), Vero Gómez (La Mega), La Clem de La Clem (banda),
Naranja Pelada (proyecto universitario), TuDescuentón.com (negocios), Luis
Palencia (diseñador gráfico), Linda Meléndez (fotógrafa invitada, de
Maracaibo) y Leonardo Ramírez (fotógrafo). La actividad, de entrada libre,
será el viernes 25 a partir de las 7 de la noche en el Centro de Arte Los
Galpones, en Los Chorros (Caracas).
http://www.revistaojo.com

Diafragmando en Monagas. Con la participación de reconocidos investigadores
de la fotografía de distintos puntos de la geografía venezolana se
desarrollará en la ciudad venezolana de Maturín, Monagas, la primera
edición de la jornada “Diafragmando: experiencias colectivas, experiencias
vividas”, el próximo sábado 26 de marzo en la Biblioteca Pública Central
Dr. Julián Padrón del Complejo Cultural de Maturín. El evento es organizado
por Fundafoto Monagas y tiene el propósito de propiciar un primer
acercamiento a algunas experiencias, individuales y colectivas en materia
fotográfica, desarrolladas en Venezuela. La agenda de la jornada es muy
variada y reunirá a reconocidos investigadores venezolanos, algunos con
trayectoria académica, quienes aclararán las principales dudas del
colectivo y ahondarán en el estudio de la imagen. Entre los invitados
figuran el licenciado Álvaro Silva, coordinador del taller de Producción
Gráfica y Audiovisual de la Facultad de Arquitectura y Diseño de la
Universidad del Zulia (LUZ); Luis Duarte, coordinador nacional del Proyecto
Ciudad Compartida; Ramón Grandal y Gilda Pérez, fundadores y miembros de
Enphoco Photo Agency; el fotógrafo monaguense Oscar Martínez, y la
investigadora Kari Luchony, además de una videoconferencia desde Panamá con
el fotógrafo venezolano Aaron Sosa. Los interesados en inscribirse en la
jornada deben contactar al equipo organizador mediante el número telefónico
(0424) 9395824, a través del perfil de Fundafoto Monagas en Facebook o
escribiendo a la dirección electrónica fundafotomonagas@gmail.com. La
inscripción tiene un costo de 250 bolívares.
http://www.facebook.com/profile.php?id=100000810211985

Filven fantástica. El próximo domingo 27 de marzo, entre 2 y 4 de la tarde,
se realizará en Caracas el Encuentro de Literatura Fantástica de la VII
Feria Internacional del Libro de Venezuela, Filven 2011, evento en el que
participarán los escritores venezolanos Jorge De Abreu
(http://www.letralia.com/firmas/deabreujorge.htm), Jorge Gómez Jiménez
(http://www.letralia.com/firmas/gomezjimenezjorge.htm), Ronald Delgado,
Gabriel Jiménez Emán
(http://www.letralia.com/firmas/jimenezemangabriel.htm), Neguel Machado y
Eloi Yagüe, con la presencia del laureado escritor cubano José Miguel
Sánchez (Yoss) en calidad de invitado especial. En la primera parte del
encuentro se celebrará el foro “Aspectos que distinguen a la ciencia
ficción, la visión de los autores”, en el que, con la moderación de la
escritora Susana Sussmann
(http://www.letralia.com/firmas/sussmannsusana.htm), del portal Los
Forjadores (http://forjadores.net), los autores dialogarán sobre los
personajes no humanos y el lenguaje en la ciencia ficción. Posteriormente,
se realizará la presentación de los libros La macagua silbadora, de Neguel
Machado, a cargo de Deisa Tremarias, y Cuando amas debes partir, de Eloi
Yagüe, a cargo de Gabriel Jiménez-Emán. También será presentado el número 1
de la revista Tlön, con la participación de Yoss y Susana Sussmann. La
actividad se realizará a partir de las 2 de la tarde el domingo 27 en la
sala Librerías del Sur del Teatro Teresa Carreño, en Caracas.

Escribiendo en micro. La escritora colombiana María Paz Ruiz
(http://www.letralia.com/firmas/ruizmariapaz.htm) dictará en La
Piscifactoría, en Madrid, del lunes 28 al miércoles 30 de marzo, un
seminario de microrrelato que proveerá de las herramientas propias de la
narrativa hiperbreve. La capacidad creativa y el sentido crítico de los
alumnos serán estimulados por ejercicios prácticos. Las sesiones serán
participativas y el nivel del taller se adaptará a las distintas
necesidades de cada alumno, pues se atiende a su proceso literario como
algo personal, y en crecimiento. Al finalizar el taller el alumno estará en
capacidad de elaborar piezas de microficción propias. El taller, que tiene
un costo de 70 euros, se realizará en sesiones de dos horas entre las 18 y
las 20. Ruiz (Bogotá, 1978), quien reside en España desde el año 2000, es
periodista de la Universidad de Navarra, máster en estudios literarios y
doctorada en creatividad aplicada. Inició su carrera como novelista con
Memorias de soledad, que resultó finalista del Premio Joven UCM en 2010.
Sus microrrelatos aparecen publicados en Letralia, el periódico El
Espectador de Colombia, Palabra Abierta, suplemento cultural del diario
Hispanic L.A de Estados Unidos, y en el periódico universitario Tribuna
Complutense. Es autora del blog de microrrelatos Diario de una cronopia
(http://lacomunidad.elpais.com/historias-de-una-cronopia) y acaba de
obtener el premio Encarna León con el relato “La hija del Caribe”. Ha sido
invitada a formar parte de la antología del microrrelato que publicará en
2011 la editorial Páginas de Espuma, a cargo de Fernando Valls. depresión
http://lapiscifactoria.wordpress.com/seminarios/seminario-de-microrrelato

Viajes con letras. La asociación Autores Venezolanos abre su programación
de 2011 con una lectura literaria enfocada en la relación entre las letras
y los viajes. El evento, llamado “Literatura para viajar”, contará con la
participación de las escritoras venezolanas Gisela Cappellin, Kira
Kariakin, Isabel Cecilia González, Ana María Velázquez y Astrid Lander,
quienes acompañadas por el poeta Joaquín Marta Sosa leerán crónicas y
poemas viajeros que conducen, más allá de los parajes recorridos —Roraima,
Nepal, África, Cadaqués, India, Nueva York y Sevilla—, a la interiorización
anímica. La actividad se realizará el jueves 7 de abril a partir de las
6:30 de la tarde en la Sala Cabrujas del Centro Cultural Chacao, en la 3ª
Avenida de Los Palos Grandes, en Caracas.
http://autoresvenezolanos.blogspot.com

Escribiendo telenovelas. La escritora Mharía Vázquez Benarroch
(http://www.letralia.com/firmas/vazquezbenarrochmharia.htm) iniciará el
próximo 28 de abril su taller “¿Cómo se escribe una telenovela?”, en el que
proveerá de herramientas de escritura para la creación de guiones,
telenovelas y miniseries, desde los primeros pasos, cómo se diseña y cuáles
son las estructuras de las tramas, hasta integrar un proyecto, que puede
ser presentado a cualquier televisora nacional o internacional. El taller
está dirigido especialmente a personas creativas, estudiantes de
comunicación social, arte o letras, y especialistas en cine y televisión.
Vázquez Benarroch tiene una vasta experiencia en el área, tras haber
trabajado por más de dos décadas escribiendo telenovelas venezolanas hoy
consideradas clásicas, con autores de la talla de Julio César Mármol, José
Ignacio Cabrujas, Kiko Olivieri y Luis Colmenares. Actualmente escribe
guiones para televisoras latinoamericanas. El taller será dictado en seis
sesiones, los jueves de 5 de la tarde a 8 de la noche, además de diez horas
de asesoría a través de Internet. Las clases presenciales serán en La Casa
Azul de Campo Claro, en La Carlota (Caracas).
http://imagomundi.net.ve

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||||||||||||||||||||||||||||||    NOTICIAS    |||||||||||||||||||||||||||||

*** Carlos Fuentes apadrina libro de artistas con síndrome de Down

El escritor mexicano Carlos Fuentes asistió el pasado 8 de marzo a la
presentación del libro Escuela Mexicana de Arte Down, que reúne la obra de
29 artistas de esta escuela y que es el primer libro de arte en el mundo
que difunde el talento, las propuestas estéticas y la sensibilidad de
creadores que nacieron con esta alteración genética.

En la presentación, que se realizó en la sala de espectáculos del Palacio
de Bellas Artes, el autor de La región más transparente, quien escribió el
prólogo del libro, recordó que en México millones de jóvenes no reciben
educación o interrumpen su proceso de educación continua debido a la
pobreza.

En este contexto, afirmó, “la Escuela Mexicana de Arte Down enriquece
constantemente el proceso educativo del país”. Ésta “es parte del
desarrollo educativo de la nación”.

El novelista mexicano definió a la educación como “un proceso
ininterrumpido de adquisición de conocimientos y sobre todo de liberación
de actitudes. La educación asegura la continuidad de la memoria, la razón,
la comunicación y la imaginación como lo hace la Fundación Langdon Down”,
señaló el autor de Aura.

“Veo estas obras y mi mayor satisfacción es entender lo que no sé de mí
mismo ni de los demás”. Estas pinturas “nos permiten conocernos mejor a
nosotros mismos y a ustedes (los artistas) que aumentan las posibilidades
del porvenir y nos dicen que no habrá más futuro que no los tome en cuenta.
No sólo crean arte, crean reconocimiento, amor y esperanza”, añadió el
escritor.

Durante la presentación de Escuela Mexicana de Arte Down, el artista Rafael
Cauduro, la canciller Patricia Espinosa y la fundadora de John Langdon
Down, Sylvia García-Escamilla, hablaron de este libro de gran formato
editado por GM Editores e integrado por 360 páginas y 180 ilustraciones.

En la ceremonia, el muralista mexicano Rafael Cauduro habló de su
experiencia con Juliana, su hija de 13 años que nació con síndrome de Down,
y de la importancia de la Escuela Mexicana de Arte Down, en la que se
“promueven juicios y no prejuicios” en torno al arte.

En la presentación de Escuela Mexicana de Arte Down, la canciller Patricia
Espinosa calificó el trabajo de los 29 artistas como “una obra excepcional
en múltiples sentidos”.

Agregó que la obra de estos creadores que “nos aportan su luz, que iluminan
nuestro camino y que nos abren las puertas de una realidad alterna”, debía
propiciar una reflexión personal entre los asistentes.

La presencia internacional de las pinturas, grabados y litografías de los
alumnos de la Escuela de Arte Down forma parte del programa cultural de la
Secretaría de Relaciones Exteriores de México e incluye las exposiciones
“Colores del alma” y “Colores del viento”, presentadas en museos y galerías
de 38 ciudades de América, Europa y Asia.

En 1972, Sylvia García-Escamilla creó la Fundación John Langdon Down luego
de que su hijo Eduardo, quien nació con síndrome de Down, muriera a los
cinco años en un trágico accidente automovilístico.

Durante el evento de presentación del libro, la fundadora de esta
asociación civil aseguró que esta alteración genética ocurre,
aproximadamente, en uno de cada 700 nacimientos, pero también recordó que
su origen “no está relacionado con la nacionalidad ni con la condición
social”.

Añadió que las personas con síndrome de Down, la causa más común de
discapacidad intelectual, “tienen derecho a vivir en plenitud, a expresarse
y a ser felices”.

A lo largo de casi 40 años, la fundación John Langdon Down se ha dedicado a
la atención educativa, médica y psicológica de niños, adolescentes y
adultos que nacieron con esta alteración genética ocasionada por la
presencia de un cromosoma extra en el par 21.

En la realización de Escuela Mexicana de Arte Down, además del escritor
Carlos Fuentes, del muralista Rafael Cauduro y de la presidenta de John
Langdon Down, Sylvia García-Escamilla, colaboraron Julio Frenk Mora, Luis
Alfonso de Alba y los investigadores Louise Arbour, Siegfried M. Pueschel,
David Braddock, Laura Haffer y Horace Mann.

Afuera de la sala de espectáculos del Palacio de Bellas Artes fueron
exhibidas algunas de las obras de estos destacados artistas mexicanos.

Fuente: El Universal



*** Galardonada en España novela de la venezolana María Iholanda Rondón

La novela Usted me tiene que atender, de la escritora venezolana María
Iholanda Rondón de Cárdenas
(http://www.letralia.com/firmas/rondondecardenasmariaiholanda.htm), obtuvo
el Premio Princesa Galiana de Narrativa Femenina en su novena edición, cuya
ceremonia de entrega se celebró el pasado 8 de marzo, Día Internacional de
la Mujer, en la Sala Capitular del Ayuntamiento de Toledo.

El certamen establece un primer premio de 3.000 euros a la novela premiada
así como la primera edición de 25.000 ejemplares de la misma, a cargo de la
Fundación Caja Castilla La Mancha, mientras que el segundo premio,
específico para mujeres noveles, está dotado con 1.500 euros y la edición
de la novela por parte del Ayuntamiento de Toledo. En esta edición el
accésit recayó sobre la obra Las viudas de Antequera, de Cristina Sánchez
Tallafigo.

Rondón de Cárdenas (Mérida, 1968) es abogada y tiene una maestría en
ciencias políticas, ambos grados obtenidos en la Universidad de Los Andes
(ULA). Docente universitaria, ha desarrollado actividades en diversas
bibliotecas de Venezuela. Textos suyos han aparecido en el suplemento
literario Pliegosuelto del periódico El Universitario, en Mérida, así como
en el órgano divulgativo de la Academia de Mérida.

Ha publicado Como yo te he querido (poesía, 1996), Un gramófono al final de
una guerra (novela, 2003) —cuya edición digital
(http://www.letralia.com/ed_let/gramofono) fue publicada en 2004 por
Editorial Letralia—, Dos cuentos (cuentos, 2006) y Volver a Escuque
(novela, 2009). Su poemario Veinte cantos de amor y de dolor obtuvo en 1992
el primer premio del 4º Concurso Anual de la Dirección de Asuntos
Estudiantiles de la ULA.

Fuente: Ayuntamiento de Toledo



*** Austria concede Premio de Literatura Europea al español Javier Marías

El escritor español Javier Marías es el ganador del Premio Estatal
Austríaco de Literatura Europea 2011 por el conjunto de su obra, de una
destacada “narrativa de auténtica dimensión europea”, informó el ministerio
de Educación, Arte y Cultura de Austria el pasado 9 de marzo.

En un comunicado, el ministerio recuerda que el galardón está dotado de
25.000 euros (34.700 dólares) y es otorgado anualmente desde 1965 a un
autor europeo por la totalidad de su obra.

Según la nota, el jurado ha premiado a Marías “por una obra narrativa de
auténtica dimensión europea, donde combina la reflexión sobre los abismos
de la naturaleza humana con el pensamiento sobre la moral, la historia y la
política”.

“Sus híbridas construcciones novelísticas son al mismo tiempo epopeyas
metafísicas y sondeos profundos; análisis de la maldad, la crueldad del ser
humano y su libertad. Siempre en el contexto de la historia europea”,
continúa la argumentación del jurado, integrado por Lucas Cejpek, Manfred
Chobot, Benedikt Föger, Brigitte Hofer y Sigrid Löffler.

La ministra austríaca de Educación, Arte y Cultura, Claudia Schmied,
entregará el premio al autor de Corazón tan blanco en una ceremonia que
tendrá lugar el próximo 30 de julio en el Centro Stefan Zweig de la ciudad
de Salzburgo.

“Con Javier Marías tenemos un premiado realmente ideal: un literato que
escribe desde el centro de la historia europea del siglo XX. Su obra es un
continente propio en el mapa de la literatura europea de vanguardia”,
señaló Schmied.

Nacido en 1951 en Madrid, Javier Marías Franco es uno de los escritores
españoles más reconocidos internacionalmente y ha recibido numerosos
premios.

Fue elegido académico de la lengua para la vacante del lingüista Fernando
Lázaro Carreter (sillón “R”) el 29 de junio de 2006 y leyó su discurso de
ingresó el 27 de abril de 2008.

El novelista, ensayista y traductor es miembro del Oxford Companion to
English Literature desde 2000 y del Consejo Ejecutivo del Parlamento
Internacional de Escritores desde 2001.

Elogiado por la crítica, en 2009 publicó en un solo volumen Tu rostro
mañana, su obra cumbre, traducida a más de treinta idiomas, que reúne la
trilogía iniciada en 2002 con Fiebre y lanza, continuada en 2004 con Baile
y sueño y finalizada en 2007 con Veneno y sombra y adiós.

El galardón ha sido recibido antes por autores como Paul Nizon, Jorge
Semprún, A.L. Kennedy, Agota Kristof, Per Olov Enquista, Vaclav Havel,
Eugène Ionesco, Italo Calvino, Pavel Kohout, Simone de Beauvoir, Friedrich
Dürrenmatt, Christa Wolf, Stanislav Lem, Antonio Lobo Antunes o Umberto
Eco.

Fuente: EFE



*** Venezuela anunció composición de jurados de sus premios internacionales

    Seis escritores foráneos y tres venezolanos escogerán a los ganadores
    de los premios internacionales de Novela Rómulo Gallegos, de Ensayo
    Mariano Picón Salas y de Poesía Víctor Valera Mora.

El Centro de Estudios Latinoamericanos Rómulo Gallegos (Celarg,
http://www.celarg.gob.ve) anunció la composición de los jurados que
decidirán en sus tres justas literarias más importantes, los premios
internacionales de Novela Rómulo Gallegos, de Ensayo Mariano Picón Salas y
de Poesía Víctor Valera Mora.

El Premio Rómulo Gallegos, cuyo plazo de recepción ha sido extendido hasta
el próximo 31 de marzo, será decidido por la mexicana Carmen Boullosa, el
venezolano Freddy Castillo Castellanos y el colombiano William Ospina,
ganador de la pasada edición por El país de la canela.

Abierto a novelas publicadas en 2009 y 2010, el certamen está dotado con
260.000 bolívares y la publicación de la obra ganadora en una edición que
circulará sólo en Venezuela. El fallo se dará a conocer en rueda de prensa
el próximo 2 de junio. Asimismo, el galardón será otorgado el 2 de agosto,
fecha conmemorativa del natalicio de Rómulo Gallegos, en la sede del
Celarg.

Uno de los más prestigiosos premios literarios de habla hispana, el premio
se concede cada dos años, y fue creado en 1967 con la finalidad de
perpetuar y honrar la obra del eminente novelista venezolano Rómulo
Gallegos, además de estimular la actividad creadora de los escritores de
habla castellana.

Poeta, novelista, guionista y dramaturga, Boullosa forma parte de la
generación sin nombre que se agrupó alrededor del Taller Martín Pescador.
Hizo estudios de lengua y literatura hispánica en la Universidad
Iberoamericana y en la Universidad Nacional Autónoma de México. Trabajó
como redactora del Diccionario del español de México en El Colegio de
México. En 2008 obtuvo el Premio Café Gijón de novela por El complot de los
románticos.

Ospina es poeta, ensayista y novelista. Fue redactor en la edición
dominical de diario La Prensa de Bogotá, escribió ensayos sobre Lord Byron,
Charles Dickens, Emily Dickinson, Las mil y una noches, literatura árabe y
las brujas de Macbeth, entre otros temas. Actualmente escribe una columna
semanal en el diario El Espectador y este año publicará su tercera novela,
La serpiente sin ojos.

Castillo Castellanos es abogado egresado de la Universidad Central de
Venezuela (UCV). Hizo estudios de postgrado en la Facultad de Derecho de la
Universidad de Barcelona, en España. Es doctor en derecho penal y en
filosofía del derecho con mención sobresaliente. Es rector-fundador de la
Universidad Nacional Experimental del Yaracuy (Uney). En el plano
internacional es miembro del Comité Jurídico Interamericano de la OEA, con
sede en Brasil.

El jurado del V Premio Internacional de Ensayo Mariano Picón Salas —cuyo
plazo de recepción cerró el pasado 10 de diciembre— ha quedado compuesto
por la ganadora de la cuarta edición, la escritora venezolana Mariana
Libertad Suárez, el profesor-investigador mexicano Héctor Díaz-Polanco y el
profesor e investigador argentino Pablo Gentili, quienes se reunirán en
Caracas para dar su fallo en acto público el próximo 19 de agosto,
otorgando al trabajo ganador un premio de 20.000 dólares o su equivalente
en moneda nacional y la publicación de la obra. El galardón será entregado
el 19 de octubre de 2011.

El premio tiene el propósito de honrar la obra y el pensamiento del ilustre
escritor venezolano Mariano Picón Salas, así como de estimular la actividad
creadora de los ensayistas en lengua castellana. Participan noventa y ocho
obras inéditas (http://bit.ly/flch09) sobre tema libre escritas en lengua
castellana.

Ganadora de la anterior edición del premio con Sin cadenas ni misterios:
Representaciones y autorepresentaciones de la intelectual venezolana
(1936-1948), Suárez nació en Caracas, es diplomada en estudios
postdoctorales de la Facultad de Ciencias Económicas y Sociales (Faces) de
la Universidad Central de Venezuela y doctora en filología hispánica de la
Universidad Complutense de Madrid. Se desempeña como profesora del
Departamento de Literatura de la Universidad Simón Bolívar (USB).

El mexicano Díaz-Polanco es antropólogo por la Universidad Nacional
Autónoma de México (Unam) y doctor en sociología por El Colegio de México
(Colmex). Actualmente es profesor-investigador del Centro de
Investigaciones y Estudios Superiores en Antropología Social (Ciesas). En
2006 obtuvo el Premio Internacional de Ensayo de Siglo Veintiuno Editores,
la Unam y la Universidad de Sinaloa, y en 2008 recibió el Premio de Ensayo
Casa de las Américas “Ezequiel Martínez Estrada”. Sus obras más recientes
son El laberinto de la identidad (Unam, 2006) y Elogio de la diversidad:
globalización, multiculturalismo y etnofagia (Siglo XXI Editores, 2ª
edición, 2007).

Gentili es licenciado en ciencias de la educación por la Universidad de
Buenos Aires (UBA), máster en ciencias sociales con mención en educación
por la Facultad Latinoamericana de Ciencias Sociales (Flacso-Programa
Argentina) y doctor en educación por la UBA. Es profesor regular en la
Universidad del Estado de Río de Janeiro y reside en Brasil desde 1998.
Allí es coordinador del Observatorio Latinoamericano de Políticas
Educacionales (Olped), dependiente de la Universidad del Estado de Río de
Janeiro.

En cuanto al Premio Internacional de Poesía Víctor Valera Mora, que este
año celebra su tercera edición, su veredicto será anunciado el 15 de julio
por un jurado compuesto por el alemán Tobías Burghardt, la venezolana Judit
Gerendas (http://www.letralia.com/firmas/gerendaskissjudit.htm) y el
colombiano Jotamario Arbeláez, ganador de la edición anterior con Paños
menores.

Concebido para reconocer la creación poética actual, fortalecer vínculos
culturales en el escenario internacional y rendir homenaje a la memoria del
poeta venezolano Víctor Valera Mora, el premio mantiene en competencia
ciento doce obras (http://bit.ly/gTYqdf) publicadas en primera edición en
2008 y 2009. El plazo para la admisión de obras participantes cerró el 31
de diciembre de 2010. La entrega se celebrará en acto público el 15 de
septiembre. El premio está dotado de diploma y la cantidad de 100.000
dólares o su equivalente en moneda nacional.

Burghardt (http://www.tobiasburghardt.net) nació en Essen-Werden en 1961, y
después de varios años en Bolivia y Argentina, reside en Stuttgart,
Alemania. Es poeta, ensayista, antólogo, periodista cultural y editor.
Dirigió la revista de ensayo y poesía Delta (1987-1991), dedicada a las
letras latinoamericanas e ibéricas. Desde 1989 dirige la editorial Edition
Delta. Escribe para los periódicos Stuttgarter Zeitung (Alemania) y Neue
Zürcher Zeitung (Suiza). Ha publicado en Alemania diversas antologías sobre
poesía española (1993), argentina (1995), boliviana (1996), nueva poesía
latinoamericana (1996), letras judeolatinoamericanas (1998), nueva poesía
colombiana (2001), joven poesía venezolana (2002) y poesía caribeña, cubana
y dominicana (2003). Sus poemas han sido traducidos a veintitrés idiomas y
han sido publicados en antologías, revistas de poesía y periódicos de
diversos países.

Húngara de nacimiento —Budapest, 1940—, Gerendas es investigadora, docente,
ensayista y narradora. Obtuvo la licenciatura en letras en la UCV y un
doctorado en literaturas hispánicas en la Universidad Eötvös Lóránd de
Budapest. Ejerció la docencia en la Escuela de Letras de la UCV teniendo
además bajo su responsabilidad altos cargos en esa casa de estudios, para
la cual trabajó durante 25 años. Ha sido colaboradora en importantes
publicaciones literarias para Hispanoamérica. Recibió en 1996 el Premio
Anual del Concurso de Cuentos del diario El Nacional con “La escritura
femenina”; el Premio Municipal de Literatura en Novela con La balada del
bajista, 2007, y le fue otorgada la Orden José María Vargas en su segunda
categoría conferida por el Consejo Universitario de la UCV. Ha publicado,
entre otros títulos, El fósforo cautivo: literatura latinoamericana y
autodeterminación (1992), Aproximaciones a la obra de Miguel Otero Silva
(1993) y Volando libremente (2000).

Nacido en Cali en 1940, Arbeláez  es un poeta autodidacta y antiacadémico y
una de las figuras del Nadaísmo, movimiento poético iconoclasta. Su poema
contra el claustro, “Santa Librada College”, lo hizo famoso y viajó por el
mundo predicando la poesía de su grupo. Fue secretario de Cultura del
Departamento de Cundinamarca, cargo con el cual fundó ciento catorce bandas
musicales y una sinfónica, apoyó la obra creativa de pintores y editó
numerosos libros para la región. Es periodista, profesor universitario,
declarado insurgente de los modelos literarios costumbristas impuestos a
nivel nacional y regional. Ha ganado el Premio Nacional de Poesía de la
Editorial Oveja Negra y la revista Golpe de Dados (1980) con Mi reino por
este mundo, el Premio Nacional de Poesía de Colcultura (1995) con La casa
de memoria, y el Premio de Poesía del Instituto Distrital de Cultura (1999)
con El cuerpo de ella, entre otros reconocimientos. Actualmente es
columnista del diario El Tiempo.

Fuente: Celarg



*** Feltrinelli compra acciones de la cadena de librerías La Central

El grupo editorial italiano Feltrinelli, que compró recientemente la
editorial española Anagrama, prosigue su implantación en España con la
entrada en el accionariado de la cadena catalana de librerías La Central.
Según un comunicado emitido el pasado 10 de marzo por la librería
barcelonesa, una primera ampliación de capital facilitará que Feltrinelli
acceda al 16,74% de la sociedad hasta hacerse con el 43,62% al cabo de
cinco años.

Las nuevas librerías que se abran en España seguirán llevando el nombre de
La Central y estarán gestionadas por su actual equipo directivo. Para La
Central, este acuerdo representa “el reto de desplegar nuestro modelo de
librería cultural ya consolidado en los cuatro establecimientos de
Barcelona y los dos de Madrid. Se trata de aprovechar el prestigio y la
experiencia de las librerías Feltrinelli para poder crecer innovando”.
Estas nuevas librerías organizarán actividades culturales, además de
reforzar el servicio por Internet y tendrán también cafeterías.

Carlos Feltrinelli ha asegurado que esta operación permite al grupo
editorial exportar por primera vez “la gran experiencia que hemos
desarrollado en Italia en la apertura y gestión de librerías”. El grupo
Feltrinelli, que cuenta con 104 librerías en su país, en las cuales venden
libros, discos, gadgets, filmes e incluso papelería, ha solicitado un
crédito de 180 millones de euros a la banca italiana para relanzar un
superholding que cuenta con varias ramas: editorial, distribución
multimarca, inmobiliaria y cadenas comerciales.

El grupo editorial, que en su día fue un referente de la izquierda
revolucionaria, ha derivado al negocio multi-retail, con establecimientos
abiertos en estaciones y ahora se plantea aumentar la diversificación del
negocio con la restauración —ya ha comprado una famosa focacceria italiana—
y la construcción, con proyectos inmobiliarios en Milán. El siguiente paso
es la expansión internacional, primero en España (empezando por Madrid y
Barcelona) y enseguida en Latinoamérica.

El holding tiene una cifra de negocios de 470 millones de euros, de los
cuales, un 75% procede de los libros, un 65% por librerías y sólo un 35%
por su actividad editorial, con un catálogo que incluye a Ken Follet y
Antonio Tabucchi.

Fuente: La Vanguardia



*** Inauguran ciclo “Lecturas de Puerto Malo” en homenaje a Eugenio Montejo

En homenaje al poeta venezolano Eugenio Montejo, quien falleció el 5 de
junio de 2008, fue inaugurado este 10 de marzo, en la Biblioteca Los Palos
Grandes, en Caracas, el ciclo de sesiones “Lecturas de Puerto Malo”, con
una primera jornada en la que la profesora, poeta y ensayista Elena Cardona
y el Premio Herralde, poeta y articulista Alberto Barrera Tyszka
recorrieron la primera parte de El cuaderno de Blas Coll (1981).

Organizado por Cultura Chacao (http://www.culturachacao.org), el ciclo
continuará semana tras semana, permitiendo a los caraqueños conocer,
apreciar y discutir la obra de Eugenio Montejo y de sus heterónimos. “Cada
encuentro es una ocasión ideal para escuchar en la voz de otros autores la
obra de uno de los poetas venezolanos más relevantes del siglo XX”,
aseguraron los organizadores de la iniciativa.

El trabajo de Montejo no fue el único revisado en estos círculos de
lectura. A las 7 de la noche, la obra del poeta Rafael Cadenas fue abordada
a través de su publicación más reciente, Rostros y decires. La publicación
es un proyecto fotobiográfico editado por La Cámara Escrita, que cuenta con
la diagramación de Álvaro Sotillo y las fotografías de Lisbeth Salas, bajo
el patrocinio de Banesco.

En esta segunda sesión poética participaron el profesor, poeta y ensayista
Rafael Castillo Zapata y la reconocida docente y escritora María Fernanda
Palacios, ambos cercanos a la vida y obra del maestro Cadenas. Los
encuentros posteriores serán anunciados por Cultura Chacao oportunamente.

Fuente: Cultura Chacao



*** Vargas Llosa recibió en Monterrey el Premio Alfonso Reyes

El escritor peruano-español Mario Vargas Llosa recibió en México el Premio
Internacional Alfonso Reyes de manos del gobernador de Monterrey, Rodrigo
Medina, durante una ceremonia efectuada el pasado 10 de marzo en el Palacio
de Gobierno, en Nuevo León.

Antes, el Nobel de Literatura 2010 develó en la Capilla Alfonsina de la
Universidad Autónoma de Nuevo León una placa alusiva al galardón.

El autor destacó que recibir el reconocimiento que rinde un homenaje a un
extraordinario escritor lo incorpora a un grupo de autores admirables,
entre los que aparecen Jorge Luis Borges, el Nobel mexicano Octavio Paz,
Carlos Fuentes y Alejo Carpentier.

Vargas Llosa indicó que Alfonso Reyes asumió su vocación creadora de manera
extraordinariamente válida para nuestro tiempo, no como una vocación que lo
aislara del mundo y lo sumiera en un universo privado y genial, sino como
un puente a través del cual vivió todas las experiencias importantes de su
tiempo y las tradujo en literatura, poesía, drama, ensayos y en crónicas
“que corrían por toda América Latina y se leían con extraordinaria avidez,
por la inteligencia de su pensamiento y por el interés de sus comentarios”.

Reyes fue un extraordinario prosista, de una claridad cristalina, llena de
belleza y al mismo tiempo madura en ideas; fue un escritor que no vaciló en
convertirse en un autor de manuales para llegar al gran público con temas
de historia, filosofía, con temas políticos, en esa misma prosa clara que
hacía accesible al profano el mundo del especialista, subrayó el
galardonado.

El Premio Internacional Alfonso Reyes fue creado en 1972, y este año lo
otorgaron por primera vez universidades de Monterrey junto al Consejo
Nacional para la Cultura y las Artes (Conaculta), el Instituto Nacional de
Bellas Artes (INBA) y la Sociedad Alfonsina Internacional.

Fuentes: La Jornada • Vanguardia



*** Colombiana María Paz Ruiz gana el Encarna León de Relatos

La escritora colombiana María Paz Ruiz
(http://www.letralia.com/firmas/ruizmariapaz.htm) se alzó el pasado 11 de
marzo con el X Certamen de Relato Corto “Encarna León”, convocado por la
Consejería de Educación y Colectivos Sociales, Viceconsejería de la Mujer
de la Ciudad Autónoma de Melilla, en España.

La autora nacida en Bogotá en 1978 —y quien reside en Madrid desde 2000—
obtiene el premio, dotado con 6.000 euros, con el relato “La hija del
Caribe”, que según el jurado “es realismo mágico puro teñido de humor
especial que da ternura y una mayor emoción a lo narrado”.

Asimismo, “porque es sobrecogedor y reúne una mezcla de voces femeninas que
dan intensidad a la narración”, el jurado acordó dar el segundo premio al
relato “Marta quiere ser árbol”, del español Manuel Luque Tapia, quien
reside en Córdoba y recibirá una dotación de 2.500 euros. Ambos relatos
serán publicados en un libro que se presentará el próximo año.

El plazo de presentación finalizó el pasado 25 de noviembre y se
registraron 631 relatos, provenientes de España y otros 37 países. Entre
los requisitos de este concurso se encuentran escribir un texto original de
entre ocho y quince folios con temática libre, pero en los que la mujer
tenga un papel especial y se dignifique su imagen en la sociedad.

En el acto fue bautizado el libro correspondiente a la novena edición, que
recoge el relato ganador, “Dos sorbos exactos”, de Gladys Ruiz de Azúa
Aracama, junto a “El sastre”, de Janette Becerra, que obtuvo el segundo
lugar.

Fuente: El Faro Digital



*** Falleció el escritor argentino David Viñas

El escritor argentino David Viñas, un referente de los círculos
intelectuales de Buenos Aires, falleció a los 83 años de edad durante la
madrugada de este viernes 11 de marzo, tras el agravamiento de un cuadro
infeccioso producto de una neumonía. El escritor deja como legado una
prolífica obra como novelista, ensayista y dramaturgo.

Una neumonía de base que derivó en una septicemia ameritó que Viñas fuera
internado el pasado 22 de febrero en el sanatorio Güemes de la capital
argentina, donde finalmente falleció. En los últimos días, el escritor,
editor y director de la carrera de Letras de la Universidad de Buenos Aires
(UBA), Américo Cristófalo, había anunciado que Viñas se encontraba “en
proceso de recuperación”.

En esa ocasión, Cristófalo declaró a la prensa de su país que Viñas se
encontraba “perfectamente lúcido, y de muy buen humor”, aunque aclaró que
“eso no quiere decir que su estado sea óptimo pero está en vías de
recuperación”. El editor de la casa Paradiso acababa de publicar uno de los
volúmenes de la historia de la literatura argentina dirigido precisamente
por Viñas.

Nacido en Buenos Aires el 28 de julio de 1927, Viñas fue en 1953, junto a
su hermano Ismael Viñas, miembro fundador de la revista literaria Contorno.

Doctor en Letras por la Universidad de Rosario, Viñas recibió en 1962 el
Premio Nacional de Literatura por su novela Dar la cara, galardón que
volvió a recibir en 1971 por su libro Jauría. En 1972 recibió el Premio
Nacional de Teatro por su obra Lisandro y al año siguiente ganó el Premio
Nacional de la Crítica por la pieza teatral Tupac-Amaru.

De militancia marxista y presidente de la Federación Universitaria de
Buenos Aires, debió exiliarse en México y España durante la última
dictadura militar (1976-1983), régimen durante el cual secuestraron y
desaparecieron sus dos hijos, María Adelaida y Lorenzo Ismael.

“Fue todo muy terrible, la muerte de los dos hijos, demasiado duro. Cinco
meses después de haberme instalado en Europa, recibí una carta de Adelaida,
mi esposa, anunciándome que había desaparecido la nena. Y en el 79 me llamó
al barrio de El Escorial una mujer a la que yo no conocía, para avisarme
que habían asesinado a Lorenzo Ismael. Era una locura, me daba contra la
pared”, contó en una entrevista.

En 1981, durante su exilio en México, fundó la editorial Tierra del Fuego
junto a los también escritores argentinos Pedro Orgambide, Jorge Boccanera,
Alberto Ádelach y Humberto Costantini. Entre 1973 y 1983 dio clases de
literatura en California, Berlín y Dinamarca.

Con el fin de la dictadura, regresó a Argentina en 1984 y ese mismo año fue
nombrado titular de la Cátedra de Literatura Argentina de la Facultad de
Filosofía y Letras de la Universidad de Buenos Aires, casa de estudios que
en 1998 le convirtió en “profesor emérito”.

En 1991 rechazó la beca Guggenheim, dotada con 25.000 dólares, como un
“homenaje” a sus hijos asesinados por la dictadura. “Resolví tirar 25 mil
dólares por la ventana. Y si me apurás un poco, fue un homenaje a mis
hijos. Me costó 25 mil dólares”, justificó el escritor.

Sus semblanzas lo pintan como un hombre crítico y jugado políticamente
desde su pluma, como un habitué de los cafés porteños y un formador de
intelectuales desde el ámbito catedrático.

Fuentes: Minuto Uno • Télam



*** Crean fundación para difundir la obra de Miguel Delibes

    En Alcobendas fue colocada la primera piedra de la Universidad Popular
    Miguel Delibes, que se prevé entre en funcionamiento en 2013.

La Fundación Miguel Delibes ha quedado constituida el pasado 12 de marzo en
Valladolid al cumplirse el primer aniversario del fallecimiento del
escritor y académico, según informaron familiares del autor de El camino.
La institución tiene como fines recopilar y custodiar el legado cultural
del escritor, estudiar y difundir su figura y su obra, y fomentar y apoyar
estudios sobre los temas que han sido constantes en su biografía y su obra
literaria.

“El día 12 de marzo de 2011, primer aniversario de la muerte del escritor,
por voluntad y a propuesta de sus siete hijos, se ha constituido en
Valladolid, ante el notario Ignacio Cuadrado Zuloaga, la fundación que
lleva su nombre”, se lee en una nota. Además de los siete hermanos Delibes
de Castro y de Emilio de Palacios Caro, patrono secretario, que tendrán la
consideración de patronos vitalicios, formarán parte del patronato otras
personas y entidades.

Se cita a Fernando Tejerina García, a la Junta de Castilla y León,
Ayuntamiento de Valladolid, Diputación de Valladolid, Universidad de
Valladolid a través de la Cátedra Miguel Delibes, Caja España de
Inversiones, Salamanca y Soria, Construcciones y Obras Llorente, S.A,
Fundación Iberdrola, El Norte de Castilla, S.A. y Editorial Destino, S.A.

Ejercerá la presidencia de la Fundación Elisa Delibes de Castro, hija del
escritor, y la secretaría recaerá sobre Emilio de Palacios, en tanto que la
presidencia de honor corresponderá al presidente de la Junta de Castilla y
León, que junto al alcalde de Valladolid tendrán la consideración de
patronos de honor.

Para el cumplimiento de sus fines, la Fundación Miguel Delibes aspira a
constituir una Biblioteca Delibes que recoja sus manuscritos, su obra en
todos los idiomas y sus libros personales, así como la bibliografía
generada en torno a su literatura y a su figura. Asimismo, se creará una
filmoteca con cuanto se ha convertido en imagen basado en Delibes o su
obra.

Entre las actividades programadas por la fundación se cuenta también la
custodia y conservación de objetos personales del escritor, tales como
premios, muebles, cuadros, colecciones particulares, y otros, con voluntad
de que puedan ser expuestas y conocidas por la sociedad en muestras
temporales o permanentes.

Asimismo, la fundación promoverá y apoyará la investigación en torno a la
obra del escritor en sus diferentes ámbitos (narrativa, pensamiento,
periodismo), poniendo de relieve su influencia en la lengua, la literatura
y la prensa, y publicará y propiciará la edición de trabajos relacionados
con el tema.

Es intención de la fundación fomentar los valores que Delibes hizo suyos y
defendió (humanismo cristiano, libertad, justicia social, solidaridad,
periodismo responsable, conservación de la naturaleza, caza y pesca
respetuosas con el ambiente, defensa del mundo rural, etc.).

En tanto se consigue una sede definitiva para la fundación, aspecto en el
que está muy involucrado el Ayuntamiento de Valladolid, la sede provisional
se establece en el domicilio vallisoletano del escritor, calle Dos de Mayo,
nº 10, 8º dcha.

Como primer paso en su andadura, la Fundación Miguel Delibes “desea
agradecer a toda la sociedad las múltiples manifestaciones de cariño y
homenaje a la figura y obra del escritor que, en muy distintas formas, se
han prodigado en toda España, y también fuera de ella, en los últimos doce
meses”, según el comunicado.

Asimismo, el viernes 18 fue colocada en Alcobendas la primera piedra de la
Universidad Popular “Miguel Delibes”, edificio que hará posible la
ampliación de los servicios que en la actualidad ofrece la Universidad
Popular de Alcobendas. En el nuevo edificio habrá espacios para otros usos
educativos y culturales, como exposiciones, cursos monográficos de
actualidad con seminarios, jornadas y conferencias de expertos en distintas
disciplinas, y también albergará la sede de la concejalía del Distrito
Norte.

En su sesión del 25 de marzo de 2010, el Ayuntamiento aprobó por unanimidad
una moción presentada por el Grupo Popular por la que se comprometía “a
designar con el nombre del escritor Miguel Delibes a un lugar o edificio
público de nuestro municipio de la relevancia apropiada, acorde a la
indudable importancia de la gran obra del escritor castellano”.

A la colocación de la primera piedra han asistido familiares del escritor.
Su hijo Juan Delibes ha destacado que la familia se siente muy orgullosa de
que hayan dado el nombre de su padre a una universidad, “algunos centros
docentes se han bautizado con el nombre de Miguel Delibes, pero han sido
centros de educación primaria o secundaria, pero no de nivel universitario
como es el caso”.

Según el alcalde de Alcobendas, Ignacio García de Vinuesa, “la Universidad
Popular ha cumplido durante muchos años un papel muy importante en el
aprendizaje de muchos vecinos que hoy lo son de Alcobendas y que, como
Daniel el mochuelo, vinieron en su día a buscar fortuna y aprovecharon la
estancia en Alcobendas para fortalecer sus conocimientos”.

“La Universidad Popular merecía un impulso, una nueva fase”, continuó el
alcalde, “y en este caso se han unido varios aspectos: el proyecto, el
nombre y la intención de todos de hacerla muy importante, que van a hacer
de esta universidad un auténtico referente educativo y cultural. Por lo
tanto, cualquier Daniel el mochuelo que quiera venir a Alcobendas, que pase
por la Universidad Popular, que va a encontrar, seguro, distintas
alternativas para continuar aumentando su aprendizaje, sus oportunidades en
la vida y su desarrollo personal”.

En la urna, además de depositarse, como es habitual en las primeras
piedras, los diarios del día, monedas de curso y otros recuerdos de la
fecha, se ha depositado el decreto por el que el Ayuntamiento da el nombre
de Miguel Delibes a la universidad, y un libro del escritor que aportó su
hija Camino. Además la urna no será enterrada, sino que se colocará en el
hall del edificio para ser contemplado por todos los que a él acudan.

La nueva Universidad Popular se va a construir en una parcela de 6.000
metros cuadrados en Fuente Lucha. Se trata de un edificio de autor,
diseñado por Rafael de la Hoz Arquitectos, que han optado por el vidrio, el
hormigón blanco y el acero lacado en negro como materiales para hacer de la
Universidad Popular Miguel Delibes un edificio transparente, cómodo en su
uso y fácil de transitar.

Salas de exposiciones, aulas de formación e informática, talleres,
laboratorio y salas polivalentes son algunos de los espacios de que
dispondrá el edificio de 4.500 metros cuadrados. Su construcción cuenta con
un presupuesto estimado de cinco millones de euros y está previsto que
entre en funcionamiento en 2013.

Fuentes: Crónica Norte • EFE



*** Realizan homenaje póstumo a Carlos Monsiváis

El Palacio de Bellas Artes de Ciudad de México abrió sus puertas el pasado
sábado 12 de marzo a una ceremonia protocolaria en la que se reconoció al
escritor y cronista Carlos Monsiváis (1938-2010), con la entrega de la
Medalla al Mérito post-mortem, por su contribución al rescate y
dignificación del Centro Histórico.

Durante el acto, celebrado en el marco del 27º Festival de México, se
ofreció un concierto con el reconocido pianista Leslie Howard, acompañado
por la Orquesta Filarmónica de la Ciudad de México (OFCM), bajo la batuta
del director huésped José Luis Castillo.

La medalla que se entregó a la señora Beatriz Sánchez Monsiváis, prima del
artista mexicano, conmovió al público ante la combinación de una majestuosa
interpretación y la reminiscencia de uno de los personajes más emblemáticos
de México: Monsiváis.

En su recital, la OFCM ofreció un programa conformado por las piezas:
“Blumine”, de Gustav Mahler; el “Concierto para piano y orquesta Nº 2”, de
Franz Liszt, y la “Sinfonía Nº 1, El Titán”, de Gustav Mahler.

Desde 1998, el Festival de México ha entregado anualmente esta Medalla al
Mérito con el propósito de hacer un reconocimiento público a aquellas
personas o instituciones cuya trayectoria y acciones hayan contribuido al
rescate, impulso y dignificación del Centro Histórico de la Ciudad de
México.

En su momento, Gerardo Estrada, director del citado festival, mencionó que
“la memoria de las ciudades la constituyen no sólo su paisaje, calles y
plazas; su arquitectura y los sucesos que ahí tuvieron lugar, sino también
ciertos personajes que se vuelven parte de ese panorama y cuya presencia en
ciertos momentos es un elemento indispensable”. De ahí que Carlos Monsiváis
forme parte obligada del acontecer cotidiano de la vida de la capital
mexicana.

Cabe señalar que en el marco de la edición Nº 15 del entonces Festival de
México en el Centro Histórico, la Medalla al Mérito fue entregada por vez
primera a José E. Iturriaga y a Manuel Espinosa Iglesias en 1998. A partir
de ese año la han recibido otras personalidades, entre ellas, Guillermo
Tovar y de Teresa, Conchita Bueno Bretón, Alfredo Harp Helú, Roberto
Hernández, Jacobo Zabludovsky y Ángeles González Gamio, entre otros.

Fuente: Notimex



*** A los 82 años muere el compositor venezolano Ítalo Pizzolante

La madrugada del pasado sábado 12 de marzo falleció en Valencia el conocido
compositor, músico y poeta venezolano Ítalo Pizzolante, nacido en Puerto
Cabello el 2 de diciembre de 1928 y autor de temas inmortales como
“Motivos” o “Mi Puerto Cabello”. El artista estuvo casado con Nelly Negrón.

Su vocación musical comenzó en el hogar, durante reuniones familiares,
siguiendo las inclinaciones musicales de su padre. Ganó su primer premio en
el Primer Concurso de Música de Venezuela de la Universidad Central de
Venezuela (UCV) con la canción “Provincianita”. En 1992 representó a
Venezuela en el festival de bolero en La Habana, Cuba, obteniendo el primer
lugar.

Probablemente su más conocida canción sea “Motivos”, que ha sido
interpretada por La Rondalla Venezolana, Los Panchos, Chucho Avellanet,
Armando Manzanero, Alfredo Sadel, Vicente Fernández y Luis Miguel, entre
otros artistas. Esta canción fue compuesta el 1 de diciembre de 1965 para
dedicarla a sus amigos en una fiesta.

“Mi Puerto Cabello”, la canción que Pizzolante dedicara a su ciudad nativa,
fue interpretada en la década de los sesenta por Felipe Pirela y la Billo’s
Caracas Boys. El 17 de julio de 1998 fue declarada como himno oficial de la
ciudad de Puerto Cabello.

Recibió varios premios de instituciones gubernamentales como privadas,
incluso el de Caballero de la República Italiana. Otros reconocimientos
incluyen los premios Andrés Bello Mérito al Trabajo en segunda clase,
Mérito Naval en segunda clase II, Francisco de Miranda en primera clase,
Diego de Losada en primera Clase I, Sol de Carabobo, y en la ciudad de
Puerto Cabello los premios, Bartolomé Salom, Comandante en Jefe Juan José
Flores y la cinta Toma de Puerto Cabello.

Además, fue creada la orden Ítalo Pizzolante en la Escuela de Ingeniería de
Puerto Cabello, y recibió homenajes en Valencia, Caracas, San Felipe,
Barquisimeto, Valera, San Cristóbal, Maracaibo, Calabozo, Guarenas y
Cumaná.

El gobernador de Carabobo, Henrique Fernando Salas, anunció un duelo de
tres días por la desaparición física del artista, y declaró que los
Festivales del Mar —que se realizarán entre abril y mayo— serán en homenaje
a Pizzolante.

El mandatario regional expresó que “le he pedido a la directiva de la
Fundación Festivales del Cabriales que los próximos Festivales del Mar
lleven el nombre de Ítalo Pizzolante, y que la programación sea organizada
para recordar su obra”.

El evento incluirá una serie de conciertos como una alternativa cultural al
público costero, que cada año asiste a estas jornadas musicales que
organiza el gobierno de Carabobo. Salas insistió en la importancia de
mantener viva la obra del compositor fallecido, porque sus creaciones
tuvieron un reconocimiento internacional.

Fuente: El Carabobeño



*** Fallece el escritor paraguayo Félix de Guarania

En la madrugada del pasado lunes 14 de marzo se produjo el deceso del gran
poeta y escritor paraguayo Félix Giménez Gómez, más conocido como don Félix
de Guarania, quien expiró a los 86 años de edad. El mismo ya venía
sufriendo una enfermedad que lo tenía postrado desde hace varias semanas, y
que finalmente no pudo superar.

Diana Garay, nieta del renombrado autor, confirmó el fallecimiento de quien
en vida fuera un incansable trabajador de la cultura paraguaya. “Ahora les
estamos esperando a los médicos; descansó, ya sufrió, estaba enfermo y
luchó demasiado”, expresó. El deceso se produjo a la 1:30 de este lunes en
su casa.

Don Félix, que padecía diabetes, fue condecorado con la Orden Nacional del
Mérito, en grado de “Gran Cruz”, por su incansable trabajo en favor de la
cultura de su país. Era destacado como un incansable promotor de la segunda
lengua de su país y escribió decenas de obras en ambos idiomas, la mayoría
de ellas relacionadas con la cultura autóctona.

Desde 1944 padeció de persecuciones políticas debido a su militancia en el
Partido Comunista, lo que le obligó a vivir en Argentina, Cuba y Rusia
durante la mayor parte de la dictadura de Alfredo Stroessner (1954-89).

“La muerte de Félix de Guarania deja un vacío enorme en la labor cultural
de contenido y sentido popular, y en el enriquecimiento y divulgación de
nuestro idioma guaraní”, expresaron desde el Partido Comunista a través de
un comunicado. “Nos dejó Félix de Guarania, pero queda su legado cultural
de enorme valor nacional y popular”.

Fue varias veces distinguido por su contribución a la cultura guaraní y en
ese afán tradujo obras clásicas de la literatura, entre ellas la Biblia, El
capital, de Carlos Marx; las Fábulas de Esopo, los Versos sencillos, de
José Martí, además de obras de García Lorca y Gustavo Adolfo Bécquer;
Platero y yo, de Juan Ramón Jiménez; Martín Fierro, de José Hernández, y
Don Quijote de La Mancha, de Miguel de Cervantes, ésta última en 2009.

“¿Por qué don Quijote no iba a cabalgar por los campos y selvas de
Paraguay?, si cabalgó por todo el mundo”, dijo De Guarania sobre su
traducción de la obra cumbre de Cervantes presentada el 22 de abril de 2009
(http://www.letralia.com/209/0422quijiote.htm). “¿Acaso el guaraní es una
lengua incapaz de traducir los pensamientos, las concepciones, las
emociones de un hombre que ahora es inmortal, Miguel de Cervantes?”.

Apenas conocido su deceso, el jefe de Estado, Fernando Lugo, que se
encontraba en Taiwán en visita oficial, instruyó a las autoridades
culturales a acompañar las pompas fúnebres, aunque afirmó que “todos los
honores nunca serán suficientes” para homenajear la vida y la obra del
fallecido intelectual.

Fuentes: ABC Digital • EFE • Prensa Latina



*** Analizan en Santiago incidencia de nuevos medios sobre la literatura

Ante el embate de los nuevos medios tecnológicos, dígase blog, Twitter,
Facebook, los SMS y el correo electrónico, el escritor español Álvaro Pombo
sólo ve oportunidades. Con los mensajes SMS escribe haikús, en Twitter se
exige contundencia en 140 caracteres, el correo le ha devuelto al género la
correspondencia y el blog le da la posibilidad de tener un diario hasta del
presidente de Estados Unidos, Barack Obama.

Durante el encuentro titulado “Literatura y nuevos medios”, realizado en
Santiago de Chile este 14 de marzo antes de la entrega del IV Premio
Iberoamericano Planeta-Casamérica 2011 —que recayó sobre el escritor
chileno Antonio Skármeta por Los días del arcoíris—, el miembro de la Real
Academia Española de la Lengua (RAE) aseguró que sabe que la función
fundamental de estos nuevos medios es tener una comunicación mucho más
rápida, pero él quiere sacarlos de la cotidianidad práctica, pues lo que
hacen es modificar las relaciones de las personas con la escritura.

Según Pombo, tanto el periodismo como estos nuevos medios de comunicación
ayudan a los seres humanos a resumir lo que quieren decir, pero al mismo
tiempo fragmentan la información. “Por eso he recibido las nuevas
tecnologías como una parte del proceso de fragmentación del mundo”.

En la mesa titulada “Creación en red, ¿son los nuevos medios una
oportunidad para los escritores?”, en el que estuvo acompañado por su
colega Pablo Simonetti y los periodistas Antonio Lucas e Iñaki Esteban, el
narrador aseguró que en términos de composición los SMS dan la posibilidad
de construir poemas breves y que el e-mail retornó a las cartas que son
parte de su vida literaria.

Antonio Lucas, periodista del diario español El Mundo y quien llamó a Pombo
“el más punk de los escritores españoles” por su haikús en SMS, dijo que
dentro de todas las novedades internáuticas de los últimos diez años, el de
los blogs es el que menos consistencia tiene por la idea de diario, porque
pierde esa intimidad que tenían los diarios personales, y que en la red son
exhibicionismo.

“Uno de los grandes peligros para los escritores es la reducción del
espacio, cada vez Internet requiere que el lenguaje se haga mucho más
breve, ahí tenemos Twitter que son 140 caracteres, eso es aberrante. Como
corresponsal, tú no puedes contar un conflicto bélico en 140 caracteres, ni
una relación de amor, ni una noche de copas”, señaló el periodista.

De ahí el gran peligro, pues la reducción del lenguaje es lo que está
provocando esta invasión de redes sociales que no dejan de ser atractivas
“pero a la hora de hablar de literatura sólo se convierten en pequeños
laboratorios y tentativas con bastante vuelo corto”, dijo.

También habló de la fragmentación como un reflejo de la sociedad de hoy,
seres humanos con miles de intereses pero con muy poca capacidad de
profundización y alertó además sobre el hecho de que el concepto multimedia
parece no estar dirigido a lectores sino a consumidores.

“El peligro de la literatura es que se convierta y caiga en esa tentación,
que cojas el libro de un tipo joven y tenga incrustadas fotografías y
llamaditas que te lleven a Internet e incluso puedas escuchar la banda
sonora que le corresponde a ese libro”, señaló el periodista.

Aunque con variantes, todos celebraron las bondades de Internet porque ha
revolucionado la literatura y el periodismo. Simonetti, por ejemplo, es un
narrador abierto con mucha relación con sus lectores en la red, sea en
Twitter, Facebook o en el chat, y dijo que estas herramientas de Internet
también le dan lugar al epigrama y a un pensamiento más concreto.

Así como se revisaron las oportunidades o los peligros que corre la
literatura y los escritores en la red, también se habló del futuro de la
lectura. Los escritores Guillermo Martínez y Ángela Becerra conversaron con
los periodistas Miguel Lorenci y Teresa Castanedo sobre el tema “¿Cómo
leeremos en el futuro?”.

Lo mismo hablaron de la desaparición del libro impreso ante los libros
digitales, de los nuevos soportes de lectura, de la acumulación de
impresos, del olor y el tacto que no brinda el iPad, que de las bondades
del e-book, del futuro de las editoriales, de los ingresos para el autor,
del vértigo de la red.

El periodista Miguel Lorenci afirmó que, como está seguro de que “leeremos
hasta el final de nuestra presencia en la Tierra”, no cree que lo digital
vaya a matar al libro impreso, sino que convivirán. “Lo digital no matará
al libro ni a los diarios, pero los cambiará”, como ya lo está haciendo, y
si algo va a cambiar mucho es el papel de los editores.

“Los editores tendrán que adecuar su oferta a una demanda variable, al
vértigo de la red y dar libros como fruto de lujo a quien lo demande y
pueda pagarlos, permitir la impresión a la carta a precio más alto, hacer
del libro digital su primer producto y a enriquecer los filtros entre autor
y lector”, dijo el periodista de la Agencia Colpisa.

Mientras Ángela Becerra habló de los privilegios del libro en papel, el
escritor Guillermo Martínez dijo que en la red con los libros digitales se
debe reorientar al lector y eso sólo lo puede hacer la crítica literaria
que debe adecuarse a estos nuevos tiempos. “La cuestión será cómo valorar
los textos, cómo abrirse camino en ese mar de textos que estarán en la
red”.

Fuente: El Universal



*** Horacio González desafía a Mario Vargas Llosa a “afinar argumentos”

La polémica entre intelectuales kirchneristas argentinos y el escritor
peruano Mario Vargas Llosa continuó la semana pasada con la publicación, el
domingo 13, de un artículo titulado “Piqueteros intelectuales”, en el
diario español El País, y la respuesta de Horacio González, director de la
Biblioteca Nacional de Argentina, en un artículo publicado en el diario
Página/12.

En su artículo, Vargas Llosa se pregunta si “los intelectuales
kirchneristas” que se oponen, por su “ideología liberal” y sus “opiniones
políticas”, a que el próximo mes inaugure la Feria del Libro de Buenos
Aires —que se celebrará del 20 de abril al 9 de mayo—, pretenden que
Argentina se convierta en “una nueva Cuba”, y se pregunta “qué clase de
Argentina quieren los intelectuales kirchneristas”.

“¿Una nueva Cuba donde, en efecto, los liberales y demócratas no podríamos
jamás dar una conferencia ni participar en un debate y donde sólo tienen
uso de la palabra los escribidores al servicio del régimen?”, continúa el
autor de El sueño del celta.

Vargas Llosa concluye que “la convulsionada Venezuela de Hugo Chávez es su
modelo”, aunque precisa que en aquel país “la inmensa mayoría de los
intelectuales, tanto de izquierda como de derecha, no es partidaria de los
vetos y censuras”.

Al premio Nobel le “apena” que “quien encabezara esta tentativa de pedir”
que le “censuraran” fuera el director de la Biblioteca Nacional argentina,
Horacio González, “alguien que ocupa ahora el sitio que dignificó Jorge
Luis Borges”.

Vargas Llosa confía en que a González “no lo asalte nunca la idea de
aplicar en su administración el mismo criterio que lo guió a pedir que
silenciaran a un escritor por el mero hecho de no coincidir con sus
convicciones políticas” y que evite “depurar las estanterías de libros que
desentonan” con sus ideas.

En su respuesta, González invitó al Premio Nobel a que “afine sus
argumentos” cuando debata en la Feria de Buenos Aires. “Señor Vargas, si
desea discutir, cuando dé sus conferencias entre nosotros trate de afinar
sus argumentos para que no sean simples fachadas con las cuales confundir a
las buenas conciencias sobre los gobiernos populares que usted busca
debilitar”, sostuvo. “Lo escucharemos de todas maneras, pero lo preferimos
en su mejor agudeza antes que en su enunciación chicanera”, afirma el
ensayista.

La polémica comenzó semanas atrás, cuando González solicitó a la Fundación
El Libro que Vargas Llosa no participara en la inauguración de la 37ª Feria
Internacional del Libro de Buenos Aires por considerar que es “un hombre de
agresividad creciente hacia los procesos populares”, y que no concuerda
“con las corrientes de ideas que abriga la sociedad argentina”. “La
invitación a Vargas Llosa es una ofensa a la cultura argentina”, aseguró en
su momento.

El director de la Biblioteca Nacional, integrante asimismo del grupo de
intelectuales kirchneristas conocido como Carta Abierta, retiró horas
después su veto tras la intervención de la presidenta Cristina Fernández.

En este nuevo capítulo del enfrentamiento, González afirma que “si se le
pudiera decir algo a Vargas Llosa, le indicaríamos que deje de inventar
hombres infames y réprobos, prefabricados en el laboratorio creado por
alquimistas duchos en moldear marionetas como contrincantes, con las que
les sería fácil discutir y derrotar sin la molestia del argumento”.

“Si aún no le molesta argumentar, señor Vargas, ensaye hacerlo con
nosotros, que no somos lo que usted caricaturiza sin resguardar estilo ni
cuidado”. “Nunca nadie quiso impedir sus conferencias; ahora le pedimos que
las dé si es posible con los temas de este debate, que se informe
adecuadamente sobre las ideas que trata de embestir, y una vez cumplido,
que trate de exponer caballerescamente sus ideas, como en otros tiempos
supo hacerlo”, propone González.

Fuentes: DPA • EFE



*** Argentina relanza sus Premios Nacionales de Cultura

El pasado lunes 14 de marzo fue hecha pública en Buenos Aires, con la
presencia del secretario de Cultura de la Nación, Jorge Coscia, la
convocatoria de los Premios Nacionales de Cultura de Argentina
(http://www.premiosnacionales.gob.ar), certámenes que se habían
interrumpido en 2005. En el acto participaron también el director nacional
de Industrias Culturales, Rodolfo Hamawi, el director nacional de Arte,
José Luis Castiñeira de Dios, y el director del Instituto Nacional del
Teatro, Raúl Brambilla.

Sobre la convocatoria con la que, según el director de Industrias
Culturales, Rodolfo Hamawi, “el Estado reasume las tareas que le son
propias”, Coscia enfatizó que se trata de una iniciativa abierta y amplia
que no tiene que ver con la ideología, sino con lo propio.

Creados en 1913, los Premios Nacionales de Cultura y Ciencia distinguieron
obras de producción literaria, plástica, dramática, científica y musical y
significaron, durante todo el siglo XX, un estímulo para artistas y
científicos.

En 2005 fueron entregados por última vez, luego de que el Estado se pusiera
al día con lo adeudado a los premiados. Ese año se dieron reconocimientos a
obras producidas hasta 1998 y desde entonces no se volvieron a convocar.
“Es decir, que hay once años de producción artística y científica sin ser
premiada”, dijo Hamawi.

Esta vez se premiarán producciones sólo de poesía, texto dramático, ensayo
político y psicológico y folklore y tango. Según informó Hamawi, se dejó de
lado lo científico porque el Ministerio de Ciencia y Tecnología está
planeando tomar a su cargo la distinción a esa disciplina.

La convocatoria es para los autores argentinos que hayan editado una obra
en alguno de esos cuatro géneros entre 2007 y 2010. Según el programa, cada
año la convocatoria será para distintos géneros literarios y musicales.
Abrirá el 17 de este mes y cerrará el 17 de mayo, y la entrega se hará
antes de fin de año. Se darán tres premios y tres menciones. El mayor es de
50.000 pesos a los que, una vez jubilado el autor, se agrega una pensión
vitalicia.

Fuente: La Nación



*** Antonio Skármeta obtiene el Premio Iberoamericano Planeta-Casamérica

Por una novela que él mismo describe como una historia “acerca de la fuerza
de la imaginación para conseguir un presente en un mundo globalizado y frío
como este, y que ha dado cambios que hoy disfrutamos”, el escritor chileno
Antonio Skármeta obtuvo, por mayoría, el IV Premio Iberoamericano
Planeta-Casamérica 2011, según se anunció el pasado 14 de marzo en Santiago
de Chile.

Titulada Los días del arcoíris en una referencia al arcoíris que emplearon
como símbolo los partidarios del “no” durante la campaña para la votación
en el plebiscito de 1988, la novela —que Skármeta presentó con el seudónimo
“Cosme Catiboratos”— fue definida por el escritor Álvaro Pombo como “una
novela de la reconciliación” y “claramente política y psicoanalítica, que
analiza la situación anímica de un pueblo que después de 15 años se
encuentra con el dictador”, y que combina emociones de dos clases: el
quebranto y la dicha.

Y es que esa historia que tiene como narrador a un jovencito de secundaria
llamado Nico, con un padre que es profesor de filosofía y que vive quince
años después del derrocamiento del dictador Augusto Pinochet, tiene mucho
de un verso de la canción “Gracias a la vida”, de Violeta Parra.

Tanto que Antonio Skármeta dice que si ella viviera podría decir cantando
“es una novela hecha de dichas y quebrantos, los dos materiales de los que
está hecho mi canto”. El narrador asegura que su novela es quebranto porque
“tiene momentos muy duros de la represión que hasta hoy le duele a mi
pueblo, pero también dicha, porque Chile encontró, para salir de eso, un
camino pacífico, alegre”.

En una ceremonia celebrada en la Biblioteca Nacional de Chile, el narrador
—que ya en 2003 había obtenido de la misma casa editorial el Premio Planeta
por su novela El baile de la victoria— aseguró que Los días del arcoíris es
una novela que se desarrolla en un momento de la agitación y de movimientos
dramáticos de liberación, no sólo en Chile, sino en varios pueblos del
mundo que se mueven para cambiar.

El escritor español Álvaro Pombo, en su calidad de miembro del jurado del
premio —junto con el escritor argentino Guillermo Martínez; la colombiana
Ángela Becerra (anterior ganadora del premio); Alberto Díaz, director de
Planeta Argentina; Imma Turbau, directora general de Casa de América; y
Ricardo Sabanes, director internacional del Grupo Planeta—, dijo que además
de que el novelista cuenta mejor que el historiador, en 1970 había una
especie de reconciliación en marcha.

El también miembro de la Real Academia Española de la Lengua (RAE) reiteró
que la novela tiene un gran poder evocado de un periodo de unificación y
reconciliación nacional, pero también de cántico y de gran herencia y
enseñanza, pues Chile demostró que podía salir de la dictadura por un
camino pacífico y alegre rumbo a la democracia. “Es una forma ingenua de
presentar el psicoanálisis del Chile de la época”.

La obra, que obtuvo un premio de 200.000 dólares, fue seleccionada de entre
las 639 propuestas que entraron al concurso a lo largo de dos años, pues
hay que recordar que este galardón sería entregado en 2010, año en el que
Skármeta ya figuraba entre los finalistas, pero la entrega fue cancelada
debido al sismo que azotó a Chile el 27 de febrero de 2010.

Un año después de ese hecho, la novela del escritor nacido en Antofagasta
en 1940, y que forma parte del catálogo de autores de Grupo Planeta desde
hace varios años, fue premiada y definida por su alegría y esperanza.

La escritora colombiana Ángela Becerra comentó que se trata de una pieza de
alegría y mucha esperanza que está presente a lo largo de la historia. Se
trata de una novela que, augura, van a leer muchos lectores jóvenes. “Es
muy fácil de leer y gratificante”.

La colombiana prefirió leerla sin el peso de ser escritora ni como jurado,
para ello se convirtió en un lector limpio que no buscaba la estructura
narrativa, sino dejando que “la novela te coja de la mano y te lleve. Me
llevó de forma continua como un río fresco, limpio e ingenuamente bello. Es
una novela que va a mostrar ese periodo, va a acercar a los lectores a la
juventud de forma fácil”.

“Debemos congratularnos de que Chile lo logró de una manera pacífica. El
costó fue conseguir una dignidad muy alta frente a un dictador”, dijo
Skármeta, el autor que se ha distinguido por una narrativa sencilla que
llega a miles de lectores, que conquista con su visión desenfadada, aunque
toque a veces la realidad nacional o el pasado de su país.

Habló de democracias y de populismos, dijo que la responsabilidad del
escritor está con la ficción y no con la realidad política, por eso él no
es un intelectual que opine de todo y analice y critique las acciones
políticas. Su papel, dijo, es ser fiel a sí mismo, se rige por la máxima
“conócete a ti mismo”.

“Mi rol no es explicar; a mí me toca, me hiere, me duele el dolor de mi
gente; he tratado de que mi íntimo corazón palpite al unísono con el
corazón de mi gente; entiendo que otros creadores tengan otra actitud, unos
optan por la militancia, pero yo respeto la libertad de la novela”, declaró
el autor de Ardiente paciencia, cuya adaptación fue hecha por él mismo en
1983 y por Michael Radford, con el título Il postino, en 1994.

Sin embargo, sí habló de democracia y agradeció el premio a un chileno que
se lo otorgan en Chile, un país democrático porque, dijo, “justamente mi
novela tiene que ver con otros momentos de ese Chile, con momentos muy
arduos en los que se luchó para conseguir esta libertad de la que gozamos”.

Su visión es esperanzadora y de alguna manera rinde homenaje a todos los
que fueron compañeros de esa aventura que llevó a la democracia a través de
un camino pacífico. “Una novela es una novela, una novela es lo que es”.

Los días del arcoíris tiene que ver también con la tristeza y con la
reconciliación. “La tristeza es un tema que está dando vueltas en la
novela, pero el final tiene indirectamente algo que ver con el tema de la
reconciliación y el tema de la deuda, dos temas que se funden, el final
mismo de la novela”, señala el narrador.

Sabe bien que su novela tiene como marco un momento de agitación y
movimientos dramáticos de liberación en varios pueblos y aunque se
congratuló de que Chile logró el cambio de una manera pacífica, con una
dignidad muy alta, no pudo dejar de hablar de los gobiernos populistas que
“simplemente se formulan sobre la base de una retórica de cierto abuso del
poder democrático. Que no dejan satisfechos ni a los partidarios ni a los
opositores”.

La novela, que tiene como uno de sus protagonistas al actor Roberto Parada,
está también dedicada a él e inspirada en su dolor y sonrisa. Skármeta
recuerda cuando al actor le avisaron que su hijo había sido asesinado, fue
durante una función y él siguió actuando, pero antes dijo: “Han asesinado a
mi hermoso hijo y esta función se la dedico a él”.

De ahí que Parada está presente en la obra. También están presentes los
“pingüinos”, los jóvenes estudiantes de secundaria, que con su uniforme
muchas veces tomaron las calles pidiendo mejoras; también están los
profesores.

Que su novela llegue a la pantalla grande no le corresponde a él, ni
siquiera sabe qué va a pasar con ella. Recuerda los éxitos que ha tenido
Ardiente paciencia, su vida larguísima, pues es un libro que se reedita
todavía en los 25 idiomas a los que ha sido traducido. Incluso se ha
adaptado a varios géneros, además del cine ha llegado al teatro y a la
ópera a cargo, esta última, del mexicano Daniel Catan y con Plácido Domingo
como Pablo Neruda.

“Lo que más me importa de esta novela es que va más allá de la experiencia
chilena, es una novela de una épica un poco estridente, es una novela de
una época pacífica que tiene un sustrato y un antecedente trágico. Su
desenlace puede interesar mucho a los lectores de todo el mundo”.

En un mundo en que se describe el poder desde el poder de la fantasía, de
la imaginación. Hay un momento en la historia que la acción muestra que los
creadores pueden producir cambios que pueden llevar a la salida de un país.
Si se tuviera que definir en una sola frase, diría que es una novela acerca
de la fuerza de la imaginación para conseguir, aun hoy, en un mundo
globalizado y frío como este, cambios que hoy disfrutamos”, dijo Skármeta.

Con estudios de filosofía y teatro en Chile y una maestría en la
Universidad de Columbia (Estados Unidos), Skármeta fue embajador de Chile
en Alemania durante la presidencia de Ricardo Lagos (2000-2006). Ha
traducido al castellano a Kerouac, Mailer, Melville, Scott Fitzgerald, e
incluso ha incursionado en la actuación. También dirigió y animó El show de
los libros, un programa de televisión en el que difundía la literatura y
los escritores.

Fuentes: El País • El Universal



*** Murió la escritora española Josefina Aldecoa

La escritora española Josefina Aldecoa (La Robla, León, 1926) falleció el
pasado miércoles 16 de marzo en Santander a los 85 años, después de una
larga enfermedad degenerativa. Sus restos fueron incinerados el jueves 17
en la capital cántabra y sepultados en la intimidad, por expreso deseo de
la familia.

Josefa Rodríguez Álvarez, como se llamaba en realidad, pasó los últimos
años de su vida en Mazcuerras, en Cantabria. El alcalde de este municipio,
Celestino Fernández, lamentó la muerte de una persona “tan importante” e
indicó que se trata de “una gran pérdida” para la cultura en general y,
también, para Mazcuerras, que fue “su casa” durante los últimos años de su
vida.

Escritora, pedagoga española y directora del Colegio Estilo, Aldecoa creció
en una familia de maestros. Durante su juventud vivió en León, donde
participó en la revista de poesía Espadaña, hasta que en 1944 se trasladó a
Madrid para estudiar filosofía y letras.

La autora se doctoró además en pedagogía con la tesis El arte del niño,
publicada en 1960. Durante sus años de estudiante universitaria entró en
contacto con escritores como Carmen Martín Gaite, Rafael Sánchez Ferlosio,
Alfonso Sastre, Jesús Fernández Santos o Ignacio Aldecoa, con quien se casó
y cuyo apellido adoptó.

En 1959 fundó en Madrid el Colegio Estilo, para el que se inspiró en las
ideas que reflejó en su tesis, basadas en las nuevas formas educativas y en
la base ideológica de la Institución Libre de Enseñanza.

Entre sus obras destaca la publicación en 1961 de la colección de cuentos A
ninguna parte. Tras la muerte de su marido, en 1969, abandonó la escritura
durante diez años y se dedicó únicamente a la docencia.

Después, continuó su actividad literaria con Los niños de la guerra (1983),
donde Aldecoa realizó una crónica de su generación ilustrada por biografías
y comentarios literarios sobre diez narradores surgidos en los años 50, La
enredadera (1984), Porque éramos jóvenes (1986) o El vergel (1988).

En 1990 inició una trilogía de contenido autobiográfico con Historia de una
maestra (1990), Mujeres de negro (1994) y La fuerza del destino (1997),
como respuesta, en parte, al discurso político durante los años posteriores
a la dictadura acerca de cómo reconstruir el sistema educativo, al que
Aldecoa no consideraba lo suficientemente laico.

En 1998 escribió el ensayo Confesiones de una abuela, en el que relató las
experiencias vividas con su nieto; en 2000 publicó la antología de cuentos
Fiebre y en 2002 la novela El enigma. En 2005 sale a la luz La casa gris,
una obra suya de juventud, y en 2008 Hermanas. Entre sus galardones destaca
el Premio Castilla y León de las Letras, otorgado en el año 2004.

Fue distinguida recientemente por el gobierno español con una medalla a la
promoción de los valores de igualdad que se entregaron con motivo del Día
Internacional de las Mujeres el pasado 8 de marzo y que recogió en su
nombre, de manos del presidente José Luis Rodríguez Zapatero, su amiga la
periodista Amelia Castilla. La distinción también la recibieron la
ensayista Celia Amorós y la escritora Soledad Puértolas.

Fuentes: Europa Press • RTVE



*** EUA manipula intercambios culturales con Cuba, afirma Abel Prieto

El ministro de Cultura cubano, Abel Prieto, acusó este martes 15 de marzo a
Estados Unidos de “manipular” los intercambios culturales entre ambos
países y de no tener un “interés real” en ellos, después de que la prensa
oficial denunciara supuestos intentos de cooptar a artistas de la isla con
propósitos “de subversión”.

“De ese gobierno y de esa Oficina de Intereses (de Estados Unidos en La
Habana) no hay nada que esperar en términos culturales. No hay un interés
real en la cultura. Al contrario, hay un interés en manipular los actos,
los espacios de la cultura”, declaró Prieto al noticiario del mediodía de
la televisión cubana.

“Ellos tratan realmente de sacar partido de eso, de una manera mezquina,
totalmente ajena al sentido mismo de ese trabajo”, añadió.

Un reportaje televisivo, así como artículos publicados el 15 de marzo en la
prensa oficial “destaparon” como agente de la Seguridad del Estado a un
artista plástico cubano que mantuvo un fluido diálogo con diplomáticos
estadunidenses después de que fundó, a finales de los años 90, un centro
cultural independiente.

Frank Carlos Vázquez, identificado ahora como “agente Robin”, narró cómo
funcionarios de la Oficina de Intereses estadounidense en La Habana le
ofrecieron libros y revistas extranjeras, conexión a Internet y lo
invitaron a visitar Estados Unidos, donde se reunió con el alcalde de
Chicago, Richard Daley, así como con congresistas.

En una nueva entrega del programa Las razones de Cuba, Vázquez estimó que
con ello “estaban organizando un líder para la posible subversión
ideológica dentro de Cuba”, pensando que “pudiese servir en algún momento
como una herramienta de cambio”.

El espacio televisivo acusó también a la agencia de cooperación Usaid, de
“crear, organizar y financiar una contrarrevolución” en Cuba, “fragmentar a
la sociedad” de la isla y “difundir una imagen distorsionada de la realidad
del país hacia el exterior”.

Además, aseguró que las becas de estudios ofrecidas a universitarios
cubanos para estudiar en Estados Unidos buscan “la transformación
ideológica de las generaciones más nuevas y con ello agentes para el
cambio, capaces de ejecutar la destrucción del programa socialista de la
Revolución”.

Al asistir en La Habana a un homenaje a Vázquez, en el que participaron
unas 300 personas, Prieto calificó de “siniestro” y “ajeno a un auténtico
intercambio cultural” el plan estadounidense para cooptar artistas cubanos
narrado en el programa.

En las semanas recientes, la televisión ya reveló la identidad de otros
agentes de la Seguridad del Estado, dos de ellos camuflados como activistas
opositores y el otro un ingeniero de telecomunicaciones contactado por
fundaciones estadounidenses para crear redes informáticas clandestinas.
Todos ellos fueron posteriormente objeto de homenajes.

Las autoridades cubanas acusaron al gobierno de George W. Bush de haber
congelado los intercambios culturales entre ambos países durante los
últimos cinco años de su mandato, negando a artistas estadounidenses
autorizaciones para viajar a Cuba y a artistas cubanos visados de entrada a
Estados Unidos.

En la presidencia de Barack Obama se ha registrado una lenta reanimación de
dichos intercambios. En enero, la Casa Blanca aprobó además
flexibilizaciones para los viajes de académicos, promotores culturales y
religiosos a Cuba, con lo que se restablecen normas aprobadas por la
administración de Bill Clinton y fueron eliminadas por Bush.

Fuente: La Jornada



*** Autores mexicanos proseguirán con actividades en Francia

Si bien el Año de México en Francia fue cancelado de manera oficial tras la
decisión del gobierno francés de dedicarlo a Florence Cassez —de 36 años y
condenada en México a 60 de prisión por secuestro—, escritores mexicanos
proseguirán con varias de las actividades, para lo cual cuentan con el
apoyo de las entidades francesas que participaban en la programación, según
se informó el pasado 15 de marzo.

Organizadores de los festivales de literatura de Lyon y Marsella, así como
de un coloquio auspiciado por la Universidad La Sorbona de París, se
comunicaron con los escritores mexicanos Élmer Mendoza, Martín Solares y
Francisco Haghenbeck para mantener las actividades.

Mesas redondas, presentaciones de libros, conferencias y diálogos entre
escritores sobre temas como violencia, narcotráfico y novela negra, son
algunas de las actividades en las que participan los tres escritores, cuyos
gastos de transportación área, hospedaje y alimentación los pagan las
instituciones.

Si Mendoza asegura que “nosotros no estamos dentro de esta bronca”, Solares
reconoce que es una pena y una vergüenza que se hayan cancelado tantos
eventos de primer nivel. “Cuánto pierde Francia al no contar con la
presencia de los artistas mexicanos, cuánto pierde México al no asistir a
este foro”.

Dice, además, que el caso de la Sorbona, de la Casa de América Latina y el
Festival Quais du Polar, demuestra que entre las instituciones francesas
sobra la voluntad y el interés para superar las veleidades políticas y
realizar eventos que pueden enriquecer culturalmente a las dos naciones,
que solamente habían intercambiado buena voluntad en los últimos años.

Ante el interés por salvar las actividades programadas, la respuesta de los
escritores mexicanos no se ha hecho esperar y han confirmado su asistencia
a los varios eventos que están contemplados a realizarse entre el 23 y el
30 de marzo, tanto en París como en Lyon y en Marsella.

Mendoza dice que estará acompañado de Solares y Haghenbeck. “Los tres vamos
en el mismo bloque, el contacto fue directamente con nosotros; desde un
principio que surgió el problema ellos dijeron ‘estos son festivales
culturales, si ustedes son ajenos a este asunto, mantenemos la invitación’
”.

A través de correo y de llamadas telefónicas, los tres escritores han
confirmado su asistencia. Incluso, Mendoza tendrá una estancia más larga en
Europa, pues está invitado a dar dos conferencias más, una en Roma y otra
en Ginebra, en la sede de la ONU, ambas con el tema “La violencia en las
sociedades latinoamericanas”.

Del 23 al 25 de marzo, Mendoza y Solares participarán en un coloquio
organizado por la Universidad de la Sorbona, con el tema “Las novelas del
crimen”, donde se pretende revisar las representaciones del crimen y del
criminal en la narrativa contemporánea, con hincapié en la literatura
mexicana; se comentarán sus novelas y las de Jorge Volpi.

En el mismo coloquio, el doctor Karim Benmiloud presentará un ensayo sobre
Los minutos negros, de Martín Solares, quien además ofrecerá la conferencia
“Radiografías de la violencia”, que describe como “un ensayo sobre los
efectos de la violencia contemporánea en la literatura y en el periodismo
literario mexicanos”.

Con Mendoza, el jueves 24 de marzo, en la Casa de América Latina,
participará en la mesa redonda “La novela del crimen en México” encabezada
por la doctora Florence Olivier, quien es la gran especialista en Carlos
Fuentes y una de las mayores conocedoras de la literatura mexicana
contemporánea.

“Ella es el motor de este evento en la Sorbona, lo cual no es extraño, pues
siempre se ha distinguido por impulsar el conocimiento de la literatura
mexicana en ese país: traduciendo libros mexicanos, editando revistas y
actas sobre el tema e impartiendo cátedras al respecto”, comenta Solares.

Posteriormente, los escritores viajarán a Lyon para participar en el
Festival Quais du Polar, que se realizará del 25 al 27 de marzo. Las mesas
redondas abordan temas como “La novela negra, de Quebec a Chile”.

Un segundo tema es “La ciudad de México y el país mexicano: un enfoque
sobre México”, en la que la propuesta es platicar sobre el desarrollo que
ha tenido la novela negra en México, en la cual participan los tres
escritores mexicanos. La tercera mesa es la titulada “Narcotráfico y
literatura”, con Mendoza, Solares y Jérôme Pierrat, de Francia.

De manera independiente, en la Librería Latinoamericana El Salón del Libro
se presentarán los libros de Solares Los minutos negros, la edición de
bolsillo, y Balas de plata, de Mendoza.

Mendoza estará también en Marsella hablando de violencia, literatura y de
sus novelas; dará un par de conferencias en Ginebra, en la sede de la ONU,
y en Roma. En la capital italiana estará con el escritor italiano Giancarlo
di Cataldo, autor de novela negra, con quien conversará sobre bandas
criminales.

Los tres escritores mexicanos coinciden en que han recibido cordialidad por
parte de los franceses. A Solares, su editora al francés, Dominique
Bourgois, le asegura que pocos de sus compatriotas están de acuerdo con el
rumbo que ha tomado el conflicto entre Francia y México por el caso de
Florence Cassez.

Quien ya ha estado en Francia para inaugurar la exposición Luz portátil es
el escritor y editor Alberto Ruy Sánchez, quien cuenta que en todos los
actos realizados lo único que recuerda el conflicto de gobernantes (no de
la gente) es la ausencia intencional de gente de la Embajada de México en
Francia.

“En la mayoría de los actos realizados, como en la inauguración de nuestra
exposición, nunca hay discursos ni dedicatorias imposibles y absurdas, ni
agresiones de ningún tipo ni siquiera a los carteles y anuncios enormes que
tenemos colgados en la calle”, comenta el escritor.

Sánchez, editor de Artes de México, dice que todo el ambiente en Francia es
de solidaridad con los mexicanos, de un enojo terrible con el gobierno
mexicano y más que terrible con Sarkozy, “que es el imbécil mayor de todo
el asunto”.

En estos días platicó con el director del Festival de Fotografía de Arles,
uno de los más importantes eventos culturales en Francia y que era uno de
los más importantes que habría del Año de México en Francia, le preguntó si
era posible que se hiciera alguna dedicatoria en sus eventos a Cassez, él
le dijo que era imposible, que jamás le hubiera hecho caso a Sarkozy.

También le preguntó en cuántos de los 350 eventos que estaban previstos se
negarían los organizadores a hacerlo y respondió que 90% o más.

“Entonces me dio la razón de que no era necesario retirar el apoyo de
México a todos los eventos que estaban programados. Fue un error que sólo
sirve para que los acomplejados se envuelvan en la bandera del patriotismo
indignado. Fue una actitud de humillado mordiéndose el sombrero”, señala
Sánchez.

Fuente: El Universal



*** Niegan posibilidad de cierre de la escuela de la Sogem

La presidenta de la Sociedad General de Escritores de México (Sogem),
Lorena Salazar Machain, afirmó este martes 15 de marzo que la escuela de
ese organismo “no desaparecerá”, saliéndole al paso así a la polémica que
en días pasados polarizó a alumnos, ex alumnos y docentes de esa instancia
educativa en torno de lo que calificaron como “la injustificada” salida de
su anterior director, Mario González Suárez.

Salazar Machain informó que el lunes 14 fue nombrada y presentada ante la
comunidad de ese centro escolar la nueva directora, Elsie Méndez Baillet,
la primera mujer en asumir ese cargo en los 25 años de la escuela. Además,
recalcó que ese mismo lunes se llegó a un acuerdo con González Suárez, el
cual debió ser formalizado por la vía legal el martes 15 y, tras ello, se
emitiría un comunicado.

La directiva consideró “impensable” desaparecer esta escuela, “no sólo
porque ha costado mucho mantenerla, sino porque es una fuente de prestigio
para la Sogem y el resto del país”, luego de que muchos de sus egresados
han obtenido premios nacionales e internacionales o figuran en puestos
clave de la administración cultural.

Rechazó asimismo las acusaciones sobre un supuesto abandono o intento de
asfixia de ese centro educativo, que entre otros aspectos, según las
acusaciones, implicaba la falta de pago a integrantes de la plantilla
docente.

Precisó que “nunca se han retenido los sueldos”, sólo se ha buscado
resolver una irregularidad, la cual consistía en que algunos profesores que
no entregaban recibos de honorarios, lo hicieran en adelante. “Lo que
pretendemos”, agregó, “es una gestión absolutamente transparente”.

Tras aclarar que la escuela ocupa el segundo lugar en las prioridades de la
Sogem, ya que la primera “es atender las necesidades de los socios”, Lorena
Salazar aceptó que la sede de ese centro educativo, ubicada en Coyoacán,
“está muy descuidada”, situación que no se ha podido atender por razones
económicas.

La sociedad de escritores carece ahora de recursos para remozar el
edificio, aclaró, a lo que se suma que un número considerable de alumnos no
ha pagado sus cuotas.

“Tan sólo este año los estudiantes de tercero y cuarto semestres adeudan
640 mil pesos”, informó Salazar Machain, quien confió en recuperar gran
parte de ese capital para pagar los poco más de 300 mil pesos de un estudio
que expertos de la Facultad de Arquitectura de la Universidad Nacional
Autónoma de México (Unam) harían del inmueble, con la finalidad de comenzar
una intervención arquitectónica.

De hecho, “concientizar y sensibilizar” a los alumnos sobre la importancia
de cubrir sus adeudos y colegiaturas es una de las consignas con las que
Elsie Méndez arriba a la dirección de la escuela de la Sogem. “Una gran
ventaja es que los alumnos la quieren mucho”, dijo la presidenta de esa
sociedad.

Otro reto es mantener la calidad académica, dijo Salazar. Adelantó que
tanto ella como el consejo de la Sogem tienen interés en cambiar los planes
de estudio. Esta modificación se hará hasta que la actual generación de
alumnos concluya los cuatro semestres del plan de estudios actual.

“Sí quiero cambiarlos; algunas materias no me convencen, y son nuevas;
fueron experimentos de Mario (González Suárez). Una se llama fenomenología
del imaginario; imagínese de qué se trata. Prefiero que haya redacción, me
parece más importante; corrección de estilo y quizá etimologías en lugar de
tanta mitología. Si quisiera poner algo nuevo, sería encuadernación, algo
más práctico, para que los muchachos tengan más armas al salir de la
escuela y puedan colocarse”.

Fuente: La Jornada



*** Universidad de Los Andes presentó ocho nuevos títulos en Caracas

En homenaje a Rafael Cadenas y Alberto Arvelo Ramos, este martes 15 de
marzo la Dirección General de Cultura y Extensión (Digecex) de la
Universidad de Los Andes (ULA) presentó ocho nuevas publicaciones en la
Librería El Buscón, ubicada en el Centro Comercial Paseo Las Mercedes, en
un acto que se inició a las 6:30 de la tarde.

La presentación de dos números de la revista Actual —la segunda más antigua
del país y que en este momento estrena nueva imagen—, uno dedicado al arte
contemporáneo y el otro con investigaciones sobre Rafael Cadenas, marcó el
inicio de la actividad, en la que también fueron presentados dos libros de
Arvelo Ramos y dos de Cadenas. Además, se realizó el estreno nacional de un
documental sobre Arvelo Ramos.

Deus Inversus. Los universos religiosos, políticos, ontológicos y poéticos
de William Blake (Ediciones Actual, 2010), sobre la obra del poeta,
grabador, místico y pensador inglés, fue el primero de los libros de Arvelo
Ramos presentados en el evento. El libro incluye una traducción completa
del Matrimonio del Cielo y el Infierno y de varios escritos inéditos de
Blake. Además, contiene todos los manuscritos y grabados a color y un DVD
con la película Una vida, un país, de Alejandro Victorero, en homenaje al
autor.

También fue presentada una reedición de tres poemarios junto a una breve
biografía del docente, gestor cultural y escritor que fue Arvelo Ramos: Y
todavía el viento (Ediciones El Otro El Mismo-Digecex, 2010), que incluye
Poemas de enero, Laguna y Poemas del atardecer.

Del reino del demonio (Bid & Co Editor-Digecex, 2010), de Pedro Rangel
Mora, es una compilación de minitextos que el escritor merideño acumuló a
lo largo de su carrera. Stalin Gamarra también recopila textos breves donde
cruza temas como la política, la sexualidad y la identidad, en El corazón
sin abandono (Ediciones El Otro El Mismo-Digecex, 2010).

Una tercera recopilación sobre expresiones usadas por Rafael Cadenas es
Dichos (Ediciones El Otro El Mismo-Digecex, 2010) y la publicación del
discurso que dio el poeta al inaugurarse su cátedra en el Núcleo Trujillo
de la ULA en Lección inaugural (Ediciones Actual, 2010).

Fuente: ULA



*** Publican libro con trabajos de Francisco Ayala en el diario La Nación

A lo largo de cinco décadas el escritor Francisco Ayala, fallecido en 2009
a los 103 años, colaboró con el diario argentino La Nación y publicó en él
artículos, reportajes y adelantos de sus obras. Ahora, una treintena de
esos textos aparecerán recogidos en Francisco Ayala en La Nación de Buenos
Aires, libro de próxima aparición.

Ayala, que este 16 de marzo hubiera cumplido 105 años, comenzó su largo
exilio en 1939, al finalizar la guerra civil española, y Argentina fue el
primer país donde recaló, en una época en la que Buenos Aires era una de
las grandes capitales culturales del mundo.

Desde el principio, el gran escritor español colaboró con La Nación
“gracias a la invitación que le hizo Eduardo Mallea, director del
suplemento literario dominical” del diario, según explicó Rafael Juárez,
director de la Fundación Francisco Ayala, la entidad que ha promovido la
recuperación de esos textos en colaboración con el Ministerio de Cultura de
España.

En La Nación fueron viendo la luz 148 textos, entre ellos adelantos de sus
libros como el Tratado de sociología o El jardín de las delicias, junto a
artículos y reportajes que el escritor granadino, nombre esencial de las
letras españolas del siglo XX, fue enviando desde San Juan de Puerto Rico,
Nueva York, Chicago o Madrid, ciudades en las que vivió sucesivamente.

Pero 35 de esos artículos y reportajes no fueron incluidos en ninguno de
los libros del novelista y ensayista, y son los que la filóloga argentina
Irma Emiliozzi, especialista en literatura española contemporánea, ha
recopilado en el libro, que ahora entra en la fase de edición.

Emiliozzi ha recuperado también para este libro entrevistas, respuestas a
cuestionarios y adhesiones, además de artículos sobre Ayala y reseñas de
sus obras.

La presencia de Ayala en La Nación arranca en 1936 con una entrevista
realizada durante su primera gira de conferencias por Hispanoamérica, en la
que el autor de Muertes de perro hablaba de “la dramática mudez” que había
en la literatura española de aquellos años, debido a “las apretadas y
graves circunstancias de la vida española” de entonces.

Aquella entrevista salió publicada el 20 de julio de 1936, es decir, dos
días después del estallido de la guerra civil. Al poco tiempo el escritor
regresó a España y se puso al servicio del Gobierno de la República.

Los textos recuperados por Irma Emiliozzi reflejan los amplios
conocimientos de Ayala sobre temas literarios o sobre cuestiones
relacionadas con la actualidad, como se deduce de los siguientes títulos:
“Talleyrand: un representante de Europa”, “La posguerra literaria”, “Los
Estados Unidos bajo cuadrícula”, “Modernidad y posmodernidad (de Colón a
los astronautas)” y “El arte como objeto de consumo”.

En otras ocasiones, los artículos de Ayala consisten en reflexiones sobre
novedades editoriales europeas, inmediatamente recibidas y leídas al otro
lado del Atlántico. De ejemplo podría servir el artículo sobre T. S. Eliot
publicado el 13 de noviembre de 1949 con el título “Un poeta define la
cultura”, añade Rafael Juárez.

Como afirma Emiliozzi, Ayala “ratifica en estos ‘nuevos’ textos su
actualidad, su vigencia, y ratifica su mirada de lince, su capacidad para
observar en el presente, ya no sólo el pasado, sino el futuro o de un
hombre específico —con su ‘circunstancia’—, o de la humanidad en general”.

Y los artículos seleccionados muestran “su gracia y su prosa incomparables
como creador, como cuentista”, asegura la hispanista argentina, que
recientemente publicó en la Revista de Occidente las cartas entre Ayala y
Victoria Ocampo y que considera “un privilegio” poder contribuir con sus
investigaciones a “la fijación” de la obra de este escritor.

La investigación de Emiliozzi se enmarca en un proceso de recuperación de
obra dispersa del escritor, del que forma parte además la edición de la
memoria de cátedra de Francisco Ayala presentada a las oposiciones que
disputó en diciembre de 1934 y que ha sido preparada por Sebastián Martín.

Fuente: EFE



*** Falleció el dramaturgo español Jordi Teixidor

El autor de teatro, escritor, guionista, narrador, ensayista y traductor
Jordi Teixidor Martínez falleció el pasado 16 de marzo en Barcelona
(España) a los 71 años, a consecuencia de un paro cardiorrespiratorio,
según informa en un comunicado la Sociedad General de Autores de España
(SGAE).

Teixidor, nacido el 16 de julio de 1939 en Barcelona, cuenta con una
destacada obra musical y dramática, entre la que destaca El retaule del
flautista, que ganó el Premio Josep Maria de Sagarra de 1968 y que se
estrenó en 1971 llegando a superar las mil representaciones consecutivas.

El dramaturgo creció en la región francesa del Périgueux, a donde se exilió
su familia tras la Guerra Civil y de donde regresó en 1950, si bien
continuó sus estudios en el Lycée Français de Barcelona y, más tarde,
realizó estudios de contabilidad, cursos de dibujo y pintura y también de
decoración publicitaria.

En 1963 fundó, junto con su hermano Ramon, el escritor Francesc Candel y
otras personas, el grupo de teatro independiente El Camaleó.

Ha sido director, actor y autor en el Instituto del Teatro de Barcelona, y
ha estrenado con éxito obras como Mecano-Xou (1972); La jungla sentimental
(1975), Dispara, Flanaghan (1976), Rebombori-2 (1978), El drama de les
camèlies o El mal que fa el teatre (1984), David, rei (1986 y premio Ignasi
Iglesias), entre otras.

También ha publicado obras de narrativa, como Marro (1988), Cromos.
Histories de Barcelona (2000) y de ensayo, El drama, espectacle i
transgressió, premio Xavier Fàbregas, 1988.

La SGAE ha lamentado la muerte de Teixidor, al que califica como una de las
“figuras más importantes de la dramaturgia catalana y una maravillosa
persona”.

Fuente: EFE



*** ULPGC concede doctorado honoris causa a Mario Vargas Llosa

El Claustro de la Universidad de Las Palmas de Gran Canaria (ULPGC,
http://www.ulpgc.es) celebró el pasado miércoles 16 de marzo una sesión
plenaria en la que designó al escritor peruano Mario Vargas Llosa como
doctor honoris causa, informó la institución educativa.

De esta manera, la propuesta del profesor Oswaldo Rodríguez, del
Departamento de Filología Española, fue aceptada por 117 votos a favor, 4
en contra y 3 abstenciones. El objetivo es hacer coincidir el nombramiento
con el próximo acto de reconocimiento como hijo adoptivo de Las Palmas de
Gran Canaria, que el escritor aceptó el 28 de diciembre de 2010 tras
recordar sus estancias en esta ciudad y su condición de puente, por razones
históricas, de lengua y acento, con el continente sudamericano.

Vargas Llosa es miembro de la Real Academia de la Lengua Española (RAE) y
también ha participado en diferentes actividades literarias en las Islas
Canarias.

Fuente: Europa Press



*** Cierra definitivamente el Museo Chillida de Guipúzcoa

La familia del escultor Eduardo Chillida comunicó este 18 de marzo el
“cierre definitivo al público” del museo Chillida-Leku de Hernani
(Guipúzcoa, España), que se mantendrá como colección privada, al no haber
alcanzado un acuerdo con las instituciones para mantener su carácter de
espacio museístico.

La familia Chillida informó a los trabajadores de la extinción de sus
empleos y anunció que la obra del escultor se mantendrá en la finca de
Zabalaga, “donde podrá ser analizada por estudiosos” pero no será accesible
al público.

Los responsables del museo consideran, según explican en un comunicado, que
las instituciones no garantizan las condiciones que planteó en su día el
propio Eduardo Chillida, en concreto el “carácter monográfico” del espacio,
por lo que la familia “ha decidido liberar a la Diputación Foral de
Guipúzcoa y al Gobierno Vasco de sus compromisos” y “no forzar ningún nuevo
acuerdo”.

Esta decisión pone fin a meses de negociaciones entre la familia Chillida,
que cerró provisionalmente al público el museo el 1 de enero, y las
instituciones vascas, que han finalizado sin acuerdo.

Los diecinueve trabajadores de la institución han manifestado este lunes
21, mediante un comunicado conjunto, su “enorme pesar” por el cierre del
museo, de cuya viabilidad están convencidos, aunque advierten de que
carecería de sentido si no mantuviera sus “pilares fundamentales tal y como
los concibió” Chillida.

Esta veintena de trabajadores, todos ellos en el desempleo, recuerdan que
hasta ahora han mantenido un “discreto segundo plano” para no interferir en
las negociaciones, aunque creen que ha llegado el momento de manifestar su
sentir y su punto de vista sobre lo ocurrido.

Expresan, en este sentido, su “absoluto descontento” por que no hayan
prosperado las “negociaciones que permitan que este maravilloso museo
continúe abierto al público”.

“Por nuestra parte, hemos puesto toda nuestra energía y esfuerzo para que
este proyecto saliera adelante y seguimos convencidos de su viabilidad.
Creemos que existen varias fórmulas de gestión posibles que puedan darle
continuidad”, agregan.

Manifiestan asimismo su tristeza por que “ambas partes no hayan podido
llegar a un acuerdo que permita seguir transmitiendo con coherencia y
dignidad la obra de este gran artista vasco universal, del que siempre nos
acordamos cuando intentamos promocionar nuestra tierra”.

Confían, no obstante, en que “las negociaciones entre ambas partes,
conscientes de la responsabilidad que tienen, puedan algún día llegar a
buen puerto”. Advierten de que para todos los que han “vivido la obra de
cerca, no tendría sentido un museo que no mantuviera los pilares
fundamentales del mismo, tal y como los concibió el artista”, ya que
consideran que “eso es lo que garantiza su autenticidad y lo hace único y
diferente”.

Recuerdan que Eduardo Chillida donó diversas obras a su ciudad, San
Sebastián, y dio la oportunidad a los ciudadanos de conocer su obra en
espacios públicos para disfrute de todos.

Los trabajadores aclaran además que ninguno de ellos se apellida Chillida y
que todos participaron en este proyecto gracias únicamente a su valía
profesional. “Todos nosotros hemos vivido el museo y lo hemos hecho
nuestro. Estamos muy satisfechos por los conocimientos y la experiencia
adquiridos en estos últimos diez años”, agregan los empleados.

Han querido agradecer a la familia Chillida la oportunidad que les brindó
de participar en su proyecto que, a su juicio, “debería ser hoy el proyecto
de todos los donostiarras, guipuzcoanos y vascos”.

“Por cierto, se nos olvidaba, los diecinueve empleados estamos en la
calle”, concluye el texto.

El parlamentario de UPyD, Gorka Maneiro, por su parte, solicitó este lunes
21 que la consejera vasca de Cultura, Blanca Urgell, explique en la Cámara
autonómica la ruptura de las negociaciones mantenidas con la familia
Chillida para mantener abierto el museo dedicado al escultor guipuzcoano.

Maneiro pidió a la consejera, en un comunicado, que retome las
negociaciones que permitan que Chillida-Leku “pueda reabrirse lo antes
posible”.

Según Maneiro, “las condiciones que ponía la familia para que las
instituciones entraran a participar en la financiación y gestión de
Chillida-Leku” son “razonables” y ha considerado que el Gobierno vasco ha
tratado de “anteponer las razones económicas” y ha “minusvalorado el valor
intangible de la obra del genial Eduardo Chillida”.

Fuente: EFE



*** Premio Max de Honor 2011 para el dramaturgo José Monleón

El dramaturgo, crítico teatral y director de escena español José Monleón
(Tavernes de la Valldigna, Valencia, España; 1927) ha sido galardonado con
el Premio Max de Honor 2011, según se anunció este 18 de marzo. Ganador
también en 2004 del Premio Nacional de Teatro, el crítico teatral ve
premiada así una vida entera dedicada a las tablas.

Fundador y director del Instituto Internacional del Teatro del
Mediterráneo, su trayectoria profesional ha estado siempre vinculada a la
promoción y defensa de las artes escénicas.

Este premio es una de las cuatro estatuillas que se entregan por
designación directa de los galardones, junto al Premio Nuevas Tendencias,
el Premio de la Crítica y el Premio Iberoamericano. José Monleón recibirá
el galardón en la ceremonia de entrega de la XIV Edición de los Premios
Max, el próximo 9 de mayo, en el Gran Teatro de Córdoba.

En los años anteriores el galardón ha recaído en Josep Maria Benet i Jornet
(2010), Miguel Narros (2009), Víctor Ullate (2008), Fernando Arrabal
(2007), Pilar López (2006), José Rodríguez Méndez (2005), Francisco Nieva
(2004), Alfonso Sastre (2003), José Tamayo (2002), Antonio Gala (2001),
Adolfo Marsillach (2000), Antonio Buero Vallejo (1999) y en el Teatro La
Zarzuela (1998).

Monleón estudió derecho y dirección teatral en el Instituto de
Investigaciones y Experiencias Cinematográficas de Madrid. Trabajó como
crítico teatral en la revista Triunfo, y fue fundador y crítico teatral y
cinematográfico de las revistas Primer Acto —galardonada con el Premio Max
de la Crítica en su XI edición (2008)— y Nuestro Cine.

Ha sido director del Festival de Teatro Clásico de Mérida y en 2004 recibió
el Premio Nacional de Teatro. Es autor de varias obras dramáticas, todas
ellas estrenadas en España y otros países, entre las que destacan Proceso a
Kafka (1971), La gallina ciega (1984), Paraíso roto (1992), Sefarad (1993),
Historias del transtierro (2003) y Quién ha sido (2004). Asimismo,
dramaturgo de diversos textos colectivos, entre los que sobresalen El
clavel y la espada (2003) y Federico (2006). Ha sido profesor de sociología
del teatro en la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid (Resad),
siendo nombrado profesor emérito a su jubilación.

Entre 1984 y 1989 fue director del Festival de Teatro Clásico de Mérida y
en 1990 creó la Fundación Instituto Internacional del Teatro del
Mediterráneo, con la participación de numerosos países de las dos orillas.
Ha participado como ponente o director del Simposio del Festival del
Sur-Encuentro Teatral Tres Continentes de Agüimes, que le ha permitido la
conexión con el teatro africano. Actualmente es el director del Festival
Internacional Madrid Sur.

Monleón ha recibido diversas distinciones por su labor, destacando la
Medalla de las Bellas Artes del Ministerio de Cultura de España, el Premio
de la Comunidad de Madrid, la Medalla de Oro del Círculo de Bellas Artes de
Madrid y la Medalla de Honor de la Universidad Internacional Menéndez y
Pelayo de Santander.

Además ha sido galardonado con el Premio Nacional de Teatro 2004, la Creu
de Sant Jordi de la Generalitat de Cataluña 2006, la Medalla de la
Asociación de Directores de Escena 2007, el Premio Scaena del Festival de
Mérida 2008 y la condecoración de Oficial de Orden del Wissam Al Alaoui del
Reino de Marruecos, en 2008.

Fuente: Europa Press



*** Haruki Murakami gana el Premio Internacional Catalunya 2011

    El autor de Kafka en la orilla agradeció el reconocimiento con una
    carta en la que expresó preocupación por el futuro de su país, tras el
    terremoto del pasado 11 de marzo.

El escritor japonés Haruki Murakami ha sido galardonado este 18 de marzo
con el XXIII Premio Internacional Catalunya que otorga la Generalitat,
dotado con 80.000 euros y una escultura de Antoni Tàpies. El premio
reconoce la obra narrativa de Murakami por haber trascendido su ámbito
cultural y por ser un referente del panorama literario mundial.

En una carta escrita por Murakami tras serle comunicado el premio, y que ha
leído el portavoz de la Generalitat, Francesc Homs, tras proclamarle
ganador, el escritor dice que “en estos momentos desconoce lo que ocurrirá
tras el feroz terremoto y sus efectos, ni qué tipo de contribución le será
posible hacer por su país”, haciendo referencia al movimiento telúrico que
azotó a la nación nipona el pasado 11 de marzo.

Añade, además, que espera que este premio y el reconocimiento de su obra
por parte de Cataluña pueda suponer una cierta forma de aliento para su
gente, porque “necesitamos, supongo, cualquier tipo de estímulo en estos
tiempos tan difíciles”, dijo.

El premio, dotado con 80.000 euros y una escultura de Antoni Tàpies y que
se le entregará el próximo 9 de junio, reconoce la obra narrativa de
Murakami por haber trascendido su ámbito cultural y por ser un referente
del panorama literario mundial.

La Generalitat concede anualmente este premio, al que este año concurrían
196 candidaturas procedentes de 56 países que fueron presentadas por 225
instituciones, a personas que contribuyen decisivamente con su trabajo
creador a desarrollar los valores culturales, científicos o humanos en todo
el mundo.

El jurado valoró además la creación de una obra que dibuja un mundo de
oscilaciones permanentes, entre lo real y lo onírico, el humor y la
oscuridad, y el hecho de constituir un puente literario entre oriente y
occidente capaz de aunar los dos mundos, la ligereza taoísta y las
tradiciones culturales extranjeras.

Xavier Rubert de Ventós, presidente delegado del jurado que ha otorgado el
premio, manifestó que la obra del escritor expresa una forma del escritor
japonés, al que calificó de “unamuniano” porque “tiene la capacidad de
llevar al límite las cosas y permite absorber aspectos como el jazz, el
pop, el manga, las marcas, la magia o la sexualidad, logrando un cóctel
entre oriente y occidente”.

Murakami, nacido en Kioto en 1949, se licenció en 1973 en literatura y
dramaturgia en la Universidad de Waseda, y su primer trabajo fue en una
tienda de discos.

En 1986, tras el éxito de su novela Tokio Blues, dejó Japón para vivir en
Europa y en América, en donde llegó a ser profesor en la Universidad de
Princeton, y de la Tufts University de Massachusetts, en Estados Unidos.

En 1995, a raíz del terremoto de Kobe, la ciudad de su niñez, y del ataque
con gas sarín perpetrado en el metro de Tokio, hechos sobre los cuales
escribirá después, regresa a su ciudad.

Murakami escribió su primer libro de ficción a los 29 años tras ver un
partido de béisbol, cuando, según ha explicado, se encontró de repente
inspirado para escribir una novela, y la obra Kaze no uta o Kike (Escucha
cómo canta el viento), ganó el premio literario Gunzou, destinado a
escritores emergentes.

En ella, según los críticos, ya están presentes los elementos literarios
principales del escritor, un estilo occidentalizado, un humor particular y
una nostalgia penetrante.

El tema principal de las novelas de Murakami es la pérdida del amor y los
intentos, en balde, para conseguirlo, aunque también traspasa la frontera
de la realidad y la ciencia-ficción, y a veces plasma en sus personajes
aspectos autobiográficos como su gusto por platos selectos, el jazz o el
rock, y pasar el tiempo en bares de diseño.

Entre sus obras traducidas al castellano destacan La caza del carnero
salvaje, editada por Anagrama, y Crónica del pájaro que da cuerda al mundo,
Sputnik, mi amor, Al sur de la frontera, al oeste del sol, Tokio Blues.
Norwegian Wood, Kafka en la orilla, After Dark o El fin del mundo y un
despiadado país de las maravillas, editados por Tusquets Editores.

Fuente: EFE



*** Casa de José Saramago abierta al público

La presidenta de la Fundación José Saramago (http://www.josesaramago.org) y
compañera del fallecido Nobel de Literatura, Pilar del Río, abrió este
viernes 18 de marzo la casa en la que vivió, escribió y murió el literato
porque “contiene demasiado espíritu, demasiada calidad y demasiada fuerza
para que nos la quedemos quienes habitamos dentro”.

Saramago, el único premio Nobel de Literatura en lengua portuguesa, murió
el pasado 18 de junio en la atlántica isla de Lanzarote, al sur de España,
a los 87 años, y este viernes, coincidiendo con los nueve meses de su
fallecimiento, tuvo lugar el acto oficial de apertura al público de “A
Casa”, situada en el pueblo de Tías.

En un encuentro previo con los medios de comunicación, Pilar del Río
aseguró que, tras su decisión de adquirir la nacionalidad portuguesa e
instalarse definitivamente en Lisboa para estar al frente de la fundación
que preside, “lo lógico sería desmontar la casa, irme y llevarme mis cosas:
mis lozas, mis cuadros... aunque entendía que no podía ser”.

A partir de ahora, ella pasará prácticamente todo el tiempo en Portugal,
mientras que su cuñado Javier Pérez Fíguarez, que reside en Lanzarote desde
hace años, quedará como director de A Casa y será quien lleve el peso de la
organización en la isla.

La esposa del Nobel de Literatura destacó que con el acto de apertura
oficial de A Casa, al que asistieron el alcalde de Lisboa, Antonio Costa,
editores de varios países y una amplia representación del mundo de la
cultura, pretende “mantener el espíritu de José Saramago y seguir
respirando por él”.

En su casa de Lanzarote, Saramago vivió los 17 últimos años de su vida, que
sin duda fueron los de su mayor proyección como escritor, premiado con en
el Nobel en 1998.

Pilar del Río destacó que la casa se mantiene “con el mismo espíritu de
cuando era vivida”, aunque ha tenido que ser acondicionada como un espacio
que va a ser visitado, siempre en grupos reducidos de no más de 15 personas
y acompañados de un guía.

La presidenta de la Fundación José Saramago señaló que el haber escogido el
18 de marzo para abrir al público la casa obedece al hecho de que “nueve
meses es lo que se tarda en morir”, según dejó escrito el autor en El año
de la muerte de Ricardo Reis, porque nueve meses es lo que, por lo general,
se tarda en nacer.

“Por eso, este día 18 de marzo vamos a despedir a José Saramago abriendo su
casa y su biblioteca de Lanzarote para que sus amigos, sus lectores, las
personas que necesiten ver cómo, dónde y de qué manera trabajaba y vivía su
escritor, puedan recorrer el conjunto que habitó la mayor parte de sus
últimos años de vida”, destacó la presidenta de la fundación.

La “ceremonia de despedida”, como la definió Del Río, tuvo “la solemnidad
de la sencillez” y durante el transcurso del acto la directora de la Casa
Pessoa, la escritora Inés Pedrosa, leyó en portugués un fragmento de El año
de la muerte de Ricardo Reis. Posteriormente fue reproducido en castellano
por Lourdes Guerra, “que es una gran amiga de este proyecto y que ha
cantado poemas de José Saramago, a los que ha puesto música su marido, Luis
Pastor”.

Javier Pérez Fíguarez, director de A Casa, recordó que fundaciones de
carácter cultural de todo el mundo leyeron ese día a Saramago tal y como ha
ocurrido cada día 18 de estos nueve meses que han pasado desde la muerte
del Nobel.

Gómez Aguilera, profundo conocedor de la obra del fallecido novelista
portugués, destacó que el hecho de abrir al público la casa de Saramago
“pone en valor un legado físico, que es la casa, pero también un legado de
huellas de vida (el del ámbito doméstico) del escritor, en el que se
acumulan resonancias de la vida cotidiana”.

El autor de El año de la muerte de Ricardo Reis o Ensayo de la ceguera
vivió en Portugal hasta 1993, cuando decidió trasladarse al municipio
lanzaroteño de Tías desencantado con el gobierno luso de entonces por la
exclusión a un premio europeo de su polémica obra El evangelio según
Jesucristo.

Fuente: EFE



*** Presidente de Guatemala pidió perdón a familia de Otto René Castillo

El presidente de Guatemala, Álvaro Colom, pidió “perdón” este 19 de marzo a
la familia del poeta guatemalteco Otto René Castillo por su “brutal y
salvaje” asesinato a manos de agentes del Estado, perpetrado hace 44 años
en el departamento de Zacapa, en el este del país.

En una ceremonia especial realizada en el Palacio Nacional de la Cultura,
Colom, en representación del Estado guatemalteco, lamentó el daño
ocasionado a la familia del poeta, a las letras y a la sociedad
guatemalteca en general, y pidió “perdón” por ese “crimen atroz”.

Castillo, conocido como “el poeta del pueblo” o “el poeta guerrillero”,
nació en la ciudad de Quetzaltenango, al oeste del país, en abril de 1935,
y partió por primera vez al exilio en 1954, luego del derrocamiento del
presidente Jacobo Arbenz, perpetrado con el apoyo del gobierno de Estados
Unidos.

En 1966 se incorporó a las Fuerzas Armadas Rebeldes (FAR), una de las
cuatro organizaciones guerrilleras que enfrentaron a las fuerzas de
seguridad del Estado en una guerra interna que se prolongó durante 36 años
(1960-1996).

El 19 de marzo de 1967 el poeta fue capturado en la Sierra de las Minas, en
el departamento de Zacapa, junto a la también guerrillera Nora Paz, por
miembros de un grupo de paramilitares vinculado al Ejército.

Según diversas investigaciones, ambos fueron “brutalmente torturados” por
sus captores en el interior de una base militar y el 23 de marzo de ese
año, junto a otro grupo de rebeldes, fueron fusilados de forma
extrajudicial y sus cuerpos quemados.

“El perdón es el primer paso” del reconocimiento de la responsabilidad del
Estado por este asesinato, dijo Sandino Castillo, hijo del poeta, al
aceptar el homenaje póstumo ofrecido por el gobierno.

Sin embargo, señaló, “aún falta que los responsables sean llevados ante la
justicia” para que respondan por los asesinatos.

En el mismo acto Colom también pidió perdón a la familia de Nora Paz, la
joven guerrillera y compañera sentimental de Castillo, quien lo acompañaba
al momento de su captura y quien también murió a manos de los militares.

De la amplia obra literaria de Castillo, de la cual se desprenden igual
versos revolucionarios como de amor y desamor, destaca el poema “Vamos,
patria, a caminar, yo te acompaño”, el cual, según testigos, era declamado
por sus verdugos mientras lo torturaban.

Fuente: EFE



*** Filven recorrerá Venezuela durante el resto del año

Miles de personas se dan cita desde este 19 de marzo en la séptima Feria
Internacional del Libro (Filven), que se celebra en las instalaciones del
Complejo Cultural Teresa Carreño (TTC) y la Universidad Nacional
Experimental de las Artes (Unearte) y se extenderá hasta el próximo domingo
27.

“¡Gloria al Bravo Pueblo!”, el primer verso del himno nacional de
Venezuela, es el lema de esta nueva edición de la Filven, que se realiza en
homenaje al maestro Andrés Bello y a Juan Germán Roscio, escritores que
hicieron un importante aporte a la Independencia de Venezuela.

Esta feria, que propicia el encuentro entre las culturas, cuenta con la
participación de intelectuales de quince países de los cinco continentes,
entre ellos Argentina, Brasil, Uruguay, Perú, Australia, Turquía, Colombia
y Nigeria.

Uno de los stands más visitados es el del Ministerio de la Cultura de
Venezuela, que sólo en la segunda jornada de la feria tenía contabilizados
12 mil textos vendidos.

Este año el Pabellón Infantil se enfocó en los niños de los refugios del
Distrito Capital, quienes podrán disfrutar de talleres educativos, música,
artes plásticas y títeres.

La inauguración de la Filven contó con la participación del ministro del
Poder Popular para la Cultura, Francisco Sesto; la presidenta del Centro
Nacional del Libro (Cenal), Christian Valles y el canciller de Venezuela,
Nicolás Maduro.

Maduro hizo un llamado a los venezolanos “a participar en esta Feria
Internacional que, gracias a la llegada de la Revolución, hoy le da cabida
y participación a todo el pueblo”.

Asimismo, el presidente de Venezuela, Hugo Chávez, también invitó a los
venezolanos a visitar la feria, en una alocución en cadena nacional, y dijo
que “no hay nada mejor que leerse un libro acostado en un chichorro
(hamaca)”.

Para la Filven 2011 se programaron 250 actividades de salas, 14 talleres
formativos, 44 actividades en tarimas, 26 presentaciones de grupos
musicales, 16 recitales poéticos, dos agrupaciones de danza y 58
actividades infantiles.

La Feria del Libro está dedicada a la conmemoración del año Bicentenario de
la Declaración de Independencia venezolana, cuenta con 123 expositores y
espera alcanzar los 120 mil visitantes.

Tras su clausura en Caracas a finales de esta semana, la Filven recorrerá
toda Venezuela a un ritmo de tres estados por mes, según informó el
ministro Sesto. Esta política, agregó, permitirá que mayor cantidad de
personas puedan adueñarse de esta fiesta editorial como hecho cultural.

En el programa radial “Con el pie izquierdo”, transmitido por la señal de
Alba Ciudad 96.3 FM, Sesto anunció que la Filven se extenderá unos nueve
meses más. “Probablemente esta feria se conectará con la del año próximo”,
dijo.

La Feria, que se inició este sábado 19 de marzo, cuenta con más de 120
expositores y la participación de 15 países: Argentina, Brasil, México,
Ecuador, Colombia, Chile, Cuba, Hungría, Irán, Nigeria, Uruguay, Perú,
España, Australia y Turquía.

“Esta es una oportunidad que ofrece el gobierno del presidente Hugo Chávez,
para que el pueblo se acerque a la lectura. La gente hace un pago simbólico
como voluntad de querer tener el libro, pero no es un gasto, es una
inversión en esa carretera del espíritu, que es la literatura y el
conocimiento”, expresó el ministro.

La Filven 2011, que tiene como tema principal el Bicentenario de la
Declaración de la Independencia, también abrió un espacio para la Feria
Nacional de Artesanía en la Plaza de Los Museos, en la que están seis
artesanos por cada estado.

En este sentido, Sesto anunció que realizarán un convenio con la
Universidad Nacional Experimental de las Artes (Unearte), para hacer cursos
de capacitación de nuevas técnicas para artesanos y artesanas.

Fuente: AVN



*** Herederos de Miguel Hernández “liberan” veinte libros

Los herederos de Miguel Hernández han liberado este 19 de marzo una
veintena de libros procedentes de la colección privada dentro de la primera
edición del “bookcrossing” (liberación de libros) que lleva el nombre del
poeta en Orihuela (España), según informó la asociación Activa Orihuela,
uno de los colectivos que organizan la iniciativa

La donación de estos veinte libros por parte de la nuera del autor de El
rayo que no cesa, Lucía Izquierdo, se ha sumado a los apoyos recibidos por
el I Bookcrossing Miguel Hernández por Orihuela, elevando la cifra de
libros que bajo el lema “Liberando a Miguel” se pondrán a disposición de
todos los ciudadanos los próximos viernes 25 y sábado 26, en calles,
plazas, comercios, establecimientos hosteleros y centros públicos.

En total se prevé repartir más de 750 libros y se hará coincidiendo con la
conmemoración del fallecimiento del autor en la cárcel, lo que ocurrió el
28 de marzo de 1942.

Todo ello con la finalidad de “liberar” a Miguel en su pueblo, donde
siempre quiso estar, y acercarlo a sus convecinos, para que cualquiera
pueda “capturar” un libro sobre su obra y figura y leerlo, para después
volverlo a “liberar”.

El reparto de los libros se hará a partir de medio centenar de comercios,
bares y restaurantes de la ciudad de Orihuela, y se hará principalmente el
próximo sábado 26 de marzo, con la colaboración de voluntarios de
asociaciones socioculturales, entre ellas Orihuela Sin Barreras, Mujeres
por la Libertad y la Vida, Asociación de Mujeres Clara Campoamor de
Orihuela, ADIS Vega Baja, Foro Social, Ateneo Socio-Cultural Viento del
Pueblo, Orihuela 2m10 y la asociación de afectados por cáncer y familiares
MasVida.

La glorieta Gabriel Miró acogerá a las 12:30 del sábado el acto simbólico
de la última “suelta de libros”, a la que se prevé que asistan
representantes de la Fundación Cultural Miguel Hernández y destacados
expertos en materia hernandiana, como José Luis Ferris y Francisco Esteve.

La víspera, viernes 25, aprovechando el inicio de la Senda del Poeta en
Orihuela y su paso por distintos municipios de la comarca, se procederá a
efectuar una primera liberación, a modo de adelanto, a lo largo del camino
hernandiano, a fin de que los senderistas puedan recitar y leer sobre
Miguel Hernández mientras caminan.

Cada ejemplar liberado irá protegido con una cubierta de plástico e
incluirá en su interior un breve folleto explicativo en el que se explica
en qué consiste un bookcrossing y qué se debe hacer con el libro hallado.

Asimismo, los puntos de liberación de libros situados en comercios,
establecimientos hosteleros y centros públicos estarán señalizados con
carteles en los que se indicará que la instalación en cuestión es punto
“bookcrossing”.

El I Bookcrossing Orihuela-Miguel Hernández dispone de una página en la red
social Facebook, donde los participantes que así lo deseen podrán dar
cuenta del título del libro que han capturado, dónde lo han hallado y el
lugar de liberación, para que otros puedan “capturar” los ejemplares.

Se trata de la primera actividad de estas características que se celebra en
la Comunitat Valenciana en cuanto al número de libros que está previsto
liberar y la primera del país como bookcrossing temático, es decir,
centrado en un único autor y en su obra.

Fuente: EFE



*** Venezuela dedica tres días a analizar su literatura contemporánea

Participarán como invitados especiales los escritores venezolanos Miguel
Gomes, Juan Carlos Méndez Guédez y Gustavo Guerrero.

Del 21 al 23 de marzo se realizarán, en los espacios de la Universidad
Simón Bolívar, en Caracas, las primeras Jornadas Internacionales de
Literatura Venezolana Contemporánea “Litera Escena 2011”, uno de los más
importantes eventos en el área en los últimos años en Venezuela, y en el
que se darán cita escritores e investigadores para confrontar experiencias
y diagnosticar la situación actual de las letras de Venezuela, así como
configurar un mapa de los problemas teórico-críticos que las atraviesan.

Organizado por las profesoras Carmen Victoria Vivas Lacour, Mariana
Libertad Suárez y Eleonora Cróquer, y el profesor Arturo Gutiérrez Plaza,
el evento revisará los problemas y perspectivas en la configuración actual
del campo literario venezolano; las relaciones entre literatura nacional,
globalización y migraciones; las políticas y estéticas de lo menor —cuerpo,
locura y enfermedad—; las ficciones históricas y escrituras de la memoria;
los problemas de género; las políticas editoriales y modos de circulación
de los textos; las representaciones de la violencia; la literatura
autoficcional; las representaciones de lo urbano, y las tendencias, los
problemas y los autores que hacen vida tanto en la narrativa como en la
poesía venezolana contemporánea.

Las jornadas se iniciarán a las 9:30 del lunes 21 de marzo con los
discursos de apertura del profesor Arturo Gutiérrez, coordinador de
Postgrado en Literatura; el profesor Rafael Escalona, vicerrector académico
de la USB, y la profesora Carmen Victoria Vivas Lacour, coordinadora
general de las jornadas. De inmediato se realizará la primera conferencia
plenaria, que bajo el título “Campo literario venezolano actual: problemas
y perspectivas” reunirá a Carlos Sandoval, Gisela Kozak, Luis Miguel Isava
y Miguel Gomes, con moderación de Raquel Rivas.

Tras el almuerzo, a las 2 de la tarde se celebrará la primera sesión de
ponencias, con cinco mesas funcionando simultáneamente. La mesa 1,
“Escritura de mujeres y representaciones de lo femenino I”, que se reunirá
en el Auditorio MEM, será moderada por Luz Marina Rivas y presentará las
ponencias “Contar con la digresión. Liliana Lara y Luis Aristimuño: dos
voces orientales en la literatura venezolana”, de Adriana Cabrera; “Las dos
voces de las poetisas monaguenses”, de Luz Marina Cruz; “La ventana:
memoria y vínculo con el ayer, en Los cuentos de Natalia, de Carolina
Lozada”, de Daniela Campos; “La voz de otro que se subleva en la poesía de
Lydda Franco Farías”, de Oriana Beatriz Mata Coronado, y “La historia
oficial, banquete de hombres solos, en: Influencia de las mujeres en la
formación del alma americana”, de María Figueras.

La mesa 2, “Revistas, blogs y formas emergentes de lo literario I”, tendrá
como sede la Sala de Conferencias de la División de Ciencias Sociales y
Humanidades y será moderada por Yorgui Andrés Pérez. Participarán María
Beatriz Villa Calanche con “Bitácoras del exilio. Escrituras de mujeres en
la red”; María Dayana Fraile con “El curioso caso de un post de Re-lectura
o la comunidad krishna vs la comunidad literaria”; Laura Calleja con “El
país del ‘Diente roto’ en 140 caracteres”, y Ana María Velázquez con “Desde
el cronista de Indias hasta el viajero Cadivi: el viaje como espacio de
creación en la vanguardia escritural venezolana”.

Mientras tanto, la Sala de Conferencias del Decanato de Estudios de
Postgrado servirá de escenario a la mesa 3, “Narrativa venezolana: lecturas
y perspectivas I”, que moderada por Juan Cristóbal Castro reunirá a Luis
Alfredo Álvarez Ayesterán, con “La mujer de espaldas: el espacio de la
expectación”; Maylí M. Quintero S., con “El hermetismo, la reescritura y la
novela en miniatura en la narrativa de Ednodio Quintero”; Humberto J.
Medina, con “ ‘El infierno es el lugar de la repetición’ o cómo la
perversión nos cura del olvido. Propuesta de lectura de Mariana y los
comanches, de Ednodio Quintero”, y Carmen Victoria Vivas Lacour, con “La
migración como deslocalización de tiempos. Un retrato de los lugares del
ahora y entonces en los cuentos de Miguel Gomes”.

“Cuerpos tocados por la lengua (dolor, enfermedad, sexualidad)” es el
título de la cuarta mesa, que será moderada por Eleonora Cróquer en el
Paraninfo de la USB y contará con la participación de Álvaro Contreras, con
“Anatomía de un corpus. Órdenes del corazón, de Miyó Vestrini”; Gina
Sarraceni, con “El cuerpo defectuoso de Miyó Vestrini”; Adalber Salas, con
“Armando Rojas Guardia: rostro en sombra bosquejado por la luz”; Alejandro
Castro, con “Lenguas torcidas: la invención del niño mariquita en la poesía
de Rafael Castillo Zapata”, y Reinaldo Cardoza Figueroa, con “Cuerpo y
enfermedades del sueño en La tarea del testigo, de Rubi Guerra”.

La quinta mesa, titulada “Violencia, rock y cultura pop en la narrativa
venezolana”, tendrá como moderadora a Daniuska González y se reunirá en la
Sala de Conferencias del Departamento de Lengua y Literatura. Allí
participarán Mario Morenza con “Rock & book. De la literatura al rock / del
rock a la literatura: la convivencia y memoria de dos aficiones en
Venezuela”; Oscar E. Blanco C. con “El héroe abyecto o el violento como
ideal heroico en la narrativa venezolana a propósito del libro de relatos
Playback, de Lucas García”; Rebeca Pineda Burgos con “Cultura popular
persuasiva en la narrativa venezolana de las últimas décadas”, y Celiner
Ascanio con “Representaciones de la transición: el delincuente en tres
textos narrativos venezolanos (1968-1970)”.

A las 3:30 del lunes será presentada la antología del cuento venezolano La
vasta brevedad (Alfaguara), realizada por Carlos Pacheco, Antonio López
Ortega y Miguel Gomes. Luego, a las 4, las escritoras Carmen Vincenti,
Michelle Ascencio y Judith Gerendas protagonizarán una mesa de narradoras
con moderación de Luz Marina Rivas, que será seguida, a las 5:30, con una
mesa de narradores en la que estarán Lucas García, Rodrigo Blanco Calderón,
Rubi Guerra y Héctor Torres, con moderación de Carmen Victoria Vivas
Lacour.

El martes 22 de marzo se iniciará la segunda sesión de ponencias a partir
de las 8 de la mañana, con otras cinco mesas simultáneas. La mesa 1,
“Escritura de mujeres y representaciones de lo femenino II”, será moderada
por Iraida Casique y tendrá lugar en la Sala de Reuniones del Departamento
de Ciencias Sociales. En ella participarán Adriana Noguera con “Espejeo y
espejismo del binomio Iglesia-Gobierno en el período guzmancista. Una
mirada a Mundo, demonio y carne, de Michaelle Ascencio”; Rosmar Brito con
“Cuerpos vestidos/convenciones al desnudo: Mundo, demonio y carne, de
Michaelle Ascencio”; Luisana Gabriela Cordero León con “La memoria
entrópica en El exilio del tiempo, de Ana Teresa Torres”, y Mariana
Libertad Suárez con “(Extra)víos: rememoración e identidad en El lugar del
corazón (2003), de Silda Cordoliani”.

Moderada por Kira Morales, la segunda mesa, “Lecturas de poesía I”, se
realizará en la Sala de Conferencias del Decanato de Estudios de Postgrado
y reunirá a Alberto Sáez con “Juan Sánchez Peláez: la transfiguración del
poema”; Francia Andrade con “La muerte, un recurso polisémico en la poética
de Luís Fernando Álvarez”; Giuliano Corrado con “La invariable vaguedad:
anotaciones sobre la poesía de Arturo Uslar Pietri”, y Pausides González
con “Noticias de Luis Fernando Álvarez”.

La tercera mesa, “Ficciones históricas y escrituras de la memoria I”, se
realizará en el Paraninfo de la USB y será moderada por Álvaro Contreras.
En ella participarán Ana Virginia París con “Las lagunas de la historia en
la narrativa venezolana actual: poéticas de la memoria en Sumario, de
Federico Vegas”; Raquel Rivas Rojas con “Legitimación y relato identitario
en las novelas históricas de Federico Vegas”; Vicente Lecuna con “Contra la
alegoría nacional: una lectura de La enfermedad y Crímenes, de Alberto
Barrera Tyszka; Yorgy Andrés Pérez Sepúlveda con “La relación entre la
historia y la literatura: (con)fusión para (re)presentar la experiencia
(des)humana”, y María Teresa Vera con “Relatos de desamor y desarraigo.
Apuntes para una lectura de la narrativa del exilio venezolano
contemporáneo”.

En la mesa 4, “Literatura autoficcional y escrituras del yo I”, que será
moderada por Leopoldo Plaz Alemán y se realizará en la Sala de Conferencias
del Departamento de Lengua y Literatura, participarán María del Carmen
Porras con “Contra los estereotipos: Renato Rodríguez y la entrevista
literaria”; Adlin de Jesús Prieto Rodríguez con “De cómo ser loca, pero no
deschavetada. Una lectura de Las memorias de una loca (1953), de Conny
Méndez, y Violeta Rojo con “Contemplando cómo se pasa la vida: la
autoficción en Sin partida de yacimiento; Ciudades que ya no existen y
Margarita Infanta”.

La Sala de Reuniones del Departamento de Lengua y Literatura será el
escenario de la mesa 5, “Narrativa y espacio urbano I”, que moderada por
Claudia Cavallín reunirá a Cristina Gutiérrez con “De ciudades y
habitantes: una mirada a lo ‘maracucho’ en Corrector de estilo, de Milton
Quero Arévalo; Maikel Ramírez Álvarez con “La construcción de la urbe en Un
vampiro en Maracaibo: lo gótico como pretexto de la posmodernidad”; Paulina
Rojas con “Pateando las calles. Los espacios exteriores en la narrativa de
Rubi Guerra y Ricardo Azuaje”, y Andreína Minerva Valery Martínez con
“Viejo, de Adriano González León, cercado en lo urbano”.

A las 10 de la mañana se iniciará la tercera sesión de ponencias, cuya
primera mesa, “Lecturas de poesía II”, será moderada por Pausides González
y se celebrará en la Sala de Conferencias del Departamento de Lengua y
Literatura, con la participación de Geraudí González Olivares y Néstor
Mendoza con “El padre, elegía y reclamo (La imagen del padre en la poesía
venezolana contemporánea)”; Moisés Alberto Jurado Briceño con “La palabra
poética como casa del ser. Aproximaciones a una ontología poética en la
obra de Elizabeth Schön y Hanni Ossott”; Pedro Varguillas con “El espacio
en la obra de Luis Alberto Crespo”; Francisco Catalano con “Poesía y
realidad: Cadenas y Juarroz”, y Kira Morales con “La casa como espacio en
el que se re-crea la intemperie existencial del sujeto poético. Un
acercamiento a cuatro poemas del poemario Casa de agua y de sombras, de
Hanni Ossot”.

La mesa 2, “Erotismo y transgresión”, que se realizará en la Sala de
Reuniones del Departamento de Lengua y Literatura, será moderada por Betina
Vincenti y contará con la participación de Alicia Reyes con “Tres poemas
eróticos: una intención estratégica”; Johanna Noemí Díaz Torres con “La
transgresión de María Calcaño: un grito del siglo XX convertido en voces
contemporáneas”; Luis Miguel Bande con “Erotismo y metaficción en el
minicuento venezolano”, y Norland E. Espinoza A. con “Del nombre
glorificado”.

En la mesa 3, titulada “Revistas, blogs y formas emergentes de lo literario
II”, que tendrá lugar en la Sala de Conferencias del Decanato de Estudios
de Postgrado, la moderación correrá a cargo de José Delpino y participarán
Rafael Fabián Gutiérrez con “Los avatares del llanero en tiempos de
Internet”; Reinaldo Cardoza Figueroa con “Avatares de una madre intelectual
o la obra por escribir”, y Ricardo Ramírez Requena con “Del homo sapiens al
homo digitalis: las propuestas escriturales en los blogs literarios en
Venezuela”.

En la mesa 4, “Narrativa venezolana: lecturas y perspectivas II”, que será
moderada por Ricardo Ramírez Requena y se celebrará en la Sala de Reuniones
del Departamento de Ciencias Sociales, participarán Steven Bermúdez Antúnez
con “El cuento venezolano, lectura, lectores y textos: la apreciación
literaria como un reto relacional”; Michelle Roche Rodríguez con “Lo real
siniestro como estética de la paranoia mestiza”; Angélica Salas con “Fedosy
Santaella y el discurso de lo fantástico”, y Rosanna Álvarez Barroeta con
“Relaciones hipertextuales entre El Duque, de Guillermo Meneses, y El duro,
de Gabriel Payares”.

La mesa 5, “El escritor y sus fantasmas”, se realizará en el Paraninfo de
la USB con moderación a cargo de Rafael Castillo Zapata, y contará con la
participación de Jacqueline Goldberg con “El aprendizaje del dolor y la
reconstrucción de la memoria en los sobrevivientes de la Shoá”; María
Teresa Ogliastri con “Autoficción: poetizando historias alternas”; Arturo
Gutiérrez Plaza con “Una lectura de Reverón en la poesía venezolana o Los
vericuetos de un poema”, y Maikel Ramírez Álvarez con “Cadáver exquisito:
el proceso de escritura de una novela histórica”.

Tras el almuerzo, a las 2 de la tarde del martes 22 se realizará la
conferencia plenaria “Poesía venezolana contemporánea: tendencias,
problemas y autores”, con Arturo Gutiérrez Plaza, Joaquín Marta Sosa y Gina
Saraceni, y moderación de Luis Miguel Isava. A las 3:30, la Editorial
Equinoccio, de la USB, presentará sus novedades en poesía. A las 4, Luis
Moreno Villamendiana, Luis Enrique Belmonte, Jacqueline Goldberg y Pausides
González protagonizarán la primera mesa de poetas, con moderación de Arturo
Gutiérrez Plaza; mientras que a las 6 José Delpino, Roberto Martínez,
Santiago Acosta, Adalber Salas y Yola Mares se reunirán en la segunda mesa,
con moderación de Alejandro Castro.

Las actividades del miércoles 23 de marzo se iniciarán a las 8 de la mañana
con la cuarta sesión de ponencias, cuya primera mesa será sobre la obra del
escritor Mariano Picón-Salas y se realizará en la Sala de Reuniones de la
Biblioteca con moderación de Cristian Álvarez. En ella participarán
Alejandro Bárcenas con “El espíritu de Hegel en los escritos de Mariano
Picón-Salas sobre arte y estética: una aproximación”; Daniel González con
“El desengaño de la utopía en Mariano Picón-Salas”, y Jhoerson Yagmour con
“Picón-Salas y la búsqueda de los ideales”.

Simultáneamente se realizará, en la Sala de Conferencias del Decanato de
Estudios de Postgrado, la mesa 2, que titulada “Ficciones históricas y
escrituras de la memoria II” será moderada por Pedro Vargas y contará con
la participación de Carolina Amaya con “El pasajero de Truman, de Francisco
Suniaga: ¿azar o ‘destino trágico’ de la historia venezolana?”; Rosmar
Brito Márquez y María S. Harringhton con “Entre los intersticios de la
historia: la memoria dialógica. El pasajero de Truman, de Francisco
Suniaga”; Salomón Benítez con “El discurso ideológico en Falke, de Federico
Vegas, y El pasajero de Truman, de Francisco Suniaga, y Leonardo Espinoza
con “Ideas para un trabajo sobre la novela histórica a partir de la lectura
de El pasajero de Truman, de Francisco Suniaga”.

En la mesa 3, moderada por Humberto Medina en la Sala de Conferencias del
Departamento de Lengua y Literatura, participarán Daniel Abreu con “Como
Dios en su creación. Un estudio de la función del narrador y de la estética
de lo grotesco en La comedia urbana, de Armando José Sequera”; Francis
Carolina Farias Potellá con “La novela comprometida como nuevo subgénero
literario”; Gabriel Payares con “Perros, elefantes y gallinazos: tres
aproximaciones narrativas a una humanidad animal en Mario Bellatin, Luis
Enrique Belmonte y Fernando Vallejo”, y Fabián Coelho con “Lector al
trasluz: disquisiciones sobre la secreta dialéctica Gallegos-Falke, en
Falke, de Federico Vegas”.

“Literatura y política” es el título de la cuarta mesa, que será moderada
por Alejandro Bárcenas y se realizará en el Paraninfo de la USB. Allí se
reunirán José Robert y Marivi Castellano con “Nación en formación vs.
Nación inconclusa: un recorrido por la temática de la nación en la
narrativa venezolana”; Juan Carlos Araque Escalona con “Tres momentos en la
literatura de la subversión armada en Venezuela”; Juan Cristóbal Castro
Kerdel con “Gallegos espectral”, y Julieta Cordero con “Condenados por la
historia”.

La quinta mesa, “Tradición y oralidad”, se realizará en la Sala de
Conferencias de la Biblioteca y será moderada por Isabel Rodríguez.
Participarán Aneidis Oberto con “Orlando Chirinos: resonancias de la
serranía falconiana”; Norma González Viloria con “Fulvio Quintana,
Jacqueline Ropain Guzmán. De los cuentos de hadas a la tradición oral en
Venezuela”; Bernardo Tortoledo y Janet Marilyn Hernández con “La copla
llanera: ¿forma poética anacrónica?”, y María del Rosario Jiménez con
“Problemas de la poesía musical venezolana de raíz tradicional”.

A las 10 de la mañana tendrá lugar la quinta y última sesión de ponencias,
cuya primera mesa, “Escritura de mujeres y representaciones de lo femenino
III”, será moderada por Mariana Libertad Suárez en la Sala de Reuniones de
la Biblioteca, y contará con Vanesa Anaís Hidalgo con “Las buenas, las del
árbol solo. La mujer y la relación con el otro desde lo femenino en la
poesía venezolana”; Reina Carolina Mata Acosta con “El espacio del mito, el
espacio femenino: pugna de una intelectual en El farol de Onona”; Fanny
Ramírez de Ramírez con “Manipuladoras de hilos: hogar-afecto y deportes en
las cronistas venezolanas”, y Verónica Yanet Álvarez Gómez con “Cuento,
signo e identidad: problematizaciones y prácticas de interpretación en la
obra de Dinapiera Di Donato”.

La Sala de Conferencias del Decanato de Estudios de Postgrado servirá de
escenario a la mesa 2, “Ficciones históricas y escrituras de la memoria
III”, moderada por Adlin Prieto y con la participación de Carlos Luis
González con “El cuerpo de la memoria en la narrativa de Denzil Romero”;
Ángel Torrevilla Rodríguez con “Histor(i)alidad, memoria e intrahistoria:
un acercamiento a Los amos del Valle, de Herrera Luque”; Oriele Benavides
con “El héroe y el personaje popular a través de la mirada intrahistórica:
Los últimos espectadores del acorazado Potemkin”, y María Elena
D’Alessandro con “La crónica literaria: representación de una Caracas del
recuerdo”.

“Literatura autoficcional y escrituras del yo II” es el título de la
tercera mesa, que se realizará en la Sala de Conferencias del Departamento
de Lengua y Literatura con la moderación de Violeta Rojo y la participación
de José Manuel Nava Marín con “Ana Isabel, una niña decente, o la
literatura como hecho de vida. Rasgos autobiográficos en la novela de
Antonia Palacios”; Luis Javier Hernández Carmona con “El neotelurismo y la
configuración autobiográfica en Domingo Miliani”, y Leopoldo Plaz Alemán
con “Los Diarios literarios de Alejandro Oliveros... Entre la bitácora y la
poética”.

Simultáneamente, en el Paraninfo de la USB se estará desarrollando la mesa
4, “Narrativa y espacio urbano II”, que moderada por Arturo Gutiérrez Plaza
reunirá a Ricardo Farfán con “Siete visiones, una realidad, cualquier
ciudad: ‘Postales de Burundanga’, de Fedosy Santaella”; Pedro Lange con
“Sólo quiero que amanezca, de Oscar Marcano: narrar la megaciudad y los
espacios del deseo”, y Pedro Luis Vargas Álvarez con “Escritores y
lectores: la ciudad y la identidad construidas desde lo fantástico en los
relatos de Rodrigo Blanco Calderón”.

La última mesa, “Políticas culturales y proyectos editoriales”, será
moderada por Cecilia Rodríguez Lenmann y será realizada en la Sala de
Conferencias de la Biblioteca, con la participación de Gabriela Durán
Arnaudes con “Políticas culturales en torno a la literatura venezolana.
Venezuela 2004-2010”; Luisa Talmay Rivas Garcías con “Viento del Sur
Editores: una alternativa editorial literaria para la provincia sureña
venezolana”, y Oscar Barrios con “Aproximación crítica a las producciones
antológicas del cuento venezolano de fines del siglo XX”.

Tras el almuerzo, a las 2 de la tarde del miércoles 23 de marzo se
realizará la conferencia plenaria “Narrativa venezolana contemporánea:
tendencias, problemas y autores”, con Carlos Pacheco, Arnaldo Valero y
Gustavo Guerrero, y la moderación de Antonio López Ortega. A las 3:30,
Equinoccio presentará sus novedades en narrativa, siendo seguida por el
conversatorio que a las 4 de la tarde protagonizarán los autores Federico
Vegas, Juan Carlos Méndez Guédez, Oscar Marcano y Alberto Barrera Tyszka,
con moderación de Gustavo Guerrero. Las jornadas terminarán con un brindis
de clausura a las 6 de la tarde.

Fuente: Web del evento



*** Puerto Rico celebra Festival Internacional de Poesía

Poetas de veinte países participan en el Tercer Festival Internacional de
Poesía de Puerto Rico
(http://festivalinternacionaldepoesiaenpuertorico.com), que tiene
programada, del 21 al 26 de marzo, una treintena de actividades como
recitales, conferencias, lecturas poéticas colectivas, presentaciones de
libros y actos artísticos en centros culturales, universidades, escuelas,
teatros y otros escenarios del país.

Autores de Argentina, Bolivia, Chile, Colombia, Costa Rica, Cuba, Ecuador,
El Salvador, España, Guatemala, Honduras, México, Nicaragua, Panamá,
Paraguay, Perú, República Dominicana, Uruguay y Venezuela participarán en
el evento junto a los poetas de la nación anfitriona.

Los actos de apertura tendrán lugar el lunes 21 de marzo, declarado por la
Unesco como el Día Mundial de la Poesía, a las 7 de la noche en el Teatro
de la Universidad Interamericana, Recinto Metropolitano. La clausura se
celebrará el sábado 26 de marzo en la Plaza Colón de la ciudad de Mayagüez,
también a las 7 de la noche.

Esta festividad literaria, respaldada por la Red Nuestra América de
Festivales Internacionales de Poesía, en la que figuran importantes
festivales de América, está dedicada al 50º aniversario del Grupo Guajana.
Todas las actividades son libres de costo y están abiertas al público en
general.

Fuente: Web del evento



*** Premio Alfaguara para el colombiano Juan Gabriel Vázquez

El escritor colombiano Juan Gabriel Vásquez ha sido galardonado este 21 de
marzo con el XIV Premio Alfaguara de Novela 2011
(http://www.alfaguara.com/es/premio-alfaguara-de-novela), dotado con
175.000 dólares (unos 133.306 €) y una escultura de Martín Chirino, por la
obra El ruido de las cosas al caer, presentada bajo el título Todos los
pilotos muertos y con el seudónimo “Raúl K. Fen”. El jurado, presidido por
Bernardo Atxaga y compuesto por Gustavo Guerrero, Lola Larumbe, Candela
Peña, Imma Turbau y Juan González, ha declarado ganadora la novela por
unanimidad.

Un total de 608 manuscritos inéditos, escritos en castellano, han
concurrido a esta edición. De ellos, 231 proceden de España, 105 de
Argentina, 99 de México, 46 de Colombia, 29 de Estados Unidos, 25 de Perú,
19 de Chile y 14 de Venezuela. También en Bolivia se han recibido 14
originales, 12 en Ecuador, 5 en Uruguay, 5 también en la República
Dominicana y 4 en Paraguay.

Vásquez nació en Bogotá en 1973. Es autor del libro de relatos Los amantes
de Todos los Santos (Alfaguara, 2001) y de dos novelas. Los informantes fue
elegida en Colombia como una de las novelas más importantes de los últimos
veinticinco años y fue finalista del Independent Foreign Fiction Prize en
el Reino Unido. Historia secreta de Costaguana ha obtenido el premio Qwerty
a la mejor novela en castellano (Barcelona), el premio Fundación Libros &
Letras (Bogotá) y está actualmente en la lista de los finalistas del
Independent Foreign Fiction Prize que se falla el próximo 26 de mayo en
Londres.

El autor ha vivido en París y en las Ardenas belgas, y en 1999 se instaló
definitivamente en Barcelona. Ha traducido obras de John Hersey, Victor
Hugo y E. M. Forster, entre otros, y su labor periodística también es
destacada: Vásquez es columnista del periódico colombiano El Espectador, y
ganó el Premio de Periodismo Simón Bolívar con El arte de la distorsión,
ensayo incluido en el libro del mismo título. También es autor de una breve
biografía de Joseph Conrad, El hombre de ninguna parte (2007). Sus libros
están traducidos a catorce lenguas.

El ruido de las cosas al caer se inicia con la exótica fuga y posterior
caza de un hipopótamo, último vestigio del imposible zoológico con el que
Pablo Escobar exhibía su poder. Ésta es la chispa que arranca los
mecanismos de la memoria de Antonio Yammara, protagonista y narrador de El
ruido de las cosas al caer, un negro balance de una época de terror y
violencia, en una Bogotá descrita como un territorio literario lleno de
significaciones.

En 1995, Antonio conoce al intrigante Ricardo Laverde, quien ha pasado
veinte años en la cárcel. Laverde, de quien se sabe que fue piloto, forma
parte de la parroquia de unos billares donde Yammara, joven profesor
universitario de derecho, consume el ocio de su última juventud. Entre los
dos se fraguará una estrecha amistad, y Antonio, que pasa por la vida
desdibujado por la duda, creerá ver en la experiencia torturada de su amigo
un aviso.

Desde su primera edición, en 1998, han presidido el Premio Alfaguara Carlos
Fuentes, Eduardo Mendoza, Alfredo Bryce Echenique, Antonio Muñoz Molina,
Jorge Semprún, Luis Mateo Díez, José Saramago, José Manuel Caballero
Bonald, Ángeles Mastretta, Mario Vargas Llosa, Sergio Ramírez, Luis
Goytisolo y Manuel Vicent.

El galardón está dotado con 175.000 dólares y una escultura de Martín
Chirino. Hasta el momento ha sido obtenido por Caracol Beach de Eliseo
Alberto y Margarita, está linda la mar de Sergio Ramírez (ambos ganadores
de la primera edición), Son de Mar de Manuel Vicent, Últimas noticias del
paraíso de Clara Sánchez, La piel del cielo de Elena Poniatowska, El vuelo
de la reina de Tomás Eloy Martínez, Diablo Guardián de Xavier Velasco,
Delirio de Laura Restrepo, El turno del escriba de Graciela Montes y Ema
Wolf, Abril rojo de Santiago Roncagliolo, Mira si yo te querré de Luis
Leante, Chiquita de Antonio Orlando Rodríguez, El viajero del siglo de
Andrés Neuman y El arte de la resurrección de Hernán Rivera Letelier.

Todos ellos tuvieron una difusión intercontinental y presentaron sus obras
en casi todos los países de habla hispana a lo largo del año de promoción.
El éxito de sus obras se ha reflejado también en las traducciones
contratadas a otras lenguas y en el interés que ha mostrado el cine en
algunas de ellas, como la película Son de Mar, dirigida por Bigas Luna y
basada en la novela homónima de Manuel Vicent.

Fuente: Alfaguara



*** Conceden el Premio Stendhal de traducción a Anne Hélène Suárez

La Fundación Consuelo Berges, una institución creada por la traductora
Consuelo Berges (1899-1988), entregará el próximo martes 22 de marzo, en el
Instituto Francés de Madrid, el XXI Premio Stendhal, que este año ha
recaído sobre Anne Hélène Suárez (Barcelona, 1960) por haber vertido al
español la novela La tercera virgen (Siruela), de Fred Vargas.

El Premio Stendhal se entrega desde 1983 a una traducción del francés al
español publicada durante el año anterior.

Suárez es una de las traductoras más reputadas de España. Trabaja con
textos en chino, francés, inglés y ruso y es también profesora de lengua y
literatura china y traducción de chino en la Universidad Autónoma de
Barcelona. Es miembro, además, de la Asociación Colegial de Escritores de
Cataluña (Acec).

Autora de numerosas traducciones, sobre todo del chino clásico, pero
también del francés, el inglés y el ruso, Suárez ganó en 2003, con la
traducción de Historia del pensamiento, de Anne Cheng, el prestigioso
Premio Ángel Crespo, que convocan el Centro Español de Derechos
Reprográficos (Cedro), la Asociación Colegial de Escritores de Catalunya
(ACEC) y el Gremi d’Editors de Catalunya.

Entre sus traducciones se deben destacar Lunyu: reflexiones y enseñanzas,
de Confucio; Cincuenta poemas, de Li Bo; Recordando el pasado en el
Acantilado rojo y otros poemas, de Su Dongpo (en colaboración con Ramon
Dachs); 99 cuartetos, de Wang Wei y su círculo; 11 cuartetos, de Bai Juyi,
y Cuatro lecciones sobre Zhuangzi, de Jean Fraçois Billeter. Por otro lado,
también ha traducido una gran cantidad de películas chinas.

Fuentes: Acec • El Mundo



*** Presentan reedición de El libro de Esther, de Juan Carlos Méndez Guédez

La Editorial Lugar Común y ReLectura llevarán a cabo la presentación de la
novela El libro de Esther, del escritor venezolano Juan Carlos Méndez
Guédez, en un evento que, con el apoyo de Cultura Chacao, tendrá lugar este
sábado 26 de marzo a las 7 de la noche en el Centro Cultural Chacao de El
Rosal, a propósito de la visita a Venezuela del autor, quien reside en
España.

Este encuentro, con el cual la Editorial Lugar Común hace su debut en el
escenario literario venezolano, incluirá además un conversatorio con Méndez
Guédez, a cargo de Willy McKey y Luis Yslas, parte del equipo editor.

Nacido en Barquisimeto en 1967, Méndez Guédez posee una importante obra
narrativa. Entre los títulos que forman parte de su obra figuran las
novelas Tal vez la lluvia (dvd, 2009; Premio Internacional Ciudad de
Barbastro), Una tarde con campanas (Alianza, 2003), Árbol de luna (Lengua
de Trapo, 2000) y Retrato de Abel con isla volcánica al fondo (Troya,
1997).

Asimismo, ha publicado libros de cuentos como Hasta luego, míster Salinger
(Páginas de Espuma, 2007), Tan nítido en el recuerdo (Lengua de Trapo,
2001), La ciudad de arena (Calembé, 1999) e Historias del edificio
(Guaraira Repano, 1994), entre otras muchas obras.

Su novela El libro de Esther, reeditada este año por la Editorial Lugar
Común, resultó finalista del XII Premio Internacional de Novela Rómulo
Gallegos, y narra la historia de Eleazar, un periodista venezolano que
parte a las Canarias persiguiendo el recuerdo de Esther, su amor
adolescente.

El Centro Cultural Chacao está ubicado en la avenida Tamanaco de El Rosal.
La entrada es libre.



*** Héctor Torres reúne diez cuentos en El regalo de Pandora

Este sábado 26 de marzo a las 3 de la tarde será presentado en la Librería
Kalathos, en Caracas, el libro de cuentos El regalo de Pandora, que reúne
una decena de cuentos del escritor venezolano Héctor Torres
(http://www.letralia.com/firmas/torreshector.htm). Las palabras de
presentación estarán a cargo de la escritora Krina Ber (Polonia, 1948).

Al menos la mitad de los cuentos incluidos en El regalo de Pandora ya han
sido publicados en otros libros del autor o en revistas digitales, aunque
Torres los ha corregido de manera de ofrecer nuevas versiones en esta
edición, que, con portada de Paz Capielo, hace parte de la colección “N”
del sello Ficción Breve Libros.

“Perversas, dulces, locas, imprescindibles: así son las mujeres
representadas en estos diez cuentos de Héctor Torres”, afirma el crítico
Carlos Sandoval en la contratapa del libro. “Aun cuando los personajes
masculinos ocupen algunas de las tramas o que las historias indaguen otros
asuntos (la violencia, el sexo, la ciudad), El regalo de Pandora, como en
el mito griego, es una nueva puesta en escena de viejos castigos contra el
hombre: la tortura constante y divina que la mujer ejerce en su condición
de dueña del mundo”.

Nacido en Caracas en 1968, Héctor Torres es editor del portal Ficción Breve
Venezolana (http://www.ficcionbreve.org). Ha publicado el libro de cuentos
El amor en tres platos (Equinoccio, 2007) y la novela La huella del bisonte
(Norma, 2008), finalista de la Bienal Adriano González León 2006.

Coordinó, junto a Ana Teresa Torres, la Semana de la Nueva Narrativa
Urbana, y actualmente es coordinador del Premio de Cuento Policlínica
Metropolitana para Jóvenes Autores y del Premio de la Crítica a la Novela
del Año, este último junto a Lennis Rojas. Además, es colaborador regular
de Prodavinci.com, del blog Sacven Creativa y del Porta(l)Voz.

La Librería Kalathos está ubicada en el galpón G11 del Centro de Arte Los
Galpones, en la avenida Ávila con 8ª Transversal de Los Chorros, en
Caracas. La entrada es libre.



*** Círculo de Escritores de Venezuela inicia programa 2011

Este mes se inician las actividades del Círculo de Escritores de Venezuela
(CEV, http://www.circulodescritoresvenezuela.org) para el año 2011 con la
charla “El compromiso del escritor”, que dictará el ensayista y médico
venezolano Ildemaro Torres (Cumaná, 1936) el próximo domingo 27 de marzo a
las 11 de la mañana en la Sala Cabrujas del Centro Cultural Chacao, ubicado
entre las avenidas Francisco de Miranda y 3ª de Los Palos Grandes, en
Caracas.

Doctor en filosofía por la Universidad de Birmingham (Inglaterra), y además
del ejercicio de su profesión en lo asistencial y como docente e
investigador universitario, Torres ha sido coordinador general de la
Facultad de Medicina y director de Cultura de la Universidad Central de
Venezuela (UCV), así como miembro principal del Consejo Directivo de la
Fundación Celarg y presidente de la Fundación Cinemateca Nacional y del
Fondo de Fomento Cinematográfico, Foncine. En 1985 coordinó la edición
aniversaria Tierra de Gracia, del diario venezolano El Nacional, del que es
actualmente columnista regular.

Como ensayista ha publicado Chile, de Allende a la Junta Militar (1974) y
Ernesto Cardenal en Solentiname (1981), pero donde se ha enfocado con mayor
ahínco es en la historiografía del humorismo venezolano, con obras como
Zapata (1979), El humorismo gráfico en Venezuela (1982), Aquiles Nazoa,
inventor de mariposas (1998), Abilio, maestro no sólo del dibujo (2000),
Historia del humor gráfico en Venezuela (2003), el tercer tomo de la
Historia del humor gráfico iberoamericano —invitado por la Universidad de
Alcalá de Henares y la Editorial Milenio (España)—, sendas biografías de
Aquiles Nazoa y Morella Muñoz en la Colección Biblioteca Biográfica
Venezolana y La magia del buen decir, antología de conferencias de Aquiles
Nazoa (2010).

El jueves 31 de marzo, y en el marco de las celebraciones del Día
Internacional de la Poesía, el CEV realizará una lectura de poemas en la
Librería Alejandría I, ubicada en el Centro Comercial Las Mercedes. La
actividad, que es de entrada libre, se iniciará a las 6 de la tarde. Cada
uno de los autores invitados leerá un poema de su creación.

En esta lectura participarán los poetas Hildegart Acosta, Anabelle Aguilar,
Edda Armas (http://www.letralia.com/firmas/armasedda.htm), Belkys
Arredondo, Enrique Bravo, Orlando Campos, Mariela Casal, Ligia Colmenares,
Eunice Escalona, Eddy Godoy, Jorge Gómez Jiménez
(http://www.letralia.com/firmas/gomezjimenezjorge.htm), Isabel Cecilia
González, Astrid Lander, Luis Alberto Machado, Adelis Marquina, Inés Muñoz
Aguirre (http://www.letralia.com/firmas/munozaguirreines.htm), Linsabel
Noguera, Flavia Pesci Feltri, Lidia Salas, Nadia Salas, Magaly Salazar
Sanabria (http://www.letralia.com/firmas/salazarsanabriamagaly.htm), Silene
Sanabria, Helena Sassone, Ana María Velázquez, Edgar Vidaurre, Frank
Ziccarelli y Carmen Cristina Wolf
(http://www.letralia.com/firmas/wolfcarmencristina.htm).

Para el mes próximo, y en el marco de la celebración del Día del Libro y
del Idioma, el CEV ha programado la charla “Los libros prohibidos”, que
dictará el domingo 17 de abril, a las 11 de la mañana, el psicólogo,
docente y escritor Jon Aizpúrua. Profesor en la UCV, los títulos más
recientes de Aizpúrua son El ocaso de la esperanza: Del socialismo utópico
a la perestroika y Arquitectos de la libertad americana. Esta actividad
tendrá lugar en la Sala Cabrujas del Centro Cultural Chacao.

Fuente: CEV



*** El Canto general de Neruda es centro de una exposición en Chile

Una visión panorámica de la creación que el mismo Neruda definió como su
“libro más ferviente y más vasto” presenta la exposición “Canto general, el
gran poema de América”, organizada por la Fundación Pablo Neruda
(http://www.fundacionneruda.org) y la Biblioteca Nacional de Chile
(http://www.dibam.cl/biblioteca_nacional).

La exhibición —que estará abierta al público entre el 30 de marzo y el 30
de mayo en la Galería de Cristal de la Biblioteca Nacional— explica la
historia de este libro, las circunstancias biográficas de la vida de Neruda
en el período de más de diez años en que lo escribió, sus principales
contenidos, su visión del continente americano y su difusión en el mundo
entero. Asimismo muestra reproducciones de algunas de las pinturas y
grabados que lo han ilustrado, primeras ediciones de esta obra,
traducciones a diversas lenguas, originales de algunos de sus poemas y
otros documentos.

“Estamos cumpliendo un sueño que anhelábamos hace años con la Fundación
Neruda: dar forma a una exposición totalizadora, con actividades
complementarias y un diseño que involucre a nuestro histórico edificio,
incluidas sus escaleras”, cuenta Ana Tironi, directora de la Biblioteca
Nacional.

“El público podrá leer poemas impresos en los escalones de la biblioteca, y
en la Galería de Cristal, la artista Alejandra Lührs diseñó un juego
pictórico con los colores de los murales de Diego Rivera y David Alfaro
Siqueiros, ilustradores de la primera edición mexicana de este poemario, en
1950”, agrega Darío Oses, curador de la muestra y director de la biblioteca
de la Fundación Neruda.

Los primeros poemas datan de 1938, pero Neruda le pone punto final diez
años más tarde, en plena clandestinidad, huyendo del gobierno de Gabriel
González Videla. “Él conecta su historia de fugitivo con la historia
política hispanoamericana. En el cruce hacia San Martín de Los Andes lleva
su Canto general ya terminado, en las alforjas, camuflado en otro volumen,
Historias de risas y lágrimas. Es muy revelador que el original logra
traspasar la cordillera, al igual que el poeta, con una identidad falsa. En
la clandestinidad, Canto general adquiere una unidad abarcadora, su
síntesis”.

Publicado por primer vez en 1950, Canto general se ha convertido en un
clásico de la poesía universal. Es un viaje poético por más de 500 años de
la prehistoria, la historia y la cultura de América. Recorre también la
geografía y explora la naturaleza del continente, reseña sus movimientos
políticos y sociales, e incluye un gran canto al mar. En este libro se
encuentra, además, la primera recapitulación poético-autobiográfica de
Neruda.

La obra tiene 15 secciones, con cerca de 330 poemas y más de 15 mil versos.
Se ha traducido a los principales idiomas del mundo, grandes artistas lo
han ilustrado e importantes compositores han musicalizado algunas de sus
partes.

El propósito principal de esta exposición es que el público se acerque a
esta obra y disfrute de su lectura, para eso se instalarán en el frontis de
la Biblioteca Nacional grandes lienzos con versos del libro. Paralelamente
a la muestra, se desarrollará un programa cultural en torno a Canto
general, que incluye recitales poéticos, lecturas y conferencias de
especialistas.

Una lectura poética (6 de abril) y un coloquio (18 de mayo) sobre aspectos
no literarios de la obra forman parte de este programa. En la primera
actividad, poetas como Raúl Zurita
(http://www.letralia.com/firmas/zuritaraul.htm), Manuel Silva Acevedo,
Andrés Morales y Juan Cameron compartirán sus experiencias en torno al
Canto general y leerán extractos nerudianos. A la segunda se sumaron los
profesores Grinor Rojo, Rafael Otano, Maximiliano Salinas y Juan Grez. La
entrada a estas actividades es gratuita.

Fuentes: Biblioteca Nacional de Chile • El Mercurio



*** Lectura en voz alta, de Arreola, será leído en voz alta en Guadalajara

“Las páginas aquí reunidas me enseñaron a amar la literatura”, escribió
Juan José Arreola (1918-2001) sobre el libro Lectura en voz alta, cuyos
textos recopiló él mismo, y que con 3.813 votos resultó ganador de la
votación pública para elegir el material que será leído el próximo 12 de
abril en Guadalajara (Jalisco, México). Con este volumen, que reúne obras
de diversos autores, la jornada “Diez años confabulados con la lectura”
recordará al escritor jalisciense a un decenio de su muerte y celebrará la
décima edición del Día Mundial del Libro en Jalisco.

La votación comenzó el pasado jueves 3 de marzo, en la página web de la FIL
Guadalajara (http://www.fil.com.mx), y concluyó al mediodía del domingo 13
de marzo. Con la intención de rendir un homenaje a Juan José Arreola se
propusieron tres libros que ofrecen tres facetas del escritor nacido en
Zapotlán el Grande: la del autor, con La feria, que obtuvo 2.727 votos; la
vital, con Memoria y olvido. Vida de Juan José Arreola (1.166 votos), y la
del lector, con Lectura en voz alta (3.813 votos).

El maratón “Diez años confabulados con la lectura” se realizará el martes
12 de abril en la Rambla Cataluña (Juárez y Escorza, a un costado de la
rectoría de la Universidad de Guadalajara), de 10 a 21 horas, así como en
más de ochenta municipios de Jalisco. También se sumarán, con lecturas
espejo, la Universidad del Claustro de Sor Juana desde Ciudad de México; la
Universidad del Valle de México (UVM) en sus campus de Aguascalientes y
Querétaro; el Instituto Cultural de Tijuana; el Canal 13 de Ciudad Mante,
en Tamaulipas, y la Hemeroteca Pública Juan Troncoso, de Puebla.

Los interesados en participar como lectores en Guadalajara podrán
inscribirse en el número telefónico 01 (33) 3810-0331, extensión 932, con
Lourdes Rodríguez, o mediante el sitio en Internet de la FIL
(http://www.fil.com.mx). Cada uno de los inscritos tendrá un espacio para
leer y recibirá como regalo un libro, un pin exclusivo de la FIL
Guadalajara, y una rosa cortesía del Centro Universitario de Ciencias
Biológicas y Agropecuarias de la Universidad de Guadalajara.

Sobre las páginas que integran el volumen Lectura en voz alta, Juan José
Arreola escribió que las leyó “por primera vez entre los ocho y los doce
años de edad, y aún me siguen enseñando a ser hombre y me enriquecen con
los dones de una lengua que ha desarrollado mi espíritu. En este libro sólo
debe oírse una melodía: la de la lengua castellana, por obra y gracia de
autores originales o de traducciones anónimas y devotas”.

En la Rambla Cataluña, sede del maratón de lectura, se montará también un
espacio para venta de libros, con la participación de editoriales y
librerías locales. Estarán presentes la Dirección de Publicaciones de la
Secretaría de Cultura de Jalisco y las editoriales Arlequín, Santillana, El
Viaje, Universitaria, Mantis y Petra, además de las librerías de Cristal,
Educal (Conaculta), Siglo XXI, El Sótano, Gandhi, Ítaca, Jardín de
Senderos, José Luis Martínez del Fondo de Cultura Económica, Porrúa,
Universitaria y Gonvill, y las revistas Luvina y Reverso.

Fuente: FIL



*** Venezuela lleva propuesta de tres artistas a la Bienal de Venecia

Espacios se titula la propuesta que presentarán los artistas venezolanos
Francisco Bassim, Yoshi y Clemencia Labin en la edición 54 de la Exposición
Internacional de Arte, Illuminazioni, Bienal de Venecia, a celebrarse entre
el 4 de junio y el 27 de noviembre de 2011, en Italia.

Articulada en torno a tres propuestas artísticas contemporáneas; dos de
carácter individual y una de carácter colectivo, Espacios nace de la idea
de estudiar y analizar tres posibilidades plásticas de interacción entre la
obra de arte, el espectador y el contenedor, es decir, tres lecturas que
signan la condición fundamental de las artes visuales.

Con el apoyo del Ministerio del Poder Popular para la Cultura y la embajada
de Venezuela en Italia, con Javier Cerisola como comisario y bajo la
curaduría de Luis Hurtado, esta muestra pretende establecer una
correspondencia específica con el lugar expositivo: el pabellón diseñado
para Venezuela por Carlo Scarpa, en 1954, en la Bienal de Venecia; un
edificio que plantea tres salas relacionadas de manera que mantienen entre
sí relativa autonomía.

Gran Interior, de Francisco Bassim, es la primera de las dos propuestas
artísticas de carácter individual que se darán cita en el pabellón
venezolano, y ocupará la Sala Mayor. Una obra eminentemente pictórica y
envolvente, en el sentido más literal de estos términos, que remite de modo
directo a polémicos bordes conceptuales entre lo artístico y lo decorativo.

Solaris de Yoshi (instalación Sala Menor), trabaja la recepción de la luz y
su potencial plástico desde el papel blanco plegado a mano. Una propuesta
que devela, tras la influencia del arte oriental, el legado de los maestros
del constructivismo venezolano.

La Velada Santa Lucía (video Sala Externa), es un proyecto colectivo creado
y organizado anualmente en la ciudad de Maracaibo por Clemencia Labin, en
el cual el arte contemporáneo se cristaliza en pretexto para la apropiación
de la calle. La Velada Santa Lucía invita al reconocimiento sociocultural
de una comunidad que abre su intimidad a un grupo de artistas locales,
nacionales y extranjeros, para lograr así una suerte de gran ensamblaje
arte-cotidianidad.

Francisco Bassim, Yoshi y Clemencia Labin, en el devenir de su carrera
artística cuentan con varias exposiciones tanto individuales como
colectivas foránea y nacionalmente. Yoshi, artista tachirense, ha
desarrollado su labor creadora en Venezuela. En el caso específico de
Bassim ha mostrado su talento en escenarios expositivos en Venezuela,
Italia, Colombia, Estados Unidos, Finlandia, Japón y México. Por su parte,
Labin ha expuesto en Estados Unidos, Venezuela y Alemania, siendo estos dos
últimos países lugar de trabajo y residencia.

Fuente: Iartes



*** Investigadores literarios hablarán en Mérida sobre anormalidad

Hasta el próximo 1 de mayo está abierto el plazo para enviar propuestas al
Encuentro de Investigadores de Literatura Venezolana y Latinoamericana,
evento que en su décima edición se enfocará en las nociones de la
anormalidad como parte de la realidad literaria e histórica de América
Latina, y que se celebrará en la ciudad venezolana de Mérida del 29 de
junio al 1 de julio.

La actividad es organizada por la Facultad de Humanidades y Educación de la
Universidad de Los Andes (ULA) a través del Instituto de Investigaciones
Literarias “Gonzalo Picón Febres”
(http://vereda.saber.ula.ve/sitioinstituto) y de su Maestría en Literatura
Iberoamericana, según se informa en un comunicado.

La relación entre el anormal y el poder, o el anormal y el deseo, será el
punto de partida de este encuentro, en el que se analizará la construcción
de lo anormal como efecto y resultado del distanciamiento de una norma
política, jurídica, médica o familiar, que establece si dicha conducta debe
o no ser sometida a procedimientos de corrección y control.

“Cada época tiene sus propios monstruos y sus propios anormales”, indica el
comunicado. “En cada momento histórico la anomalía responde a saberes e
imperativos distintos que son los que establecen los límites a partir de
los cuales un sujeto deviene peligroso y amenazante para la sociedad
porque, con su conducta o estado, interrumpe el sentido soberano
desestabilizándolo mediante su diferencia. Es en esta frontera que a la vez
abre y cierra el paso a lo que de humano es permitido o no, donde el sujeto
anormal tiene lugar y donde despliega su potencia perturbadora”. 

El objetivo de las jornadas es proponer una reflexión, sin ninguna
pretensión de clasificación o de categorización, sobre diferentes formas de
alteridad y anormalidad, desde las más estereotipadas por la sociedad y
cultura —las putas, los locos, las brujas, los monstruos, los asesinos, los
adictos, los criminales—, hasta las menos predecibles y precisas, en las
que lo anómalo encarna una potencia significante y políticamente
desestabilizadora capaz de producir saberes, cuerpos y lógicas “otras”.

Los interesados en participar deberán enviar, antes del 1 de mayo, la ficha
de inscripción personal y el resumen de su ponencia, a la dirección
electrónica alconber@gmail.com. El resumen constará de unas diez líneas o
doscientas palabras y en él deben aparecer el nombre y la dirección
electrónica del autor, el título del trabajo y tres palabras que lo
identifiquen.

El comité organizador informará mediante comunicación escrita a sus autores
cuáles son las ponencias aceptadas. El texto integral de la ponencia deberá
consignarse el día de su lectura, tanto en CD como en forma impresa. La
exposición de los trabajos no podrá exceder los veinte minutos y su
extensión en papel no deberá superar las doce páginas (unos veinte mil
caracteres).

Fuente: IILGPF



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=== La solterona, un arquetipo complicado que todos reconocen =============
=== Rosol Botello =========================================================

                                               A Mayra Molina, por su ayuda

Ninguna mujer quiere convertirse en una solterona, y los hombres tampoco.
Ser solterona o solterón es el coco, el de la niñez y el de la adultez; por
eso será que conseguir pareja se vuelve una búsqueda incesante, una vacuna
para este mal. Sabemos que quedar soltero es mal visto. Si es mujer nadie
la quiso como esposa y si es hombre, levanta aun más sospechas, porque es
el que propone. Personas casadas también pueden poseer las características
psíquicas de este personaje o arquetipo. En este ensayo siempre será la
solterona la protagonista. Claro que no todas las solteronas tienen los
problemas que se enumeran a continuación.

La solterona es un arquetipo complicado porque tiene una mezcla de muchos
arquetipos, de enfermedades o cualidades psíquicas. Para empezar se les
califica de narcisistas; personas que están pendientes de sí mismas y no
les importa los demás. Por ejemplo, si hablas con un narcisista, nunca hay
diálogo, porque sólo hablan ellos y de ellos mismos, lo que hacen o
hicieron, y no tienen interés en su interlocutor. Se siente la aplanadora.
Esto pasa cuando es alguien que consideran inferior; si están con personas
que son de nivel social y económico superior a ellos, pueden mostrarse
amables y su conversación siempre va a ser de los demás: son unos aburridos
chismosos sociales. Ninguna persona se va a sentir bien al lado de este
personaje porque es la anulación de sí mismo. Hay un rasgo en esta
personalidad de particular importancia, es el egoísmo; para ellos todo
tiene que funcionar para su ventaja o provecho, autocomplacencia; los demás
existen en el sentido de que les den adulación, admiración o les sirvan de
alguna manera. Se relacionan según la ventaja social que puedan tener
tratando a esa persona. Y por supuesto, ante este ego inflado, ningún
pretendiente por debajo o de igual nivel social, profesional, intelectual o
económico, será el adecuado. Así que esperan una pareja acorde a sus sueños
de grandeza. Como los demás están en función de su beneficio, relacionarse
verdaderamente con el otro es un imposible.

Algunas terminan casándose con hombres de menor posición que ellas, y que
resulta una relación de conveniencia de las ventajas calculadas que tendrá
ese unión, cuando sus opciones son escasas o no las hay. Este matrimonio le
sale bien a las que eligen un candidato adecuado, con un buen trabajo por
ejemplo, pero no a las que se dejan llevar por pretendientes que son en
apariencia un buen partido, podrían tener un buen trabajo, pero hay en
ellos otras intenciones o serios problemas de personalidad, y resultan
engañadas.

La solterona responde al arquetipo de la “reina de hielo”, de la analista
junguiana Linda Leonard, en su libro La locura femenina: “Una mujer
imperiosa, hambrienta de poder que, a menudo, tiene un sentimiento de
inferioridad escondido”, nos dice. Es una mujer fría, que no habla de
sentimientos, sino de racionalidad. Critica y no puede amar, responde de
una manera fría a los sentimientos de los demás, es controladora y
ambiciosa, manipuladora, interesada en lo material. Tiene una cualidad
virginal, es impenetrable e insensible a los sentimientos. Es sexualmente
frígida, no puede tener orgasmos porque no se entrega y tiene problemas con
el placer. Para el placer hay que abandonarse y dejarse poseer por el otro
o por lo otro. Es una persona que evita el contacto con sus sentimientos,
es por eso su comportamiento frío. La reina de hielo se identifica con el
sistema patriarcal y son unas machistas. Lo hace por su ambición de poder e
imita a los hombres en su famoso lado negativo, el oportunismo, tan
frecuente en nuestra especie. La reina de hielo es poseída por sus
sentimientos congelados y puede explotar en violencia ante una situación
que no le guste. Es violenta en la ira. Cuando es madre es un militar,
constantemente criticando a su hija; si son hijos los daña, los mutila.

Todos los problemas emocionales se forman en la infancia, bajo los influjos
o los tratos que nos han dado nuestros padres. Las huellas de la niñez son
el camino emocional que siempre estaremos andando o desbaratando si no es
el adecuado. El camino del éxito y el dinero no nos sirven por sí solos. Si
no podemos amar y que nos amen, seremos personas frías y estaremos matando
una parte importante del ser humano, de nosotros mismos, como es la
emoción, la relación con los demás y con uno mismo en esos términos,
volviéndonos unos robots, si no la hay.

La solterona sí tiene un compromiso consigo misma, hace un trabajo, pelea
el espacio físico o psíquico. Ella es virginal en el sentido de que es
impenetrable, no hay intimidad con el otro, no hay entrega. Rechaza lo
masculino, es autosuficiente, se auto contiene, la relación es consigo
misma. Tiene estructuras rígidas inquebrantables, no espera por nadie.
Tiene un orgullo rígido, no se vincula, rechaza las relaciones de amor (no
todas, porque puede ser buena hija). Su relación con lo masculino es: yo
tengo el falo. Es un estado de inflación humana que todos los dioses
castigan, porque es creerse Dios uno. En el estado de inflación de la
solterona está ser arrogante, superior a los demás, fantasías divinas,
creerse de inteligencia superdotada. Ellas brillan, sacan provecho de los
demás, son indiferentes y racionalizan. Tienen sentimientos de grandeza
(omnipotencia) que encubren su invalidez como elemento compensatorio. No
hay conexión, no hay otro, no se pueden revisar. Están defendiendo lo
virginal, lo que no está contaminado. Descalifican, no hay sentimiento,
crítica. Lo virginal se contiene a sí mismo, el mundo no le da la
referencia. El otro no le da la referencia, se agota en sí misma. Sin eros
no hay contacto; sin emoción no hay contacto. Están petrificadas, todas
frías. No hay proceso, no hay tensión de opuestos. Están pegadas al estado
virginal, al autoritarismo, no hay conexión. La referencia de lo femenino
está en sí mismas.

El doctor Heinz Kohut, en su libro Análisis del self, el tratamiento
psicoanalítico de los trastornos narcisistas de la personalidad (Amorrortu
Editores, Buenos Aires, 1996), nos dice: “Este síndrome, que por su
frecuencia parece ser una de las principales expresiones del desequilibrio
psicológico del hombre actual”. Él nos enumera algunos de los síntomas que
se encuentran en esta sicopatología narcisista. Cito: “1) en la esfera
sexual: fantasías perversas, pérdida de interés en el sexo; 2) en la esfera
social: inhibiciones en el trabajo, incapacidad para formar y conservar
relaciones significativas, actividades delictivas; 3) en sus rasgos de
personalidad manifiesta: pérdida de humor, pérdida de empatía respecto de
las necesidades y sentimientos de los demás, pérdida del sentido de la
proporción, tendencias a los ataques de ira incontrolada, mentira
patológica, y 4) en la esfera psicológica: preocupaciones hipocondríacas
sobre la salud física y psíquica, perturbaciones vegetativas en diversas
áreas orgánicas” (página 35). Para él son personas analizables y curables.

La cualidad más llamativa o reconocida en la solterona o el solterón es su
amargura. Es proverbial, muy notoria y conocida. Pareciera que se quedaron
esperando algo que no pasó, que no vivieron lo que quisieron, encerrados en
sí mismos. Hay una historia que conozco de una mujer sola que frecuentaba
una cafetería muy concurrida. Ella había notado a un señor mayor que le
llamó la atención. Él, por lo general, estaba solo, a veces saludaba a
algunas personas. Un día la cafetería estaba llena y esta señora, llevando
su bandeja, le preguntó si podía sentarse en su mesa. Enseguida, él gritó
de mala manera que esperaba a alguien, y luego, como arrepentido de su
reacción, le dijo que se podía sentar. La señora piensa que lo primero es
lo que vale, y vio en la cara del hombre su inmensa soledad y su amargura.
Buscó otra mesa con dos señoras que no tuvieron problema en aceptarla.
Ella, de vez en cuando, chequeaba al señor a ver si llegaba alguien. Nadie
llegó. Él se llevó algo ese día que podría revisar, si pudiera, si
quisiera. Ya sabemos lo difícil que es para el ser humano cambiar, sobre
todo si es un adulto.

Otra característica de la solterona es que lo masculino la posee, cuando se
manifiesta en ella un afán de opinar o una necesidad interminable de hablar
(habladoras compulsivas), de creer que lo saben todo, un discurso que no
acaba; tienen que contradecir, a todo lo que le digas te van a decir que
no, que no es así. Este comportamiento social es pesado. El diálogo no
existe para ellas. Por su masculinidad, sólo se relacionan con este tipo de
mujeres, hombres débiles que les atrae lo masculino en ellas, porque a
ellos les falta. Son hombres cómodos también, si estas mujeres pueden
producir, ellos se recuestan y no tienen que ser los proveedores, papel
tradicional y fundamental de lo masculino. En la sociedad venezolana abunda
la mujer machista. Ellas son las marimachos, proveedoras, sin hombres, o
con hombres infantiles e irresponsables. Ellas, a su vez, como madres,
hacen de los hijos unos hombres inadecuados, y a las hijas les roban la
feminidad, quienes tienen que buscarla afuera, no en la madre. Venezuela es
una sociedad sin padres, la figura masculina está ausente, por eso tenemos
tanta violencia y crimen. Este tipo de mujer tiene las siguientes
características: está sola, amargada, se cree perseguida, resentida, la
mamá no la quiso, o la quiso varón, el padre no la quiso o la quiso varón,
incapacidad de relacionarse e intolerante. Compiten con el hombre y sólo
pueden tener a su lado a uno inferior a ella, para recordarle su
incapacidad. Los hombres de verdad les tienen pavor a este tipo de mujeres.
Los hombres temen a las solteronas.

La amargura de la solterona, o el solterón, viene del otro, porque el otro
no la refleja. No encuentra a su otro. La amargura viene por el amor
frustrado, hay algo que ella no encontró: por el ideal frustrado, la
fantasía frustrada. Su amargura es consecuencia de su frustración. En el
solterón hay rechazo, es él el rechazado; aunque rechace, fue él el primero
en ser rechazado.

Se considera que uno le da vida al mito, porque uno hace propio el
arquetipo. Para Jung todo está simbolizado. La solterona puede estar dentro
de la arpía mitológica. Las arpías son unos seres mitad mujer, mitad aves,
asociadas a los vientos tempestuosos, raptoras de alma y niños. Eran
enviadas a acosar a los hombres. Las arpías nuestras son las chismosas, las
intrigantes; son vampiros, son antiguas, están en el escenario social.
Viven de la apariencia y pueden ver a los demás.

Hay dos diosas virginales que nos dan dos sentidos de lo femenino: Atenea,
que se identifica con el padre y descalifica a la madre. Ella se identifica
con lo femenino, pero no con la madre. Atenea es masculina. La otra es
Artemisa, rechaza lo masculino, es autosuficiente, la madre no tiene
ninguna importancia. Vale lo femenino como colectivo. Las solteronas de
este tipo no son amargadas, andan en lo suyo, ocupadas. El concepto de
solterona no aplica en las diosas.

Lo virginal es lo más rígido, no permeable, no flexible. Atenea es rígida
por lo virginal. Hefesto, otro dios griego, es lo emocional, el gran
rechazado. Era cojo, como un enano. Él no pensaba que era digno, por su
apariencia y por su historia personal: un problema entre sus padres y él
pagó las consecuencias. Él escoge a Atenea para casarse y ella lo rechaza
de plano. Luego él se casa con Afrodita, que le es infiel. Él la castiga
haciéndolo público y blanco de la burla de los dioses hombres, las mujeres
no fueron al espectáculo de los amantes cogidos en falta.

Hefesto tiene un nacimiento infeliz. Un mal nacido que viene del secreto.
Fue rescatado por dos diosas marinas en su caída. Hay dos versiones de su
caída. En una, su madre Hera lo lanza; en otra, es su padre Zeus el que lo
hace. Hefesto, que es dios del fuego subterráneo, un fino orfebre y
herrero, es vengativo, y a través de su oficio realiza sus venganzas.
Traigo a este dios para poder relacionarlo con los solterones en ese origen
del mal. Hefesto fue rechazado por su padre, o por su madre, o por los dos.
Y luego, a consecuencia de su fealdad, muchas solteronas sufren de este mal
también, es rechazado cuando pretende. Sabemos que las personas feas o con
defectos físicos o psíquicos, tienen más dificultad en conseguir pareja. La
gente quiere a su lado a una persona sin problemas evidentes.

Teresa de la Parra, respetada y primera novelista venezolana, hija de
venezolanos, es una Artemisa, solterona, nunca se casó. Hizo periodismo,
dio conferencias en la América Latina sobre la importancia de la mujer en
lo social, murió al lado de su madre y de su mejor amiga, fue bella y
cortejada. Nunca le dijo que sí a un pretendiente que insistió. Nunca se
opuso a la dictadura gomecista. Era mal vista en Venezuela y su trabajo
también, porque era una mujer que manejaba, viajaba sola, fumaba. Sus
novelas las publicó en Europa, con éxito. La primera fue premiada en París.
Esta primera novela, la más importante, es la historia de un amor
frustrado. Recordamos que el amor frustrado es el punto álgido de la
amargura de una solterona. No escribiré sobre Teresa de la Parra y su obra,
porque está ampliamente estudiada. Muchos escritores importantes
venezolanos e investigadores le han dedicado su atención.

Sí voy a mencionar a la primera poetisa o poeta venezolana, Enriqueta
Arvelo Larriva, en algunos de sus poemas, porque es lo contrario de Teresa
de la Parra. Teresa es una mujer cosmopolita y con ingresos propios;
Enriqueta es de provincia y de una buena familia venida a menos, trabajó.
Teresa era bella; Enriqueta, fea. Pero las dos fueron solteronas e hicieron
su obra literaria. Los poetas siempre son más abandonados. Recuerdo a un
narrador venezolano que me dijo que la poesía es para después de muertos.
Enriqueta nos habla desde la solterona, y lo hace muy bien.

Enriqueta (1886-1961) nos habla de la infelicidad, o la falta de dicha,
propia de las solteronas, en el poema “Sería la advenediza”, nos dice,
“Señor, no me des ya la dicha. / No sabría manejarla / y con ella iría
cohibida / como una nueva rica”. Ante una emoción desconocida (la dicha)
habría un comportamiento inadecuado. Se nota que la comparación es de otra
época, ya los nuevos ricos en Venezuela no son cohibidos, todo lo
contrario. En este poema rechaza la dicha que representaría el amor y la
compara con el dinero. Es la vieja moral. Y termina: “No me hagas nueva
rica de la ventura. / Sería la advenediza sin elegancia. / Ya no sé
aprender nada / y no quiero perder / mi gracia y aplomo de desheredada”. Es
la persona que se repliega a vivir emociones nuevas como la dicha, el amor
y la fortuna, a la que ve mal también.

En el siguiente poema nos habla la virginal, la ventaja de no ser tocada ni
penetrada, la fortuna de haber sido rechazada, para estar limpia, sin
mancha. El poema se llama “Emoción y ventaja de la probada profundidad”:
“Gracias a los que se fueron por la vereda oscura / moliendo las hojas
tostadas. / A los que me dijeron: espéranos bajo ese árbol. / Gracias a los
que se fueron a buscar fuego para sus cigarrillos / y me dejaron sola, /
enredada en los soles pequeños de una sombra olorosa. / Gracias a los que
se fueron a buscar agua para mi sed / y me dejaron ahí / bebiéndome el agua
esencial de un mundo estremecido. / Gracias a los que me dejaron oyendo un
canto enselvado / y viendo soñolienta los troncos bordados de lianas
marchitas. / Hoy voy indemne entre las gentes”. Indemne es un adjetivo que
significa libre de daño, a salvo. Escribo estos sinónimos para acentuar lo
virginal.

Toda la poesía de Enriqueta Arvelo Larriva está escrita desde la solterona;
en el poema anterior es ella la rechazada y se siente salvada con ello. En
este hermoso poema es ella la que rechaza al otro, “El río”: “El río está
tibio / como mi piel / y sabe bañarme el alma. / Juega conmigo a ahogar mi
hondura, / nervudo de culebras de sol. / No se parece el río / a aquellos
ojos quietos que no quise”. Pienso que hay erotismo y sexualidad en el
poema. Compara al hombre con el río, y le da ventaja al río, que juega a
poseerla, sobre el hombre, a quien menciona haciéndolo objeto pasivo,
“aquellos ojos quietos”.

El doctor Kohut nos dice que la personalidad narcisista se aprende de
padres narcisistas a su vez, que no responden a las necesidades de su hijo,
e idealizan a la imagen paterna o materna. Ella tiene un poema, “Casa de mi
infancia”, en el que la casa está completamente idealizada, “es ancha,
alta, pura”. Lo interesante es cómo termina después de casi seis estrofas
de grandeza: “Amaba a mi madre, / mas a veces ella era para mí / sólo una
palidez nimbada. / Mi padre, no. Mi padre fue siempre el hombre, verdadero,
/ fuerte, erguido, sin aureola”. Nimbo y aureola es lo mismo. Las dos
figuras paternas están en la grandeza, especialmente el padre. Para Kohut,
es la necesidad infantil de glorificarlos, propio de los narcisistas.

** Rosol Botello
   rosol_botello@yahoo.es
   Escritora venezolana (Quíbor, Lara, 1953). Reside en Caracas. Es
   licenciada en Letras y Magíster en Literatura Hispanoamericana. Ha
   publicado los poemarios Compás de espera (1995), Tablero (1998), Oráculo
   de lobo (2005) y Café, té y chocolate (2010).



=== Las crónicas de Lisbeth Salander      Dixon Acosta ====================

Stieg Larsson, el autor sueco desaparecido de manera temprana, tomó una
fórmula clásica imprimiéndole un giro innovador, hasta el punto de que
podría decirse que revitalizó el género negro en la literatura, dejando una
gran conclusión: todavía se puede ser original en el mundo.

Al concluir el tercer tomo de la serie Millenium, dejé su lectura con la
misma alegría que me acompañó a lo largo de más de dos mil páginas que
suman los tres libros, sin que haya tenido en ningún momento deseo de dejar
los voluminosos textos, no hubo cansancio ni pereza, por el contrario,
quedé con ganas de leer más al autor. Dicen que hay un manuscrito de un
cuarto libro, ojalá sea cierto y no una estrategia mercantilista de
herederos en disputa.

Existe una fórmula clásica para narrar con éxito una historia, desde el
primer capítulo del Génesis, esquema reproducido en libros y películas.
Consiste en tomar una pareja (Adán y Eva) y crear una serie de situaciones
que al final pueden resultar en el destierro del edén o la reinserción en
el paraíso. El modelo de don Quijote y Sancho Panza se reproduce en su fiel
réplica de Sherlock Holmes y el doctor Watson en aquellas narraciones
detectivescas. El protagonista es el alto y desgarbado, un genio de talento
extraordinario que roza con la locura, mientras el otro bajito, gordo,
bonachón, aporta el elemento humano, el polo a tierra del ingenioso
extrovertido, mientras ejerce de narrador.

Larsson retoma la pareja original, hombre y mujer, en una mezcla que a
primera vista resulta inverosímil, un periodista curtido y arriesgado
involucrado con una chica difícil en todos los sentidos, incluso difícil de
definir aunque físicamente menuda y aparentemente vulnerable, de pocas y
vulgares palabras. Sin embargo en este caso y eso es lo interesante, no es
el hombre el protagonista de las novelas, es ella, alguien que en la misma
historia los demás personajes han subestimado y maltratado (incluso puede
que algunos lectores caigan en la misma trampa), ignorando su potencial
mental y físico. Pero aparte de introducirnos en historias con misterios
por resolver, Larsson aprovecha para introducir al lector en varios campos
que dan para la reflexión política y la crítica social.

Por una parte está la relación de los medios de comunicación y las
presiones que deben soportar frente a otras esferas del poder, las empresas
poderosas, los políticos y altos funcionarios implicados en ocasiones en
conspiraciones en contra de la misma noción del Estado y los principios
democráticos, esto en el marco de una sociedad como la sueca que
aparentemente ha superado problemas que uno pensaría sólo se presentan en
colectividades algo primitivas como las latinoamericanas.

Sin embargo, gracias a las investigaciones implacables de la revista
Millenium y su grupo de periodistas comprometidos con la verdad, uno de los
descubrimientos importantes es que fenómenos como la corrupción política,
la segregación contra la mujer, incluida la violencia física y sexual, se
producen en países tan avanzados como los nórdicos.

El gran tema de la trilogía es la violencia contra la mujer. Aprovechando
el personaje rebelde de Lisbeth Salander, el autor realiza la denuncia de
la situación de las mujeres en su país, tanto de las ciudadanas suecas que
a pesar de su nivel de educación o preparación profesional, siguen
soportando situaciones de persecución social o laboral, profesionales que
no son valoradas y reciben menos remuneración que sus pares masculinos,
muchachas raptadas por hombres que abusan físicamente de ellas, así como
mujeres inmigrantes de otros países que son esclavizadas en redes de
prostitución de mafias internacionales.

En medio de toda esta trama, surge la figura de Lisbeth Salander, una joven
atrapada desde su niñez en una extraña conspiración de la cual no daremos
mayores detalles, para no entorpecer la lectura de aquellos que no han
concluido la aventura de los tres libros. Sólo podemos destacar que a pesar
de ser considerada por la mayoría de hombres como un personaje menor, esta
chica delgada, tatuada, de vestimenta estrafalaria, con dificultades para
comunicarse con los demás, especialmente con los hombres, conducta sexual
abierta e incomprensible para otros, emerge como una mujer capaz de
cualquier esfuerzo físico, con una mente dotada de un talento especial para
las matemáticas, los sistemas y la informática en general.

Salander, heroína de estas apasionantes crónicas (muchos dirán anti heroína
en un lugar común), desempeña una labor propia de esta época virtual, es
hacker y posee la capacidad para ingresar en casi cualquier computador o
sistema, ella y otros personajes que suelen permanecer en el anonimato han
creado su propio país virtual, la República de los Hackers, ciudadanos que
desde el silencio contribuyen con buscarle sentido al desorden mundial. El
autor nos presenta esta guerra silenciosa entre los mundos existentes, el
físico y el cibernético, con todas sus simplezas y complejidades.

Stieg Larsson y su trilogía, un best-seller que a pesar de serlo es de lo
mejor que se ha visto en la primera década del siglo, buena literatura que
seguramente marcará con sus personajes inolvidables, sus argumentos que
muestran los problemas globales y comunes (los temas de siempre como el
amor, la violencia y la lucha por el poder) combinados con las nuevas
tendencias y tecnologías. Al final, quién no quisiera tener la ética
responsable de Mikael Blomkvist, aparte de su irresponsable capacidad de
seducción, así como las infinitas capacidades de Lisbeth Salander, la
protagonista del amanecer del siglo XXI.

      P.D.: Un conocido me decía que de sólo ver los tres libros de
      Millenium le producía pereza su lectura pues se le antojaban tres
      grandes ladrillos. Debo decir que efectivamente son ladrillos, pero
      ladrillos leves y amables con los cuales se construyó una apasionante
      obra. Que el tamaño no intimide, pues es proporcional al gozo que
      retribuye al lector.

** Dixon Acosta
   dixonmoya@gmail.com
   Diplomático colombiano aficionado a la literatura. Fue cónsul de
   Colombia en Ciudad Guayana (Puerto Ordaz, Venezuela) y actualmente
   desempeña un cargo diplomático en Nicaragua. Ha publicado artículos en
   revistas de su país.



=== Jesús Enrique Guédez, la estrella, la resaca y el río =================
=== Alberto José Pérez ====================================================

De los hermanos Guédez Acevedo, Jesús Enrique, Oswaldo y Rafael (el guate)
son mis amigos; Oswaldito se marchó primero, casi parte desde mi casa, era
economista, culto, amigo de poetas y escritores; Jesús Enrique lo siguió;
el Guate vive todavía, casi no puede ya, pero vive, periodista.

Con ellos compartí muchas vivencias de la vida en el llano, nunca falló en
nuestras tertulias el recuerdo de lo que en un tiempo pasado nos maravilló
y nos sigue maravillando, como el río Apure y las lejanías del sol en la
sabana, por ejemplo, con Jesús Enrique tuve cercanía con el cine, lo
acompañé en el guión de Orlando Araujo, un corto que le ha dado la vuelta
al país y en la voz que narra lo que Orlando soñó. A su casa, en Santa
Clara, vine a vivir un día, mientras la mía se hacía habitable y yo me
reponía de una pesada derrota que no me dejaba levantar el pescuezo, tenía
plomo en la base del cuello, así que una tarde se apareció su hija Milena,
a la postre vecina de los dos, con la llave: “Mi papá que te mudes a la
casa de alto para que comiences a levantar los ojos, que la montaña te hará
bien”; esa era la orden y la cumplí y los efectos fueron dichosos.

Cuando era muchacho me comentó el poeta Guédez: “Para mí la Resaca de
Puerto Nutrias era un ‘aguasal’ inmenso, hasta que conocí el Apure y ahí sí
que la sorpresa fue grande, casi no podía caber en mis ojos aquella
gigantesca tabla de agua”. Yo conocí a Jesús Enrique Guédez hace muchos
años, la fecha no logro encontrarla, pero ese día, por su intermedio, que
lo acompañaban en la presentación de Tiempos de los paisajes, libro que yo
había comentado antes en la página literaria del diario El Impulso, de
Barquisimeto, también conocí a Manuel Caballero y a Rafael Cadenas; desde
entonces nos unió una buena amistad, él me leía los originales de mis
poemarios y yo sólo escuchaba su voz, lentísima, leyendo sus manuscritos
pues su caligrafía me era imposible descifrar; fui editor de dos de sus
libros de poesías: El gran poder, publicado con motivo de la celebración
del quinto o sexto coloquio de literatura “Orlando Araujo”, que en esa
oportunidad celebramos en su honor, y Cantos de O Gran Sol, en la colección
de las Ediciones de la Revista Icam.

El día cuando se nos perdió la estrella fue magnífica la noche, despiertos
casi diez horas esperando que apareciera la estrella y nada; la estrella de
la que hablo fue un disco luminoso gigantesco que sobre los pinos que están
frente a mi casa y a cuarenta metros de la de él, estuvo el tiempo
necesario como para que el poeta le diera libertad a la memoria, para
contarme fenómenos parecidos que él había leído en libros antiquísimos;
casi al final de la espera, hurgó en una caja, entonces fue posible que yo
conociera el pez más grande del mundo, bajo el encanto de la inventiva
fantástica de sir John de Mandeville, la estrella no volvió pero recuerdo
que el poeta estaba asustado porque había bebido de sus mismas negaciones.

Lo vi recién que lo operaron, cuando vino de nuevo a Santa Clara,
Barinitas, a ver un araguaney que había sembrado. Hablamos como siempre,
largo, y esta vez sin café ni güisqui, quise entregarle las llaves de su
casa, pues ya me había mudado a la mía y el plomo había desaparecido de la
base de mi cabeza. Rechazó las llaves diciéndome: “Pa qué, chico, esa casa
es tuya”. Ese fue el día en que vino a ver el araguaney y a caminar por
última vez el Callejón El Perico, donde solíamos buscar lo que no
recordábamos.

** Alberto José Pérez
   albertoperez802@hotmail.com
   Poeta, editor y comentarista literario venezolano (El Samán, Apure,
   1951). Ha obtenido reconocimientos por su obra poética entre los cuales
   vale mencionar el Premio Único de Poesía de la Bienal de Literatura de
   la Universidad Central de Venezuela (UCV, http://www.ucv.ve) por su
   libro Homenajes (1991), y el Premio de Poesía de la Universidad Nacional
   Experimental de los Llanos Ezequiel Zamora (Unellez,
   http://www.unellez.edu.ve), por el poemario El espejo y la memoria
   (1987). También ha publicado los poemarios Los gestos tardíos (1975), El
   libro de Barinía (1985), Marca (1984), Olor de amor (1995), Como si
   valiera un siglo (1996), Retrato de memoria del corazón de una mujer
   (1997), Un poeta como yo (2006) y la antología poética El poeta de quien
   les hablo (1999).



=== La poesía de José Ramón Mercado      Gloria Cepeda Vargas =============

El número 45 de Arquitrave, revista dirigida por el poeta Harold Alvarado
Tenorio, se abre con dos lacerantes poemas de José Ramón Mercado. No
conocía nada de la producción poética de este hombre nacido en la hacienda
La Estancia, antiguo municipio de El Corozal, el 19 de marzo de 1936.

Sólo dos poemas, dos gigantescos y conmovedores textos históricos, fueron
suficientes para entender que una palabra nueva, ajena al lirismo que con
distintos colores y sabores nos ha identificado a lo largo del tiempo,
irrumpe entre nosotros como un río desbordado.

Colombia es un país escindido entre los que saben y los que no saben o no
quieren saber. El poema titulado “La masacre de Chengue”, denuncia la
espeluznante carnicería infligida a los campesinos de la vereda Chengue por
el paramilitar Juancho Dique con la complicidad de un suboficial de la
Armada el 17 de enero de 2001: “Primero les amarraron las manos y les
taparon la boca / luego pusieron sus cabezas sobre el tronco / el tronco de
hachar los huesos en el matadero / y uno por uno los fueron despescuezando
/ Los muertos tenían el miedo en el rostro / los perros olían la sangre de
sus amos / y salían huyendo como animales apaleados / Ya viste una montaña
alta de muertos / todos los muertos se parecen a los muertos / tienen una
palidez de cadáver que los recorre en silencio / No hay llanto que a uno lo
cure ante sus muertos / las oraciones no alcanzaron para los muertos de
Chengue / La noticia dio la vuelta al mundo incrédulo / en menos de lo que
canta un gallo / sólo que en Chengue no volvieron a cantar los gallos”.  

Sé que estos versos corren el riesgo de herir los oídos de muchos. Aquí no
se pasea el amor con sus máscaras líricas. No es una poesía adolescente o
juvenil o madura o llena de esa luz pacífica que dora los cielos de la
vejez. Esto es otra cosa. El grito desgarrado de un monstruo que agoniza
entre el cinismo de un estado que no tuvo reato en arrimarle el hombro al
criminal y la indiferencia de una sociedad que se tapó los ojos.

Es apropiado el momento postelectoral que vivimos para evaluar lo que somos
e intentar remediarlo. El país urbano está totalmente desvinculado de esas
extensiones sin Dios ni ley donde el crimen cobró carta de nacionalidad. Es
extraño que siendo como somos un pueblo de vocación rural con un dirigente
de ancestro campesino. Una nación de patriarcas que se deslindan entre la
iglesia y el burdel. Una sociedad donde la mujer es objeto de vejámenes
consuetudinarios en nombre de un machismo aupado por la religión y el
poder, permita que el campo se diluya entre la sangre y las lágrimas de los
escasos colombianos auténticos que desaparecieron o sobreviven a la deriva.

Los poemas de José Ramón Mercado retratan con palabras salidas de las
tripas lo que sucedió alguna vez en un lugar lejano llamado campo
colombiano a unos hombres, mujeres y niños casi borrados hoy de la memoria
nacional: “Los vivos sólo recuerdan la sevicia con los muertos / los
colgaron como pavos en diciembre, dicen / les cercenaron los brazos, las
manos y los dedos / les cortaron los muslos, les trozaron las rodillas”.

** Gloria Cepeda Vargas
   gloriacepe@hotmail.com
   Escritora y periodista colombiana (Cali). Residió en Caracas (Venezuela)
   durante muchos años. Ha publicado los poemarios Bajo la estrella (1954),
   Poemas de los hijos (1960), Cantos de agua y viento (1996, ganador del
   Premio de Poesía Jorge Isaacs 1995, otorgado por la Gobernación del
   Valle del Cauca), Carta a Manuel (1996), Poemas del exilio (1999) y En
   Colombia y ahora (2003). Pertenece al Círculo de Escritores de
   Venezuela. La Cámara de Comercio de Popayán le concedió en 2006 el
   título de Personaje Cultural del Año.



=== Siete maneras de matar a un gato, de Matías Néspolo ===================
=== José Luis Muñoz =======================================================

      Siete maneras de matar a un gato
      Matías Néspolo
      Novela
      Los Libros del Lince
      2009
      211 páginas

En los arrabales de una indeterminada ciudad argentina, poblada por sin
techo, policías y putas, el Gringo y el Chueco, dos colegas, malviven hasta
que hacerse con un arma de fuego les abre más posibilidades de delinquir,
pero también la puerta del infierno.

Siete maneras de matar a un gato es una novela sin eje central, con
historias que se entrelazan unas con otras sin terminar de cerrarse, sin
que ello importe, porque la forma de narrar, en primera persona, desde la
mirada del Gringo, el delincuente que descubre Moby Dick en un manoseado
libro, cobra más importancia que la historia.

Tan gráfico como cortante, Néspolo da pinceladas certeras que dibujan con
precisión un escenario del que no se puede salir: la marginalidad que
deriva de la pobreza extrema.

      No queda ni un asiento sano donde estirarse. Pegado a la boletería un
      ciruja hediendo se arma la cama con unos cartones. Más allá, un
      paralítico que mendiga con un cartel berrea como un descosido. Apura
      una cajita de vino y se pelea a los gritos con los fantasmas que le
      nublan la vista. Para completar el quilombo, un morocho con la cara
      picada cierra el quiosco de revistas bajando la cortina metálica a
      patadas.

Cargada de costumbrismo, repleta de argentinismos que enriquecen el
lenguaje suburbial con que la novela está narrada, por el Gringo, la
originalidad de los diálogos cobra una especial importancia, porque Siete
maneras de matar a un gato es una novela muy dialogada.

      -A ella no, pero a todos a los que se la serrucharon sí. ¡Tu mamita
      era más puta que las gallinas! No le hacía asco a nada. Se volteaba
      hasta los postes del alumbrado. Y los dejaba secos. Más limpitos que
      un hueso de pollo. ¿Sabés cómo le decían? Lengüita...

Pero quizá sea en los momentos eróticos, que endulzan la dureza de esta
narración, en donde la prosa de Néspolo se torna sensual para dejar a un
lado la sordidez y la violencia. El Gringo se enamora, aunque en la
relación no se sepa qué va antes, si el afecto o la carne.

      Yani me la chupa con ganas. Está desnuda, arrodillada. Como si rezara
      frente a un altar. La melena negra le cae sobre los hombros. Los
      rulos le brillan al sol. Azulados. Arquea la espalda, tersa. Me
      inclino y le recorro el surco de la columna hacia abajo con el
      pulgar. Donde nace el culo me detengo. Una pera invertida, deliciosa
      y fresca para morder en verano.

Matías Néspolo, en esta su primera novela, hace un certero retrato de la
marginalidad argentina, ambientada en los tiempos del corralito y el
derrumbe económico, aunque la narración quede abierta, porque podría haber
continuado, ininterrumpidamente, porque nada en ella se cierra salvo los
personajes que se desangran por el camino víctimas de balaceras.

** José Luis Muñoz
   joseluismunoz58@gmail.com
   Escritor español (Salamanca, 1951). Uno de los más destacados en el
   género negro en su país, ha ganado importantes premios literarios como
   el Azorín, Tigre Juan, La Sonrisa Vertical, Café Gijón o Camilo José
   Cela, entre otros. Su último libro publicado es La Frontera Sur
   (Almuzara, http://www.editorialalmuzara.com; 2010), IV Premio
   Internacional de Novela Negra Ciudad de Carmona.



=== El camino de los sabios, de Walter Riso      Antonio Guerrero Ruiz ====

¿Qué puedo encontrar en las palabras? O dicho de otra forma: ¿qué puedo
encontrar en un libro, al margen de las hipostasías de la realidad? En mi
tarea como lector he encontrado una sorpresa literaria. Por casualidad pasé
hace semanas por una librería de barrio. En el escaparate detecté un
trabajo desconocido: El camino de los sabios. Se trataba también de un
escritor nuevo para mí: Walter Riso. Lógicamente tuve que entrar y examinar
aquella obra. Tras leer una sinopsis y algunos párrafos no puede
resistirme; lo compré. Para un estudiante de segundo ciclo de filosofía
aquello tenía un interés especial. Se trataba de un ejemplo de filosofía
práctica. Por si debo decirlo todo, esa expresión: la filosofía práctica,
representa un reto y una exigencia para filósofos actuales. Podría
concebirse como una obligación de lo profesional y de lo cotidiano; tal vez
una demostración de aquello que se quedó en desuso en el terreno de las
utopías.

Para bien, este libro supone un experimento literario que hace eco de
posibilidad práctica. En forma de ensayo predica que el pensamiento clásico
aún está vigente. Lo hace con relatos biográficos de filósofos y con
resultados de experimentos con pacientes. Walter Riso, ítalo-argentino, que
trabaja como psicólogo en Barcelona, ha demostrado que la filosofía, que va
desde algunos presocráticos hasta la época helenística y romana, nos es muy
útil todavía. Parte de un planteamiento muy simple: nuestra mente dispuesta
culturalmente tiene unos patrones. Éstos se han transmitido por diferentes
vías; pero su estructura está intacta desde el momento de la creación
grecolatina. Se refiere a la formación de ideas y de conductas vinculadas
al pensamiento, tales como la idea de lo bueno y de lo malo, del placer, de
la felicidad y de las consideraciones sobre el libre albedrío. Bajo esta
hipótesis efectúa un trabajo de campo y descubre que una mente con
disociación, bajo el yugo de una enfermedad mental, no sólo es consecuencia
de factores personales y/o circunstanciales; también lo es por la
modificación de su estructura mental-cultural. Según Riso, si somos capaces
de restaurar la estructura cultural, la curación del paciente es mucho más
rápida. O dicho de otra forma, recordar o informar de las ideas que nos
inculcaron antes de la enfermedad sirve para mejorar y por lo tanto para
aspirar a la felicidad individual. De esta forma la filosofía se convierte
en algo extraordinario: una terapia cognitiva. En el desarrollo del
ejercicio psicológico se establece un diálogo, adoctrinal, con el
profesional. En este viaje no sólo se práctica un análisis de la existencia
del enfermo; también se debate cuáles son las creencias ahora y antes de la
enfermedad.

El autor de esta obra, que ha obtenido resultados extraordinarios en su
propia consulta, utiliza las ideas de los filósofos para que sus pacientes
reflexionen sobre sí mismos y para que reconstruyan su personalidad.
Enfrentarse a las creencias y a la cultura es una forma de restauración
individual. Al mismo tiempo es una forma de difusión de la filosofía
magnífica.

En el groso del libro se estudia a muchos filósofos de la antigüedad.
Quizás, y coincido con ello, se ha detenido en varios casos por su
peculiaridad: Sócrates, Epicuro y Diógenes. El primero era un provocador
por excelencia, que se autodenominaba: el tábano. Su tarea consistía en
acosar a preguntas a su adversario hasta que éste llegaba a contradicciones
—mayéutica. Entonces, y sólo entonces, Sócrates decía que sólo sabíamos que
no sabíamos nada. Ese es el camino para comenzar por el principio. La
vanidad intelectual nos pierde y nos pervierte. Epicuro reflexionaba sobre
el placer. No de un placer puramente hedonista y lujurioso, al estilo de
ciertos patricios romanos posteriores. Su placer era reflexivo y consistía
en alejarse del dolor, de toda clase de dolor. Al final se quedaba en paz,
en su jardín, envuelto por una agradable incertidumbre. Podría decirse que
era un optimista: todo lo revestía en su conciencia de la mejor manera
posible para acercarse a la felicidad y disipaba de la misma aquellos
pensamientos que le conducían a las angustias. Por último, Diógenes
requiere para mí una atención especial. Cuando dijo que cada vez que
observaba a las personas se daba cuenta de lo que admiraba a los animales,
lo dijo todo. Su vida de perro (cínico perro) consistía en plantear una
contracultura. No se dejaba dominar por normas ni costumbres; todo lo
contrario, vivía sin más a su manera, efectuando sus necesidades íntimas a
la vista de cualquiera. Era el otro gran provocador porque sus actuaciones
públicas llamaban la atención poderosamente y reflejaba que vivir era mucho
más sencillo de lo que parecía. Pero vivir así es un puro acto de valentía
porque exige vivir sin tener en cuenta los comentarios de los demás y
dejarnos llevar por nosotros mismos. En una ocasión fue visto pidiendo
limosnas a una estatua. Cuando le preguntaron por lo extraño de su
comportamiento respondió que se acostumbraba al rechazo de los demás, para
hacerse más fuerte.

Es indudable que los ejemplos que Walter Riso utiliza y sus propias
estadísticas clínicas demuestran que la filosofía es útil hoy en día. Su
reto ha sido el siguiente: ver la filosofía desde el punto de vista de la
psicología. Su logro, sin duda, un prototipo de filosofía práctica
admirable. A mí no me cabe duda de que este libro va a formar parte de mi
biblioteca. El descubrimiento de su existencia, en una vieja librería que
suelo visitar, me demuestra que los libros, los textos, pueden tener muchas
cosas en su interior. Como si de un organismo vivo se tratara, al
exprimirlos escupen miles de historias: algunas son relatos que desdibujan
la realidad; otros son narraciones que encuentran los entresijos de nuestro
interior; y otros enseñan que es posible una sabiduría —adoctrinal— útil y
necesaria.

** Antonio Guerrero Ruiz
   antonioguerrero_ruiz@yahoo.es
   Escritor español (1971). Tiene un diplomado en relaciones laborales por
   la Universidad de Huelva (UHU, http://www.uhu.es) y estudia filosofía en
   la Universidad Nacional de Educación a Distancia (Uned,
   http://www.uned.es). Ha publicado Cuéntanos tu mensaje (Diputación de
   Almería, http://www.dipalme.org; 2007), Agenda mágica literaria (Lagarto
   Ediciones, 2008), Los chicos feos también quieren bailar (Lagarto
   Ediciones, 2008), Colección de relatos de Oria (Diputación Provincial de
   Almería, 2008), Déjame salir (Círculo Rojo,
   http://www.editorialcirculorojo.com; 2009) y Almería: autores del crimen
   (Círculo Rojo, 2009). Entre otros reconocimientos, ha ganado el I
   Concurso de Microrrelato de Realizarte.com (http://www.realizarte.com;
   2000), el I Concurso de Relato Corto “La Gaceta del Condado” (Huelva,
   2005), el I Concurso de Relato Corto “Cuéntanos tu mensaje” (Diputación
   de Almería, 2007), y el XIV y XV Concurso de Relato Corto “Biblioteca
   Central de El Ejido” (2007 y 2008). Textos suyos han sido publicados en
   Resonancias Literarias (http://www.resonancias.org), El Coloquio de los
   Perros (http://www.elcoloquiodelosperros.net) y Salamandria
   (http://www.salamandria.com).



=== La ciudad de las noches sin estrellas =================================
=== Rubén Alfonso, un nombre que comienza bien en la literatura actual ====
=== Pedro Pablo Pérez Santiesteban ========================================

Reconocer el nacimiento de los nuevos talentos es una tarea que deberíamos
mantener muy activa todos aquellos que de un modo u otro tenemos la
posibilidad de promover. Es por eso que hoy comentaré sobre una de las
últimas novelas publicadas bajo el sello editorial Voces de Hoy
(http://www.vocesdehoy.net); me refiero a la ópera prima de Rubén Alfonso
(http://www.ruben-alfonso.com), joven de origen cubano que se presenta a la
palestra literaria con su novela La ciudad de las noches sin estrellas.

Rubén es sin lugar a dudas un escritor innato, cuya habilidad para contar
se pone de manifiesto en las páginas de su libro. Él logra llevarnos a
descubrir la esencia de cada personaje, usando como hilo conductor a
Ernesto, un emigrante cubano que sale en busca de un sueño o de varios,
porque en realidad este personaje busca el poder de decidir, algo que sólo
se logra cuando se navega entre las puras aguas de la libertad. Este
hombre, que también pudo llamarse Pedro, Juan, Camilo o Rubén, se muestra
con el desenfado de su juventud, que en momentos lo convierte en el Don
Juan latino del siglo XXI y lo lleva a la búsqueda morbosa del amor de una
mujer, cuyos rostros se matizan en las figuras protagónicas de Andrea,
Patricia y Jade, donde cada una de ellas tiene su propia historia, con sus
sueños y frustraciones.

La ciudad de las noches sin estrellas es de esas novelas de rica lectura,
de esos libros que caen en tus manos y se te van como agua fresca de
manantial abierto. En sus líneas se desenredan diferentes personajes que
apenas sin proponérselo nos llevan a una reflexión pausada, sin grandes
aspavientos, más bien íntima, de acuerdo al caso específico de cada lector,
y esto se debe a que muchas de las vidas de estas mujeres y hombres son un
poco también la nuestra.

El sexo, el morbo y el factor sorpresa son tres elementos que se ubican con
acierto dentro de la trama. Alfonso sabe andar muy bien por los vericuetos
de la novela, doblando esquinas y tomando por asalto grandes avenidas en
las que siembra hermosas flores, al usar una prosa que en momentos se
convierte en poesía, pero una poesía de hoy, de luces cotidianas que
alumbran nuestras lamparitas de la mente, como dirían en la India. Muestra
de ello se puede disfrutar cuando Patricia lee una carta que le envía
Ernesto y, al terminarla, mira al cielo en busca de una sola estrella para
pedir un deseo.

La novela cuenta además con un excelente prólogo de la reconocida escritora
cubana Carmenluisa Pinto, con un diseño interior y edición general de
Josefina Ezpeleta y con el espectacular diseño de cubierta de Juan José
Catalán. Creo que Rubén Alfonso reunió a muy buenos talentos para
presentarnos su primera obra.

Mi propuesta ya está hecha, ahora sólo queda que los amantes a la lectura
se lleguen por las librerías a buscar la novela, o desde la comodidad de su
casa la adquieran a través de la página personal del autor dentro del sitio
web de la casa editorial Voces de Hoy, y les aseguro que tendrán el
privilegio de leer a un novel escritor de quien, estoy convencido,
escucharemos hablar con frecuencia en un futuro no muy lejano.

** Pedro Pablo Pérez Santiesteban
   vocesdehoyeditora@yahoo.es
   Escritor y periodista cubano (Holguín, 1957). Estudió licenciatura en
   contabilidad y técnica periodística, en las universidades de Holguín
   (http://www.uho.edu.cu) y de La Habana (http://www.uh.cu). Ha publicado,
   entre otros, los libros de poesía Detrás de la ventana, Lenguaje
   interno, Marea alta, El néctar de las abejas, En mi silencio, El mundo
   interior, Entre cuentos y poesías, En la luz de mi sombra y Plagio de lo
   humano; los libros de cuentos En primera persona y Cuentos para un
   domingo, y las novelas Frente al espejo, Amparo la hija de Jacinta y
   Recaredo y El juego de la memoria. Es promotor cultural y colabora con
   varias revistas digitales e impresas de Argentina, Venezuela, España y
   Estados Unidos, entre otros países. Entre otros reconocimientos, ha
   recibido el Premio de Poesía AG 2007. Actualmente dirige la Editorial
   Voces de Hoy (http://www.vocesdehoy.net).



=== Las novelas de aparente color rosa...      Ariel Batres Villagrán =====

      De aparente color rosa. Discurso sentimental en las novelas de
            Argentina Díaz Lozano
      Myron Alberto Ávila
      Tegucigalpa, Honduras, octubre de 2010
      Primera edición
      Editorial Guaymuras
      270 páginas
      Colección Lámpara (Crítica y Cultura)
      ISBN: 978-99926-54-06-4
      Incluye 7 ilustraciones (portada e interior) de la artista hondureña
            Celsa Flores

Aunque se trata de la primera edición en forma de libro, originalmente la
obra constituyó la tesis de graduación de Myron Alberto Ávila para obtener
el título de Ph.D. in Spanish en la Universidad de California, Irvine,
Estados Unidos. En algunas referencias aparece como impresa por Georgia
College & State University, 2008, seguramente porque en ésta última se
desempeña como profesor.

Myron Alberto Ávila es hijo de padre y madre guatemaltecos; su abuelo
materno fue un hondureño nacido en Santa Rosa de Copán, de donde también
era oriunda Argentina Díaz Lozano (1912-1999).

La tesis fue editada en octubre y presentada al público en diciembre de
2010 por Editorial Guaymuras de Honduras, cuya reseña de contraportada —a
cargo del también guatemalteco Arturo Arias— se transcribe a continuación:

      Con la presente obra, Myron Alberto Ávila escogió un tema nunca
      trabajado en Centroamérica: la novela folletinesca. Asimismo, se
      preocupó por visibilizar críticamente a las mujeres novelistas,
      ignoradas generalmente por una crítica tradicionalista desconocedora
      de la revolución teórica de los últimos treinta años. Por ello nos
      ofrece aquí una exploración académica sumamente original, planteando
      una reflexión más compleja e incluyente a la de los viejos paradigmas
      decimonónicos canónicos y elitistas.

      La meditación profunda y provocadora de Ávila recupera los aspectos
      invisibilizados por la crítica tradicional con una lectura compleja y
      sofisticada que, recuperando la producción discursiva eminentemente
      popular, reconfigura los acercamientos críticos a los imaginarios
      centroamericanos.

      Arturo Arias Universidad de Texas en Austin Premio Nacional de
      Literatura de Guatemala Miguel Ángel Asturias

En la solapa del libro aparece la siguiente descripción de Ávila:

      Myron Alberto Ávila nació y creció en Guatemala, y reside en los
      Estados Unidos desde el año 1989. Es doctor en español por la
      Universidad de California, Irvine, y actualmente es profesor de
      literatura y lengua en Georgia College & State University. Además de
      la literatura centroamericana, sus áreas de investigación académica
      incluyen los estudios de género, la narrativa y la poesía de mujeres,
      las literaturas latinas y queer estadounidenses (1), así como
      estudios de literatura en traducción. Es autor de Mujer, cuerpo y
      palabra: décadas de re-creación del sujeto de la poeta guatemalteca
      (Torremozas, 2004) (2).

Myron Ávila efectúa el análisis crítico de cuatro de las doce novelas
publicadas por Díaz Lozano, siendo éstas: Mayapán (1950), Fuego en la
ciudad (1966), 49 días en la vida de una mujer (1956) y Eran las doce... y
de noche (1976). Nótese que no sigue un orden estrictamente cronológico,
según año de publicación, sino en función a si en éstas la autora presenta
una “novela histórica”, las primeras dos, o bien una novela
“microhistórica”, con el “relato” en forma de ficción de hechos recientes
con respecto al año en que fueron publicadas las dos últimas. Empero, como
lo anota en página 25 de su estudio, examina en total ocho, siendo además
de las anteriores: Peregrinaje (1944), Aquel año rojo (1973), Caoba y
orquídeas (1986) y Ha llegado una mujer (1991). Es de anotar que
marginalmente cita algunos párrafos de las novelas Luz en la senda (1937) y
de Y tenemos que vivir (1960), así como de los libros de cuentos Perlas de
mi rosario (1930) y Topacios (1940). Examina críticamente Historia de
Centroamérica (1964), y toma algunas referencias de Sandalias sobre Europa
(1964), libro de crónicas.

Como en su conjunto, “virtualmente todas las novelas de Argentina Díaz
Lozano, se las ha analizado por cuanto carecen de rasgos y recursos
literarios considerados como ‘necesarios’ para trascender como parte de un
canon ‘latinoamericano’ o aun ‘nacional’ ” (página 218), Ávila se propuso
—y lo logró— demostrar que las denominadas novelas rosa de Díaz Lozano
solamente tienen ese color pero en apariencia, pues en el fondo de las
mismas subyacen elementos ideológicos, posiciones políticas, ideales por el
unionismo centroamericano, y esfuerzos abiertos de la mujer por abrirse
paso y participar en diferentes actividades “reservadas” comúnmente a los
hombres, dejando así el papel tradicional de madre, mujer abnegada y
complaciente, sentimental o romántica —como se clasifica a las novelas
rosa. A juicio de quien esto firma, el trabajo presentado por Myron Ávila
posee un análisis más profundo y tratamiento acertado, con respecto al que
hiciera la investigadora costarricense Seidy Araya Solano, en Historia y
ficción educativa en la narrativa de las mujeres. Estudio de un caso
centroamericano: la novelística de Argentina Díaz Lozano (Heredia, Costa
Rica; EUNA, 2004).

En esencia, su argumento es que “se trata de un caso de aparente color rosa
—‘aparente’ en la connotación doble de la palabra: ‘a la vista’ y ‘en
apariencia’— donde tanto discurso como recurso surgen con múltiples
posibilidades de relectura en las novelas analizadas de la autora” (página
16).

Como dato jocoso, procede copiar lo que Ávila dice de sí mismo en el portal
Chapines Online, fechado curiosamente al 2003/11/31:

      Ex patojo barranquero de por la Zona 18. Hoy profesor universitario
      de español y literatura (Ph.D. UC, Irvine) y escritor. Me encanta
      viajar y hacer amigos por todos lados, el café, la música de varios
      géneros; y la buena comida (especialmente chapina). Idiomas: inglés,
      italiano y portugués. Caminando vertical hacia el horizonte. EEUU
      —California Sur— (3).

En términos generales, una obra recomendable para quienes necesitan
profundizar en la narrativa centroamericana, y en particular acerca de la
producción literaria de la escritora hondureña Argentina Díaz Lozano
(1912-1999), de quien el autor de estas líneas se atrevió a construir el
ensayo 49 días en la vida de una mujer y Guatemala desgarrándose en 1954,
en el que efectúa el análisis de la novela 49 días en la vida de una mujer
con el sugerente agregado acerca de la rasgadura que sufría el país en
junio de 1954 —caída de Jacobo Arbenz Guzmán— y el arribo al poder de
Carlos Castillo Armas, tema alrededor del cual gira dicha novela. Dicho
ensayo fue publicado en las siguientes ediciones digitales:

 • The Blackbox, La Bitácora Económica y Política de Guatemala, 12 de
   octubre de 2010, en el post “La contrarrevolución de 1954 en una
   novela”, http://ca-bi.com/blackbox/?p=4321.

 • El Diario del Gallo, 18 de octubre de 2010, http://bit.ly/gyxifd

Como digresión, cabe agregar que el suscrito es literalmente neófito en
asuntos de arte. Reconoce que no entiende el arte abstracto de Picasso, por
más que alguien se encargue de explicarle el “Guernica”, y mucho menos se
atreverá a criticar una obra pictórica, sea mural —aunque la “Gloriosa
Victoria” de Diego Rivera lo emociona—, óleo en tela —como “El Tamal” de
Rafael Rodríguez Padilla—, óleo sobre playwood —“Calvario” de Roberto
Ossaye— y ya no se diga la serigrafía —“El abuelo Ixmucane” de Carlos
Mérida.

Sin embargo, y aunque no comprende plenamente el significado, a quien esto
firma no dejan de ocasionarle cierto apasionamiento las 7 ilustraciones de
la artista Celsa Flores (1952) incluidas en De aparente color rosa.

Los nombres que la artista dio a cada ilustración son de por sí
explicativos respecto al contenido de cada una de las partes de la obra de
Ávila: “Reflejo” (portada), “Desiderátum” (Introducción), “Gestación”
(Capítulo I: Para leer, escribir y recrear la novela rosa), “Solfeo”
(Capítulo II: La historia rosa dentro de la historia), “Talismán” (Capítulo
III: De cómo hacer oler la política a relato rosa), “Metamorfosis”
(Observaciones finales) y “Festival” (De aparente color mujer: Palabras de
Celsa Flores). Aparte del talento pictórico, ¡qué imaginación para lograr
combinar el título de cada ilustración, con el asunto del correspondiente
apartado de la obra escrita! Exuberancias.



Notas

 1. “La Teoría queer es una hipótesis sobre el género que afirma que la
    orientación sexual y la identidad sexual o de género de las personas
    son el resultado de una construcción social y que, por lo tanto, no
    existen papeles sexuales esenciales o biológicamente inscritos en la
    naturaleza humana, sino formas socialmente variables de desempeñar uno
    o varios papeles sexuales. De acuerdo con ello, la Teoría Queer (TQ)
    rechaza la clasificación de los individuos en categorías universales
    como ‘homosexual’, ‘heterosexual’, ‘hombre’ o ‘mujer’, ‘transexualidad’
    o ‘travestismo’, sosteniendo que éstas esconden un número enorme de
    variaciones culturales, ninguna de las cuales sería más fundamental o
    natural que las otras. Contra el concepto clásico de género, que
    distinguía lo ‘heterosexual’ socialmente aceptado (en inglés straight)
    de lo ‘anómalo’ (queer), la Teoría Queer afirma que todas las
    identidades sociales son igualmente anómalas”. Wikipedia; Teoría queer.
    http://es.wikipedia.org/wiki/Teor%C3%ADa_queer. Consulta efectuada el 8
    de enero de 2011.

 2. De aparente color rosa. Discurso y recurso sentimental en las novelas
    de Argentina Díaz Lozano, http://bit.ly/fhtMpx. Consulta realizada el
    14 de diciembre de 2010.

 3. Véase la ficha del autor en el portal Chapines Online,
    http://bit.ly/hXLjbb. Consulta realizada el 14 de diciembre de 2010.

** Ariel Batres Villagrán
   consultabatres@gmail.com
   Escritor guatemalteco (1958). Reside en Guatemala, Guatemala. Economista
   por la Universidad de San Carlos de Guatemala (http://www.usac.edu.gt),
   donde impartió durante 14 años los cursos de Técnicas de Investigación
   Documental y Economía Internacional (Facultad de Ciencias Económicas,
   1984-1998) y de Administración Pública (Escuela de Trabajo Social,
   1996-1998). En la Universidad Rafael Landívar (http://www.url.edu.gt) de
   su país impartió cursos de Administración de Empresas Públicas y de
   Recursos Humanos (1998-2000). Durante el período 1996-2008 se desempeñó
   como consultor independiente en el campo de recursos humanos y
   actualmente labora en el Ministerio de Finanzas Públicas
   (http://www.minfin.gob.gt) de Guatemala. Desde 2004 a la fecha ha
   publicado ensayos literarios en algunas revistas electrónicas tales como
   Encontrarte (http://encontrarte.aporrea.org), de Venezuela, The Black
   Box (http://ca-bi.com/blackbox; Guatemala) y otras.



=== Penia y Poros      Alfonso Ramírez de Arellano ========================

Antes de que los griegos inventaran ese mito tan cursi sobre el amor
encarnado en un angelote caprichoso que dispara dardos amorosos, habían
ideado otro más básico. Con la cultura helénica pasa como con el
cristianismo, que tiene un antiguo y un nuevo testamento. Éste pertenece al
antiguo (al de los pelasgos), es un poco primitivo y a mí me gusta más.
Aproximadamente dice así:

Penia (la indigencia) andaba merodeando alrededor del banquete con que los
dioses celebraban el nacimiento de Afrodita. Cuando se disponía a mendigar
los restos del festín vio cómo Poros (el recurso, la abundancia) se
retiraba a descansar. En ese momento cambió de idea y decidió seguirle.
Encontrándolo dormido se echó a su lado. Lo despertó, lo sedujo y concibió
de él a su hijo Eros.

Penia quería dotar a su hijo de recursos y de oportunidades. Lo consiguió,
pero no pudo evitar transmitirle también su propia carencia. Por eso el
amor es siempre tan ambivalente: lo tiene todo y lo necesita todo; es
abundante y menesteroso; insaciable y generoso; exaltado y melancólico. Es
revolucionario como ninguna otra pasión humana porque, aunque su objeto
está fuera de él, inicia la insurrección dentro de uno mismo. Se mueve en
las arenas movedizas de lo eterno y lo efímero, de la plenitud y el deseo.
Hace sufrir y gozar, por eso no se cansa ni se agota. Preguntad a los
viejos.

Engendrado el día del nacimiento de Afrodita, Eros se convierte en el
compañero y paje de la belleza, pero no en su hijo. En todo caso al revés
ya que el amor es capaz de engendrar belleza, pero la belleza sin amor
cansa.

** Alfonso Ramírez de Arellano
   aramirez@diphuelva.org
   Psicólogo español, especialista en psicología clínica y psicoterapia de
   familia. Ha trabajado como actor y director de teatro. Actualmente
   desempeña sus funciones en el ámbito de las drogodependencias, en el que
   ha recibido el premio Reina Sofía 1989 y Mención de Honor 2008. Además
   recibió el premio al mejor artículo de 1996 de la revista europea Ítaca
   por su trabajo “Drogodrama y dramadependencia” y fue finalista del
   premio periodístico Enrique Ferrán. Compagina la publicación de relatos
   en revistas literarias con artículos de divulgación científica en prensa
   diaria. Es autor de los libros Actuar localmente en (drogo)dependencias
   (GID), Problemas emergentes en jóvenes y adolescentes (CSZ) y Manual de
   supervivencia del empleado público o cómo defenderse del político de
   turno (Almuzara), así como de diversos capítulos y colaboraciones en
   libros y manuales. Colabora habitualmente con los medios del Grupo Joly
   (Diario de Sevilla, http://www.diariodesevilla.es). También ha publicado
   relatos y artículos en las revistas El Ciervo (http://www.elciervo.es),
   Cuadernos para el Diálogo y El Siglo que Viene.



||||||||||||||||||||||||||||    ENTREVISTAS    ||||||||||||||||||||||||||||

=== Un fan de Dios ========================================================
=== Entrevista a Daniel Audoux, cura      Guillermo Bravo =================

En la habitación tiene un Jesucristo de cera a medias derretido, el objeto
es rojo y los brazos terminan en dos muñones que tuvo que atar con una soga
a la cruz de metal. En el resto de la casa tiene estampitas, la foto del
Papa (no la de Juan Pablo, si no la del actual, cuyo rostro es algo
siniestro), las cortinas negras. Y dos sillones donde nos sentamos a
charlar, frente a la biblioteca: muchos libros de filosofía, muchos libros
de Balzac, cuatro o cinco de Roland Barthes.

Hice la confección, la comunión y la confirmación, pero nunca había tenido
la oportunidad de tomar un café y charlar con un cura.

Con esa idea fui a golpear puertas de algunas iglesias. El tercero de los
que consulté dijo sí y me invitó a su departamento. Daniel Audoux (cambio
apenas las letras del nombre por pedido del entrevistado) tiene treinta y
cinco años, es alto, rubio y de grandes ojos azules. Es cura en una pequeña
iglesia de las afueras de París, profesor de filosofía y según él, buen
jugador de básquet.

La idea es saber cómo es la vida cotidiana de un cura: qué come, dónde lava
la ropa, dónde duerme, qué siente, qué piensa.

Por eso le pedí que me deje recorrer un poco el lugar donde vive y mirar
sus cosas.

Es un departamento anexo a la parroquia, el lugar es pequeño pero muy
lindo. Tiene un living, una cocina, el baño y la habitación. Me deja pasar
a la habitación: hay una cama de dos plazas de hierro, pintada de negro y
unas mantas blancas muy lindas. Al frente de la cama está el Cristo de cera
rojo y al lado un Cristo tallado en madera y barnizado, demasiado
barnizado: capas gruesas de un ocre transparente le ocultan casi los ojos.

Me trae un café y empezamos a charlar:

“Soy profesor de filosofía, he elegido ser cura. Es fácil reírse de mí,
porque no tengo relaciones sexuales, porque no voy a los bares, porque
nunca hablo mal de los otros, porque rezo cada día. No me parece una
postura muy inteligente. La gente no quiere aceptar que alguien escoja
libremente una vida así. Yo elegí ser cura, no tener relaciones sexuales y
pasar mucho tiempo en la iglesia. ¿No soy libre de hacerlo sin que me
señalen? Soy tan libre como el artista que decide decorar un museo con
cáscaras de bananas. Que cada uno haga lo que quiera. Y es un cura el que
lo dice. No sé por qué un vecino podría juzgarme porque decidí ser cura. Yo
he luchado mucho en mi vida y he sufrido mucho. Hice una elección. Quizás
con mayor valentía que el que elige ser abogado o trabajar en un
supermercado.

”Tenía quince años cuando decidí ser cura, estudié filosofía, arte, hice un
doctorado sobre unos aspectos muy específicos de la Edad Media. Mientras yo
estaba con mis libros, mis amigos estaban en el bar emborrachándose. Y
después se reían de mí. Yo crecí en las afueras de Marsella. Cuando vuelvo
y los veo, me doy cuenta de que se han convertido en Homero Simpson, pero
siguen riéndose de mí. Alejan a sus hijos de mí”.

—Eso le da rabia, me imagino, pocas veces he visto a un religioso expresar
sus sentimientos. Quizás ese es uno de los aspectos que aleja a los curas
de la gente.

—Claro que me da rabia, pero la doctrina católica llama a perdonar, a optar
por el amor antes que nada. Yo comencé a ser cura por amor a Jesucristo, me
hice fan de Jesucristo como otros se hacían fan de Kurt Cobain o de John
Lennon.

—Quizás uno de los “errores” de la religión católica es centrarse en lo que
“se debe” y no tanto en los deseos de cada uno.

—Si tomo a mis amigos de Marsella por ejemplo: ¿qué deseos tienen ellos?
¿Se han centrado en sus deseos? Se parecen a Homero Simpson. ¿Homero
Simpson se centra en sus deseos? A simple vista puede parecer que sí. Pero
yo creo que en realidad se dejan arrastrar. Y se dejan arrastrar hacia
abajo. No estoy hablando del pecado. Estoy hablando de que viven su vida
sin demasiadas ganas, sin convenciones. Muchos me han contado que ni
siquiera saben si aman a su esposa. Terminan engañando a sus parejas. Y no
porque sean pecadores, sino porque viven su vida sin ninguna creencia.

—¿Nunca tiene dudas de su fe?

—Sí, muchas. Soy humano. Ser cura es un cliché. Yo no soy cura, soy Daniel.
Eso puede ser un poco herético, pero es la verdad. Daniel tiene dudas, como
todo el mundo. Pero ante las dudas prevalece el amor que siento por todo lo
que me rodea, por todo en lo que creo profundamente.

—¿Tiene deseos sexuales?

—Usted me obliga a la sinceridad y tengo que decirle que sí. Sobre todo
antes. Cuando era más joven. Por eso dejé la doctrina por dos años y me fui
a vivir con una mujer. Ella quedó embarazada pero perdió el hijo. Poco
después yo sentí que este era mi camino y volví. Ya sé lo que usted quiere
saber, le voy a responder con toda sinceridad: sí, a veces cuando voy por
la calle y veo una mujer atractiva siento deseos.

—¿Usted se masturba?

—Lo he hecho algunas veces. Pero mi mente está ocupada normalmente por
otras cosas. Cuando se pasan años sin pensar en eso, la mente lo deja de
lado. El deseo sexual no se acumula, se apaga.

—¿La masturbación es considerada pecado por la Iglesia?

—Depende del caso. Pero sí está considerada pecado la excitación voluntaria
de los órganos genitales porque es un acto hecho sin amor y por fuera del
matrimonio.

Me pasa un cuaderno de fotocopias unidas con un espiral de plástico y me
muestra un párrafo: “Tanto el Magisterio de la Iglesia, de acuerdo con una
tradición constante, como el sentido moral de los fieles, han afirmado sin
ninguna duda que la masturbación es un acto intrínseca y gravemente
desordenado. La razón principal es que el uso deliberado de la facultad
sexual fuera de las relaciones conyugales normales contradice esencialmente
a su finalidad, sea cual fuere el motivo que lo determine. Le falta, en
efecto, la relación sexual requerida por el orden moral; aquella relación
que realiza el sentido íntegro de la mutua entrega y de la procreación
humana en el contexto de un amor verdadero” (CDF, decl. “Persona humana”,
9).

—¿Le parece que vivir sin tener relaciones sexuales puede tener efectos
perjudiciales?

—No. Eso no está probado científicamente. En nuestro caso, todo nuestro
amor está centrado en Dios.

—La pregunta es obligada: ¿qué opina de la gran cantidad de casos de abusos
a menores por parte de los curas?

—Esos curas tienen que ser condenados por la Iglesia y por la justicia.
Muchas veces siento, si salgo vestido con mi hábito, que la gente me mira
mal, y sé que tiene que ver con eso. Es muy injusto, hay miles de curas en
el mundo que no son proxenetas. Es como si se encontraran dos médicos
proxenetas y la gente empezara a odiar a todos los médicos del mundo.

—En realidad son más que dos casos...

—Sí, pero de todas maneras es injusto que se generalice y que se hable
solamente de eso cuando hay miles de curas que le hacen mucho bien a la
sociedad. Que son personas correctas, buenas y humildes.

—¿Cuál es la posición de la Iglesia Católica con respecto a las relaciones
homosexuales?

—En un principio las consideraba pecaminosas: porque son relaciones que no
se hacen con el fin de la procreación. Pero ahora que toda la sociedad se
está abriendo con respecto a ese tema también lo está haciendo la Iglesia.

—¿Y cuál es su opinión personal?

—No creo que la homosexualidad sea un pecado ni una enfermedad. Conozco
muchas parejas homosexuales y sé que su amor es sincero. Ninguna religión
puede condenar eso.

—¿Cómo es un día cotidiano en su vida?

—Yo trabajo como profesor de filosofía en una escuela religiosa. Cuando me
levanto voy al gimnasio, después tomo una ducha, preparo las clases,
estudio, leo, almuerzo y voy a la escuela. Los sábados juego al básquet.
Leo mucho y eso toma muchas horas. Tengo un día muy ocupado, tanto que
duermo sólo seis horas.

Además, es buen cocinero: después del café trae un fondant au chocolat
delicioso. Quedamos para jugar al básquet juntos el sábado.

** Guillermo Bravo
   guillebravo@hotmail.com
   Escritor argentino (Pilar, Córdoba, 1981). Ha publicado el libro de
   cuentos No le cuentes a nadie (Editorial del Boulevard,
   http://delboulevard.com.ar/blog; 2006) y ha participado en diversas
   antologías en su país. Actualmente vive en Francia, donde forma parte
   del equipo de la revista cultural alba (http://www.albamagazine.com).



=== El poeta argentino Juan Pomponio Castiglione ==========================
=== Necesito vivir la vida como si fuese un poema      Rafael Rosado ======

      Un ser intenso, lleno de autenticidad poética, pasión salvaje,
      torrente de arte, sensibilidad humana y profundo amor por la vida y
      la literatura.

—¿Cómo inicia JPC a transitar los territorios del arte y la literatura?
¿Fue muy difícil el inicio? Ya que JPC es un ser muy intenso, pasional,
inmenso; un torrente de arte, pasión y locura fraguado por la vida y los
caminos, un ser humano sensible, ¿cómo se define JPC?

—Comencé a escribir por una fuerza que llegó a mi alma a partir de los
treinta años. Fue un caudal de tinta que arrasó mi vida y vinieron las
palabras sin buscarlas. Nunca estudié letras, no sé nada de literatura.
Escribo porque no puedo parar de hacerlo. Ahondar en el camino no sólo de
las letras sino del arte, ¡es apasionante! Me fascina transitarlos desde la
libertad de hacer lo que amo. Si todo fuese fácil, ¿qué sentido tendría?
Los desafíos son las pruebas más maravillosas que uno puede tener en la
vida. Aquel inicio sigue intacto porque todos los días recomienzo la senda,
estoy en pleno tránsito de letras. No tengo una definición para mí mismo.
Si digo algo al respecto estaría limitando la realidad de mi ser. Que cada
uno me defina como más le guste. Soy un hombre sin tiempo que camina
despojado de todo con un morral cargado de metáforas, arte y pasión. Tengo
la oportunidad de vivir y no pienso desaprovechar ni un solo minuto de
existencia, estoy viviendo en la eternidad del ahora. El camino me lleva
hacia todos los demás caminos invisibles que la realidad va trazando a mi
paso. Apreciada incertidumbre de estar vivo y sentir la tinta emergiendo de
las entrañas del alma.

—¿Cuáles dificultades JPC debió saltar?, si es que las encontraste, en tus
inicios, en cuanto a personas o situaciones que quizás querían ponerte
barreras para impedir tu avance en el arte y la literatura.

—Agradezco las dificultades, a las que llamaría circunstancias que la vida
nos pone para ver cómo seguimos avanzando, de qué manera respondemos. Todas
esas barreras me dieron la fuerza necesaria para no abandonar nunca mi
trabajo literario. Vivo guiado por una fuerza interior que viene desde los
inicios. Por citar un ejemplo de las “dificultades”: la estafa que afronté
con la edición de mi primer libro. El editor que tenía mi poemario ya listo
para ser publicado huyó con todo el dinero y jamás publicó mi obra. Hoy me
siento muy agradecido por aquella circunstancia. A todos aquellos que me
pusieron barreras, trabas o piedras en mi camino les digo: ¡Muchas gracias!
No se imaginan la fe que me entregaron para continuar. Ellos han sido mis
mejores maestros. Por cada puerta que me cerraban en la cara golpeaba otras
diez, otras mil veces. Y llega un momento en el cual ya no hay búsqueda.
Las puertas comienzan a abrirse por sí solas. Necesitamos de mucha
paciencia, perseverancia y fe, y nunca dejar la senda que uno escogió para
su vida. Nada ni nadie puede frenar el destino de una semilla sembrada en
el corazón de un ser humano y desde ese lugar de fertilidad absoluta
crecerá hasta llegar a ser lo que deba ser.

—¿Qué fue lo que te ayudó a seguir adelante?

—Me ayudó siempre creer en mi trabajo, convicciones muy profundas. La fe
inalterable de estar en el camino elegido por mi corazón. Como expresé
anteriormente, es una fuerza interior que siempre estuvo y sigue allí en lo
profundo de mis entrañas. La voz de mi alma susurrando en mi vida para que
no renuncie a las letras por nada del mundo. La ayuda de mi madre. Si
hubiese escuchado a las voces del sistema social y de otras tantas personas
que nunca me alentaron ahora estaría en otro lugar de la realidad. Ni un
sistema impuesto logra ir en contra de la entereza del ser en el instante
donde brillan las convicciones del corazón. Por eso siempre agradezco. Soy
una persona afortunada de hacer lo que siento. Ser uno mismo, flexible,
auténtico, para seguir siempre avanzando un poco más día tras día. No
podremos pegar el salto al vacío sin desapegarnos de la mente racional que
todo lo busca explicar. Es necesario mirar hacia la profundidad de nuestro
corazón y escudriñar las raíces mismas del alma donde se encuentra escrito
el sino de nuestras vidas.

—¿Cuándo y cómo fue tu primera publicación, tu primer poema, verso,
composición? ¿En la niñez? ¿En los años escolares? ¿De adolescente? ¿Qué
sentimientos, emociones o sensaciones te dejaron o te trajeron esos
primeros trabajos o creaciones artísticas (fotografías o pinturas) o
literarias (poemas, prosas, dramas, ensayos)?

—Tuve una niñez inmensa de salvajismo virgen. Amaba treparme a los árboles,
llenarme de barro cuando llovía, atrapar ranas, cazar pájaros (actividad
que hoy no apruebo), comer las frutas de las huertas, jugar al fútbol en
los potreros de otros barrios. Fui un pequeño gran salvaje. Nunca escribía
en esa época, tampoco en la adolescencia y mucho menos en la escuela. Me
gustaba dibujar cuando era niño pero no pensé que podría llegar a escribir.
No lo supe hasta los casi treinta años cuando allá por 1995 comenzaba a
garabatear los primeros versos escritos en un cuaderno que aún conservo.
Luego un amigo me dijo que le parecían buenos y seguí escribiendo como algo
pasajero, una actividad para drenar tanta insatisfacción personal. Era
dueño de dos negocios de alquiler de videos (películas) y daba clases en
varias escuelas de la zona como profesor de artes plásticas. La poesía
recién comenzaba y con ella una novela titulada Krishan. Las letras estaban
en un segundo plano. A comienzos de 2002, luego de regresar de viaje en bus
por Salvador de Bahía, Brasil, empecé a trabajar en serio con un maestro de
la literatura llamado Marcelo di Marco, con él di forma a los poemas de mi
primer libro que titulé Salvaje porque la escritura no provenía de cánones
clásicos de literatura, era una fuerza impetuosa llena de vehemencia, como
decía el maestro Di Marco.

—¿Qué significan hoy para JPC la literatura, la poesía, la fotografía? ¿Qué
sentido tiene para ti dedicarse a estas artes? ¿Entretenimiento? ¿Es una
pasión? ¿Está ligado a tu existencia de alguna forma? ¿Te gusta? ¿Una
necesidad de expresión? ¿Qué sientes cuando las personas leen, observan,
interiorizan, entienden lo que has escrito o fotografiado?

—La poesía es una forma de vida porque no sólo la escribo sino que la
experimento en cada átomo de mi ser. Necesito vivir la vida como si fuese
un poema. El simple hecho de estar vivo ya es una pasión. Amo lo que hago,
ya sea escribir, pintar, tomar fotografías, leer, todo es apasionante
cuando se abren las ventanas de la percepción. No hay búsqueda de
recompensa. Hago lo que siento porque amo hacerlo sin esperar resultados de
ninguna clase. Si a las personas les agrada todo lo que hago me siento
feliz y si no les agrada también me siento feliz pues ya no es mi problema.
Al no esperar nada de nadie todo es bien recibido. Uno se encuentra más
allá del elogio o del insulto.

      En el parque

      Tu cuerpo desnudo
      sobre la hierba de la noche,
      la dulce irrealidad de las estrellas.
      Husmeo el aire de tu lejanía
      y se aproxima el aroma.
      Aparecen jazmines,
      la esencia hembra:
      tu silencio enamorado.

—¿Te sientes premiado, que has cumplido tu rol digamos como poeta, llenado
una necesidad humana, poética, artística, interior, de hacer, decir,
exteriorizar emociones y sentimientos?

—Estar vivo ya es el mayor premio que uno pueda obtener en la vida. Es un
privilegio tener la oportunidad de responder tus preguntas porque significa
que puedo respirar, ver el sol ingresando por la ventana, escuchar el canto
de un zorzal, sentir la plenitud de la tarde. ¡Es una celebración! Me
siento pleno con la vida porque no espero nada. Estoy aquí sentado
escribiendo. ¿Qué más puedo pedir? Trabajar no sólo de poeta es un acto de
gracia que me llena el alma de metáforas. El espíritu se pliega manso hacia
un rincón de la vida y el goce del corazón estalla en los poros de la piel.

      El mar se cubre de sueños
      hacia el atardecer del amor.
      La noche apenas comienza
      sólo es una pequeña canción
      acompañada por el murmullo de la vida.
      El arrullo del pájaro adormece mi corazón
      tendido sobre la hierba.
      Es el momento de la vida
      donde las flores sonríen
      el lugar elegido por el alma.
      Los atardeceres producen nostalgia
      dulce, enamorada de la vida.
      Sin recuerdos ni llantos.
      El sereno alcance de mi ser
      intentará seguir el camino
      volverá como todas las épocas.

—¿Por qué piensas que JPC ha llegado con su arte tan lejos, a otros países
de Latinoamérica y continentes, incluso, mediante las redes de Internet?

—La verdad es que nunca pensé, ni lo pienso, hacia dónde podría llegar
escribiendo, porque hice lo que sentía: escribir. Si las letras me llevaron
por esos países me siento muy agradecido por ello y me entregan más fuerza
para continuar la senda de las letras.

      Ángel crepuscular

      Los relojes olvidan el tiempo,
      la noche gira en su silencio inabarcable.
      Un ángel desangra su vuelo,
      pinta crepúsculos en el cielo.

—¿Qué motivó a JPC a salir de Argentina, llegar a Chile, Perú, Colombia y
Venezuela cruzando la cordillera de los Andes, vivir lejos de su tierra por
varios años? ¿Qué significó este recorrido para JPC? ¿Cómo influyó esto en
tu vida de hoy? ¿Cambió, fortaleció tu arte, pasión y locura por la
fotografía y la literatura?

—Quería “pegar el salto del guerrero”, me quedaba cómodamente en mi casa
con una vida sistematizada (una mujer, mi madre, la familia, negocio,
trabajo, los seres queridos, amigos, etc.) y de supuesta seguridad
económica o me lanzaba de lleno a vivir la vida entregado a las letras,
recorriendo los caminos de Sudamérica. El fuego de viajar horadaba mis
entrañas. Quería saltar, se necesitaba de mucho coraje para hacerlo y luego
de un año de preparación decidí salir con una maleta y algunos ejemplares
de Salvaje, y con toda la fuerza de mi corazón me subí al bus rumbo a
Santiago de Chile, mi primera parada. Ese recorrido fue una historia que
curtió mi alma, aprendí a crecer como hombre. Todas y cada una de las
“adversidades” que padecí, como por ejemplo el extravío de la maleta con
mis pertenencias, el robo de todo mi dinero, me fortalecieron para seguir
viajando. Perderme durante dos años entre los pueblos de Sudamérica fue un
acto de magia. Mi alma se cubrió de aprendizajes, poemas, amigos, historias
de amor, situaciones críticas que fueron entregándome muchas enseñanzas.
Nunca olvidaré ese recorrido por el alma de otras ciudades. Siempre estará
sellado en mi piel como testimonio de haber tenido el coraje de hacerlo. Me
siento feliz por esa travesía. Dejé mi huella de fuego grabada sobre la
memoria ancestral de aquellas tierras que me acunaron como un hijo más de
su descendencia y puedo decir que fue una historia auténtica de coraje,
amor, locura, soledad y entrega del alma hacia fines elevados.

—¿Qué encontraste en el camino? ¿Gentes, amigos, problemas? ¿Alguna vez
sentiste tu vida y seguridad en peligro? ¿Llevaste la idea de publicar tus
libros, crearlos en el trayecto? ¿Cómo pasó?

—Encontré amigos que la vida puso en el momento justo para brindarme una
mano cuando más lo necesitaba. Nombrarlos a todos sería imposible. Gente de
una belleza impresionante. Comprendí mucho más que, a pesar de las
limitadas fronteras que nos imponen, todos somos el mismo pueblo. Recité en
lugares apartados en la montaña con gente de alma pura, campesinos,
artistas, poetas. Participé de festivales, encuentros literarios, viajé por
el Caribe recitando en bares, vendiendo mis libros arriba de los buses, por
los comercios. Cuando uno toma conciencia de la fragilidad de la vida nos
damos cuenta de que todo es impermanencia y a cualquier hora podemos
desaparecer del plano físico. Desde el mismo momento en que salí de mi casa
atravesé situaciones complejas. Tuve muchos momentos de peligro. Arriba de
la montaña, en un lugar llamado La Línea, antes de llegar a Ibagué
(Colombia), el bus subió a más de tres mil metros y pude ver cómo nos
caíamos al precipicio cuando el chofer tomó una de las tantas curvas y al
pegar contra la defensa casi morimos todos. Nos salvamos de milagro. Salí
sin ideas, dejando que la misma vida me llevase por donde tenía que ser.
Muchas cosas que me pasaron se fueron entrelazando para que todo y sin
pedirlo fuese llegando a su tiempo. En los días de mayor soledad y tristeza
afectiva, la Fundación Banfoandes, por intermedio de un gran amigo, decide
publicar mi segundo libro con poemas escritos durante el viaje. Allá en San
Cristóbal, Venezuela, en abril de 2008, editaron el poemario Fragua
universal. Por eso digo que cuando uno se entrega por completo a vivir de
lo que ama, la existencia comienza a tejer redes invisibles para que
nosotros podamos lograr nuestros sueños más preciados. La comodidad es lo
más fácil y simple que cualquier ser humano puede adoptar. Conformarse,
quedarse estancado y paralizado en la misma realidad. La vida es un hermoso
y constante riesgo de no saber cuáles serán los próximos pasos y cómo todo
nos cambia en una fracción de segundo.

—¿Por qué tomaste la determinación de regresar? ¿Qué encontraste a tu
regreso? ¿Fueron difíciles los primeros días? ¿Volviste de nuevo a publicar
tus libros en tu país?

—Todas las decisiones que asumo en mi vida nacen de mi corazón, siempre lo
consulto. Sentía que ya había cumplido un ciclo de andar los caminos y mi
sangre me llamaba a regresar. Los primeros días de estar en Argentina
fueron extraños porque ya me había acostumbrado a otra forma de vida y tuve
que readaptarme. Pasé momentos de transición y pequeñas crisis, era un
extraño en el país donde nací y me tiraba regresar. Estuve a punto de
hacerlo pero de repente surgió una Mariposa en mi vida y mi corazón quiso
quedarse. Había una fuerza oculta que me decía que me quedara, lo sabía
interiormente. La unión con Mariposa Roldán (coreógrafa, maestra de danzas,
escritora) hizo que me quedara a su lado para juntos emprender un camino de
amor. Publiqué Lluvias torrenciales, poemario que Mariposa coreografió como
espectáculo para presentar en el Centro Cultural Borges (Buenos Aires), lo
llevamos a Bolivia (Tarija), también hicimos funciones en el Espacio
Cultural Pata de Ganso (Buenos Aires). Se trata de un espectáculo de danza,
música, silencio y poesía recitada en vivo. Estuve invitado a la 36ª Feria
del Libro de Buenos Aires, en la V Feria del Libro Ediber de Berazategui.
La Secretaria de Cultura de Berazategui editó el libro La risa de la
hierba, presentado en dicha feria. Nunca dejamos de trabajar. Sin esperarlo
tuve el reconocimiento de la gente de mi ciudad y fue una realidad
maravillosa.

      Inspiración

      La Guardiana del Templo de las Letras
      habita en un recinto invisible
      tiene estrellas en sus manos
      la noche en su corazón
      el cielo en su alma.
      Y cuando llora
      se deshacen arco iris
      bajo sus ojos de otoño.
      Es portadora del tiempo
      luminosa por la luna
      luminosa por el sol.
      La Guardiana del Templo de las Letras:
      es Amor.

—¿Cómo te ayudó la experiencia del viaje para seguir adelante?
¿Participando en concursos de fotografía, ferias del libro, recitales
poéticos?

—Casi no he participado en concursos de ninguna clase, excepto en uno de
fotografía realizado por ATEI (Asociación Televisiva Educativa
Iberoamericana) de Madrid, España; allí obtuve un premio a la foto más
votada por la gente. En certámenes literarios llevo tiempo sin participar.
El viaje me ha servido mucho para crecer como ser humano. En casi todos los
países me realizaron varias entrevistas para radios, sitios culturales de
Internet, diarios y diferentes medios. Fue importante haber salido de mi
casa para meterme de lleno en la vida literaria. Hice lo que sentía. La
intención y fuerza interior de cada uno de nosotros tiene la suficiente
capacidad para que podamos desarrollar y transformar nuestro propio
destino, siempre supeditados a algo que vibra detrás de las cosas que vemos
como reales, algo de una pureza absoluta que tiene el poder de la Gracia.

—¿Nunca paras de fotografiar, escribir, hacer radio, compartir con los
miles de amigos virtuales, dedicar tiempo a tu familia?

—Hay una energía creativa que no deja frenar el impulso. Amo tomar
fotografías, trabajar en radio, realizar presentaciones en espectáculos de
danza, pintar. Claro que tomo mis tiempos para leer buenos libros, escuchar
música, salir por las rutas y andar en bicicleta varios kilómetros. Ahora
mi familia es el universo. Somos una inmensa familia, sólo tenemos que
despertar del sueño colectivo y darnos cuenta. Amo a mi madre, le dedico
tiempo a esa anciana llena de luz. Amo a Mariposa y ahora comparto mi vida
con ella. Mi corazón está pleno de arte, todos los días me pide más.

      Un alquimista

      Destila el brebaje de los cielos
      descubriendo tu sonrisa anochecida
      Elabora una lección
      proporcionada en tiempos remotos.

      Campanas y relojes derriten los minutos
      Las horas desaparecen
      y el tiempo
      despierta al mismo tiempo.

      Un terremoto derrumba el sonido
      cae un rayo atravesando tu corazón.
      Todos giran y giran en sentido contrario
      Las pisadas se marcan en las paredes.

      Huyen mariposas
      nunca vistas.

—Ahora háblame de tu encuentro con Mariposa. ¿Soñaste encontrarla o fue un
encuentro mutuo? ¿Qué significa para tu vida la llegada de ella a tu mundo
de arte, pasión, literatura, familia y trabajo? Tengo entendido que han
realizado varios espectáculos de poesías y bailes dramáticos, donde
Mariposa Roldán interpreta tus poemas y libros. ¿Cómo ha sido preparar todo
esto? ¿Qué respuesta han logrado obtener del público?

—Cuando dejé de buscar esa mujer “ideal” que llenara mi vacío y entendí que
la realidad del amor no dependía de nadie más que de mí mismo, sin
pretender absolutamente nada apareció Karina Roldán, con un correo
electrónico que un día irrumpió en mi vida trayendo palabras de misterio.
Desde ese momento quedamos enamorados el uno del otro. Luego se transformó
en Mariposa. La vida nos acercó. El universo, Dios o como sea que se llame
esa energía que vibra más allá del velo de lo aparente, dispuso nuestro
encuentro desde hace miles de años. Ella es amor. Mariposa significa
placidez para mi alma y ha llegado para hacerme madurar como hombre. Es una
gran mujer, de una capacidad e inteligencia impresionantes. Mariposa es la
Guardiana del Templo de las Letras, lee, corrige mis obras, me ayuda en
todo, es un puntal enorme para mi trabajo literario y para la vida
emocional. Mi vida se encuentra a su lado. Juntos hacemos radio, corrijo
sus textos, le doy pequeñas sugerencias. Nadie compite con nadie porque es
amor. Nadie pretende brillar más que el otro. Estamos fusionados. En lo
profesional, Mariposa hizo toda la puesta en escena, coreografías,
musicalizó y dirigió el espectáculo de danza inspirado en el libro Lluvias
torrenciales. Fue maravilloso ver cómo preparaba todos los detalles,
mezclarme con el arte de la danza, aprender un nuevo lenguaje, ver bailar a
su compañía y sobre todo el impacto de sentirla a ella en el escenario
erizó mi piel. ¡Fantástico encuentro de almas! Celebro la aparición de la
bella Mariposa en mi corazón de poeta.

—¿Cuáles libros has publicado hasta ahora? Háblanos de tus próximos
proyectos o trabajos inmediatos en cuanto a fotografía, libros, ferias de
libros, si piensas realizar algún viaje para presentar tus trabajos
fotográficos, poéticos y espectáculos de bailes dramáticos en el exterior,
otros países de Latinoamérica, en Estados Unidos o en Europa.

—Hasta ahora van cuatro libros de poesía, Salvaje (2002), Fragua universal
(2008) Lluvias torrenciales (2010) y La risa de la hierba (2010), y varias
publicaciones de antologías de poesía y cuento en diferentes países. Mi
proyecto es no tener proyectos sino vivir el día a pleno, escribir y dejar
que la fluidez de la vida vaya guiándome hacia donde tenga que ser. Hay
muchas propuestas, exponer fotografías, retomar la pintura, viajar con el
espectáculo de danza/poesía a otros países, publicar la novela Krishan y el
libro Huellas de fuego, historia de un viaje en bus por Sudamérica, recitar
en vivo. Son tantas actividades que si uno no está atento sobreviene la
ansiedad, entonces siempre busco no pensar tanto y fluir. Dejarme llevar.
No creer en promesas y trabajar todos los días un poco más.

      Secretos del alma

      Las nubes están colocadas sobre el cielo de una manera inexplicable.
      El sol, una esfera roja que se hunde hacia la noche. Los colores del
      ocaso tiñen mi pluma que brilla acompañada por el delicado canto de
      una calandria. La eternidad de la vida se sucede así, con retazos de
      gloria, descubriendo la simplicidad de todas las cosas que rodea la
      existencia. El sol ha desaparecido y ahora nos encontramos en un
      punto intermedio entre la noche y el día. Los pequeños brotes del
      paraíso anuncian la llegada de la primavera. Es inminente, la celebro
      con todo mi corazón para que las flores impacten sobre mis ojos
      despiertos ávidos de vida. Usted es la Verdad. Yo soy la Verdad. Cada
      uno es la Verdad. Toda la raza humana conforma la Verdad: SER.

—¿Cómo ves la literatura argentina de la actualidad? ¿Qué crees de Jorge
Luis Borges y Cortázar? ¿Cómo consideras el Nobel de Literatura a Vargas
Llosa? ¿Por qué no ha habido un argentino premio Nobel de Literatura,
siendo esta una de las cunas del llamado boom literario latinoamericano del
pasado siglo XX? ¿Qué piensas tú de estos galardones (Nobel de Literatura)?
¿Qué importancia tienen para JPC esos premios? ¿Existen en la actualidad
algunos escritores (poetas, novelistas) candidateables para el Nobel de
Literatura? ¿Tú conoces de algunos?

—Para ser sincero debo decir que casi no he leído a Jorge Luis Borges. ¿Qué
podría comentar al respecto si desconozco su obra? De Cortázar leí algunos
cuentos que me parecieron fantásticos e intenté leer su novela Rayuela
varias veces y nunca pude digerirla, será que todavía no es el momento. La
verdad, no sé por qué ningún argentino fue premiado por el Nobel, será por
cuestiones de política. Para ser honesto tampoco me interesa demasiado. No
creo que un premio Nobel pueda hacernos mejores o peores escritores, me
parece que se trata de un bálsamo para el ego. El mayor premio que tengo en
este momento es la posibilidad de estar aquí sentado y responder tus
preguntas. Todo lo demás son lucecitas de colores que encandilan. No creo
que para ser feliz sea necesario un premio o reconocimiento literario, la
felicidad no depende de factores externos. Si me dan un premio será
bienvenido y si no me dan nada, también. He visto tantos premios
arreglados, escándalos de editoriales importantes donde los ganadores ya
estaban digitados previamente, amigos que se premiaban entre ellos. También
he visto concursos serios pero todo es tan relativo... La corrupción forma
parte de nuestra sociedad y la literatura no es la excepción. No estoy muy
al tanto de quién podría ser un candidato de Argentina al Nobel. Premiamos
a uno solo. ¿Y el resto de los escritores? No creo en los premios. Generan
comparación. Cada uno es auténtico si no se compara con nadie. Escribamos
sin esperar nada a cambio.

—¿Cómo se pueden comprar tus libros? ¿Escribiendo a qué correo electrónico?
¿Podrías decirnos los principales blogs o páginas de Internet donde estás
presente con tus trabajos y entrevistas?

—Mis libros pueden comprarlos directamente conmigo escribiéndome a mi
correo: juanpomponio@gmail.com. Allí les daré las explicaciones. Los
principales blogs son http://fraguauniversal.blogspot.com,
http://juanpomponiocastiglione.blogspot.com,
http://juanymariposa.blogspot.com y http://lamaloka.blogspot.com. Tenemos
la página del Facebook “Escritos, poesías y reflexiones de Juan Pomponio”
(http://on.fb.me/fEHLnd) con más de 2.300 personas que comparten ese
espacio.

      El barco de tu cuerpo

      Restos de naufragios carbonizados
      sumergidos en los pétalos del útero
      embellecen la cruz de tu mirada.
      El suelo fatigado no será igual
      espera la deserción del humus de tu alma
      despierta aquella canción
      aclama el mineral derramando
      el vaso de la fertilidad.

—¿Alguna otra cosa que se nos haya quedado, y que quieras compartir con los
lectores de este medio?

—Siempre quedan tantas historias para compartir pero prefiero dejarles una
inquietud para todos: ¿nunca probaron tenderse sobre la hierba para dejar
todo lo que no somos a un costado del tiempo?

—¿Crees que, además de hacer lo que te gusta, la literatura es un modo de
vida? ¿Podría JPC vivir sin la literatura y el arte? ¿Cómo sería esto?
Además, ¿podrías contarnos un poco de tus programas radiales?

—Si uno cree en lo que hace de su vida, ¡sí!, la literatura es un modo de
vida. Necesitamos coraje para vivir de lo que nosotros amamos. Todo puede
lograrse. No tengo dudas. Podría vivir tranquilamente sin la literatura
porque de lo contrario sería una dependencia y no es bueno depender de algo
para vivir. La misma vida es un gran ensayo poético, aquí se escriben los
poemas más bellos, con nosotros mismos. Realmente no sé cómo sería vivir
sin la literatura. Tal vez vivir en una aldea de mar, alejado de todo,
disfrutando del arrullo de las olas, el murmullo del viento, sintiendo el
éxtasis del sol y gozando el acto de vivir. La vida es hoy. El mañana es
una incertidumbre maravillosa. Vivamos plenos como sea. ?Quedar varado en
la inmortalidad del presente es un estado de éxtasis total, en el ahora
existe la única verdad de ser. Me faltaría decirle sobre los programas
radiales. Éstos son La Maloka Loka, los jueves a las 20:30 horas por FM
Espacio 91.7 (http://www.fmespacio.com.ar) y La Maloka Místika, los viernes
a las 21 horas con la conducción de Mariposa Roldán y Juan Pomponio por FM
Dakota 104.7 (http://www.fmdakota.com).

—Finalmente, si quieres enviar un saludo a las gentes de España, otros
países europeos, Latinoamérica y el mundo.

—Mi saludo es universal. Va dirigido al gran pueblo que somos como
humanidad. Ya no veo al mundo en divisiones de países, fronteras, razas,
religiones, ideologías y demás cuestiones. Todos somos uno. Les digo que
estamos en la Tierra para desarrollarnos y crecer como seres humanos.
¿Somos humanos? Sigamos el camino interno del pulso. Vivamos desde el amor
para que nuestra sociedad comience a pegar el gran salto hacia una nueva
visión de ser. No fraccionemos más a los seres humanos. La nación es la
Tierra. ¡Basta de guerras inútiles! ¡Terminemos con las divisiones
ideológicas! Pongamos la sabiduría al uso de nuestras facultades mentales y
trabajemos para mejorar el daño que hicimos sobre este mundo. ¡Nada es
imposible! Todos somos responsables y venimos al mundo para realizarnos
como seres humanos, entonces no perdamos la hermosa oportunidad que tenemos
de vivir. Esta experiencia en este cuerpo dura apenas una fugacidad,
entonces, ¿vamos a desperdiciar la vida? No miremos solamente lo feo, malo
y doloroso. Trabajemos internamente para cambiarnos y así transformar el
mundo que nos rodea. Comencemos por nuestro mundo personal que luego
impactará en la humanidad. Tengan fe. Un abrazo de luz.

** Rafael Rosado
   rafael.rosado@yahoo.com
   Poeta y escritor dominicano. Bachelor of Arts en literatura
   hispanoamericana por el Empire State College-SUNY (http://www.esc.edu;
   2002). Ha publicado Testimonio ancestral (1996) y El espejo fantástico;
   antología de poesías eróticas (2008). Textos suyos han aparecido en las
   antologías Haz rodar una poesía (Chile, 2008 y 2009) y La agonía del
   nirvana (Panamá, 2009), así como en las webs Poetas del Mundo
   (http://www.poetasdelmundo.com), El Wrong Side
   (http://danielmontoly.blogspot.com), del poeta Daniel Montoly, Casa
   Barbieri (http://casa-barbieri.blogspot.com), de Johnny Barbieri (Perú),
   y Fragua Universal (http://fraguauniversal.blogspot.com), de Juan
   Pomponio (Argentina). Ha participado en diversos recitales dentro y
   fuera de su país. Desde 2008 es embajador dominicano de Poetas del
   Mundo.



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=== Jardín umbrío de Ramón del Valle-Inclán      Miguel Díez R. ===========

1. El libro de cuentos Jardín umbrío

En 1903 publica Valle-Inclán un libro de cuentos titulado Jardín umbrío.
Historias de santos, de almas en pena, de duendes y ladrones, que en
sucesivas ediciones irá ampliando el número de relatos hasta llegar a la
reedición completa y definitiva, la última publicada en vida del autor, en
1920.

El título Jardín umbrío es una expresión familiar de la literatura
decadente-modernista de fin de siglo, que sugiere estéticamente algo
secreto, sombrío, lejano y fantástico, y que pertenece al conjunto de voces
usadas frecuentemente por Valle-Inclán: vago, oscuro, misterioso, lejano,
supersticioso, etc. (i), de clara filiación simbolista. Son muy frecuentes,
en las primeras obras de don Ramón, las referencias al “jardín viejo y
sombrío”, “silencioso”, “misterioso”, “oscuro”, “sugestivo” y “evocador”.

      Los cuentos permanecieron en la memoria del autor, como las hojas
      secas que, en otoño, tapizan los senderos de los jardines abandonados
      y umbríos. En efecto, las sombras alcanzan un protagonismo esencial.
      No estamos en esos jardines en los que el sol hace resplandecer la
      alegría de los colores y de la vida. La felicidad y, más
      concretamente, el amor, no tienen cabida en estos cuentos que evocan
      preferentemente todo lo sombrío, lo desconocido, el misterio que a la
      vez aterra y atrae al hombre (ii).

Desde la primera edición de Jardín umbrío (1903) el autor adelanta un breve
prólogo en el que declara que Micaela la Galana, una vieja doncella de su
abuela, le contaba cuando él era niño historias de santos, de almas en
pena, de duendes y de ladrones. Ahora yo cuento lo que ella me contaba
[...] Aquellas historias de un misterio candoroso y trágico, me asustaron
de noche durante los años de mi infancia y por eso no las he olvidado.

“Juan Quinto”, el primero de los cuentos de esta colección, comienza y
termina con una referencia a Micaela la Galana, que es quien lo cuenta; y
en “Mi bisabuelo” también la relatora es Micaela la Galana, la vieja
aldeana que había sido la crónica de la familia. Y también don Carlos del
Valle-Inclán habla de una nodriza apodada La Galanucha, que crió a su
padre, don Ramón, y del ambiente que éste vivió de pequeño en el valle del
Salnés:

      Ciegos con lazarillos, cargados de alforjas y seguidos de un can,
      recorren este valle cuajado de leyendas. Las gentes tienen una fe
      ingenua. Se santiguan ante los cruceros. Son sencillas, reservadas,
      temen el mal de ojo y afirman agüeros y hechicerías. Por las noches
      de invierno, junto a las lareiras, mientras entra el viento por la
      chimenea, viejos y rapaces rinden comento a las brujas y almas en
      pena.

      En este valle de Salnés y ante este mar de Arosa, en este ambiente de
      misterio y leyenda, pasa Valle-Inclán la niñez. Sus ojos se abren a
      la luz entre brumas y lluvias, y lo primero que oye son historias de
      trasgos y aparecidos (iii).

Nuestro autor siempre mantuvo ese interés por lo popular y tradicional, y
ya de mayor le siguió gustando oír cuentos y consejas de sabor antiguo.
Ramón Gómez de la Serna cuenta que, viviendo en Madrid, don Ramón gustaba
de conversar en estos días caseros con su vieja criada gibosa, de cabeza
deforme, que le contaba historias de brujas, aparecidos y encantamientos.
Le tenía un gran respeto y solía decir que poseía el alma atormentada de
algunas de las más famosas mujeres de la historia (iv).

Es indudable que, aunque no en todos, en varios de los títulos de Jardín
umbrío, especialmente en los cuentos de ambiente gallego, se adivina
fácilmente ese mundo oral —a veces real, otras fingido o más bien
presentido— de las viejas historias contadas que tanto atraían a don Ramón,
según lo indicado. Como ejemplos, se pueden citar “Juan Quinto”, “El rey de
la máscara”, “Del misterio”, “A media noche”, “Un ejemplo” y la novela
corta “Mi hermana Antonia”. Otras narraciones, aunque no procedan de lo
oral tradicional, presentan elementos fácilmente reconocibles como
populares.

Sin embargo, conviene dejar muy claro que todas las historias, incluso las
más cercanas a la tradición oral, son marcadamente literarias, al pasar
ineludiblemente por una voluntad de estilo tan poderosa como la del autor
gallego. Son, por tanto, cuentos de procedencia o con presencia más o menos
populares, pero reelaborados con absoluta libertad y escritos con esmerado
cuidado literario, aunque, eso sí, continuamente se tiene la impresión de
que el autor desea que nunca quede olvidado del todo el carácter oral.

La edición de Jardín umbrío de 1920 recoge diecisiete títulos de los quince
que ya habían sido publicados en ediciones anteriores y dos, “Beatriz” y
“Mi hermana Antonia”, se incluyen por vez primera en esta colección.

Con un criterio exclusivamente genérico, los diecisiete títulos se
clasifican de la siguiente manera: tres novelas cortas (“Rosarito”,
“Beatriz” y “Mi hermana Antonia”); dos escenas dramatizadas (“Tragedia de
ensueño” y “Comedia de ensueño”) y doce cuentos ( “Juan Quinto”, “La
adoración de los reyes”, “El miedo”, “Un cabecilla”, “La misa de San
Electus”, “El rey de la máscara”, “Del misterio”, “A media noche”, “Mi
bisabuelo”, “Milón de Arnoya”, “Un ejemplo” y Nochebuena”.



2. El mundo gallego de Jardín umbrío

Ruh Whittredge afirma que Jardín umbrío es el libro de cuentos gallegos por
excelencia, el de fuerte sabor popular y local, de misterio, de
superstición y de violencia, heredero a la vez del “color local” romántico
y del realismo regionalista de la condesa de Pardo Bazán (v).

Si exceptuamos “La adoración de los Reyes”, “Un ejemplo”, “Tragedia de
ensueño” y “Comedia de ensueño”, todas las restantes narraciones se
desarrollan o ambientan directamente en Galicia (vi) y están de tal manera
impregnadas de su paisaje, tipos, lengua, costumbres y misterios, que, como
se ha repetido, es la Galicia mítica y ancestral la verdadera protagonista
del libro, como lo es de las demás obras de nuestro autor que forman el
ciclo galaico.

El paisaje no es el de la Galicia marinera, la de la abrupta “Costa da
Morte” o la suave de las rías y valles de ribera; es, como dijo G.
Díaz-Plaja, la tierra sobresaltada de montes, la de los pazos y jardines
señoriales y misteriosos con sus capillas húmedas y tenebrosas, la de los
molinos con el rumor de la corriente aprisionada en los viejos dornajos”,
las viejas iglesias y rectorales, los hondos caminos rurales; la de las
masas oscuras de los carballos, la soledad del campo, aterido por la
invernada y los horizontes altos de brezos, tojos y linares.

Por este paisaje gallego desfilan abades y capellanes de ojos enfoscados y
parduscos como de alimaña montés, muchachas delicadas e inocentes; condesas
de rancios linajes, mayorazgos y escribanos; servidores, labriegos,
pastores y mendigos; bandidos y conspiradores; mozos mordidos por el lobo
rabiosos, mujeres poseídas por el Enemigo, saludadoras y adivinas; y
mujerucas tocadas sus cabezas con los mantelos, rezando en la sombra del
muro.

En cuanto a la lengua, también el castellano está salpicado de galleguismos
léxicos y sintácticos que le confieren un carácter arcaizante —o, como el
propio Valle entendía: El sentido labriego de la fabla antigua—: agora,
mismamente, nos, arrenegado, escura, neno, aturujo, barullar, un
anochecido, salíme un momento hace... Unamuno decía que lo galaico va en el
ritmo, en la marcha ondulatoria y, a veces como oceánica de su prosa, a lo
que también contribuyen los abundantes topónimos gallegos que no sólo
pretenden determinar concretamente un lugar, sino que, además de ayudar a
configurar el tono galaico general, buscan la cadencia, la sonoridad y la
eufonía: Las Gándaras de Barbanza, Bradomín, Barbanzón, San Rosendo de
Gondar, Céltigos, Santa Baya de Cristamilde... Lo mismo sucede con los
antropónimos que rezuman sonoridades gallegas y que, como en el caso de los
topónimos, se repiten insistentemente en muchas de las obras de
Valle-Inclán: Serenín de Bretal, Milón de la Arnoya, Micaela la Galana, Don
Manuel Bermúdez y Bolaño, Doña Soledad Amarante, Pedro Aguiar de Tor...

Don Ramón introdujo en dos cuentos varias coplas en lengua gallega de clara
resonancia popular. En “La adoración de los Reyes”:

      Vinde, vinde, Santos Reyes / vereil a joya millor; / un meniño / como
      un brinquiño / tan bunitiño / qu’a o nacer nublou o sol. (Venid,
      venid, Santos Reyes / veréis la joya mejor / un niñito / como un
      joyelito / tan rebonito / que al nacer nubló el sol).

      Camiñade Santos Reyes / por camiños desviados, / que pol’os camiños
      reas / herodes mandou soldados. (Caminad Santos Reyes / por caminos
      alejados / que por los caminos reales / Herodes mandó soldados).

En “Nochebuena”:

      Falade ben baixo, / andad pasiño, / porque non desperté / o noso
      meniño. / O noso meniño, / o noso Jesús, / que duerme nas pallas /
      sen verce e sen luz. (Hablad muy bajo, / andad despacio, / para que
      no despierte / nuestro niñito. / Nuestro niñito, / nuestro Jesús, /
      que duerme en las pajas / sin cuna y sin luz).

      Si non fora porque teño / esta cara de aldeán, / déralle catro
      biquiños / n’esa cara de mazán. ( Si no fuera porque tengo / esta
      cara de aldeano / le daría cuatro besitos / en esa cara de manzana).

      Vamos de aquí par’a aldea / que xa vimos de ruar; / está Jesús a
      dormir / e podémolo espertar. (Vamos de aquí para la aldea / que ya
      venimos de rondar, / Jesús va a dormirse / y lo podemos despertar).

      Esta casa é de pedra / o diaño ergueuna axiña, / para que durmisen
      xuntos / o Alcipreste e sua sobriña. (Esta casa es de piedra / el
      diablo la hizo en seguida, / para que durmiesen juntos / el
      Arcipreste y su sobrina).

En Jardín umbrío se hacen continuas referencias a las costumbres y modos de
vida gallegos: las murgas y mascaradas de las fiestas del antroido o
antruejo (carnaval), los cantos populares de Nochebuena al son de las
conchas y los panderos, los velatorios de difuntos, “el chocleo de las
madreñas en las escaleras del patín”, las viejas hilando los copos, el pan
de borona, el vino agrio y fresco de la propia cosecha, el cuenco de la
leche presa y las rubias filloas, el plato tradicional con que en Galicia
se festeja el antruejo.

En cuanto a la Galicia trágica y misteriosa, se puede afirmar que a este
libro de Valle-Inclán, plagado de escenas dramáticas y escalofriantes,
conjuros y supersticiones, ambientes tenebrosos y de oscuros presagios, le
corresponde muy de lleno lo que, con acierto y maestría, escribió Azorín de
nuestro autor:

      “¡Teño medo d’unha cousa que vive e que non se ve!” —exclamaba
      Rosalía— y la originalidad, la honda, la fuerte originalidad de
      Valle-Inclán consiste en haber traído al arte esta sensación de la
      Galicia triste y trágica, este “algo que vive y que no se ve”, esta
      difusa aprensión por la muerte, este siniestro presentir de la
      tragedia que se avecina, esta vaguedad, este misterio de los palacios
      centenarios y de las abruptas soledades.

      “¡Teño medo d’unha cousa que vive e que non se ve!”. Toda la obra de
      Valle-Inclán está ya condensada en esta frase de Rosalía: “Non se
      ve...”, no se ve el dolor que nos cerca; no se ve el drama que está
      en suspenso en el aire; no se ve la muerte, la escondida e inexorable
      muerte, que nos anuncia el peregrino que llega a nuestra puerta, como
      en el siglo XII, o el can que aúlla lastimeramente de noche (vii).



3. La prosa simbolista de Jardín umbrío

Algunas de las narraciones de Jardín umbrío participan de las
características propias del Modernismo, movimiento en el que se encuadran
diversas obras de Valle que constituyen la primera etapa de su producción
literaria. El Modernismo tiene como antecedentes dos corrientes literarias
que se produjeron en Francia en las últimas décadas del siglo XIX, el
Parnasianismo y el Simbolismo, siendo lo más interesante y lo más duradero
de aquel movimiento la aportación de esta última corriente.

La principal característica del Simbolismo es la comunicación indirecta,
mediante el empleo de símbolos que no describen explícitamente sino que
sugieren y evocan intuiciones, emociones, y complejos estados de ánimo,
consiguiendo así una significación ambigua, ilimitada y misteriosa, las
emociones y la imaginación del lector. A esta característica esencial de
este movimiento hay que añadir una segunda: la musicalidad, mediante el uso
de una lengua rítmica y sonora.

William R. Risley, autor de un excelente trabajo sobre el simbolismo en
Valle-Inclán, afirma que el empleo de procedimientos simbolistas sugestivos
es una de las características principales de Jardín umbrío. Ahora bien, los
aspectos simbolistas se adaptan a la realidad del mundo gallego —por otra
parte, tan potencialmente rica para este arte—, creando una personalísima
prosa que mezcla lo explícito del lenguaje directo con lo sugestivo del
indirecto simbolista, y lo impresionista con lo expresionista (viii).

      En prosa modernista logra Valle una fusión muy fina de la musicalidad
      y la rica potencia alusiva y asociativa de las palabras, con los
      misterios y miedos irracionales de la Galicia rural, creando así
      inolvidables síntesis de emoción, imagen y actitud. Producen éstas
      una atmósfera a la vez animada, psicológica, dramática y muy
      sugestiva (ix).

Donde más claramente aparece esta prosa simbolista es en las novelas cortas
“Rosarito”, “Beatriz” y “Mi hermana Antonia”, principalmente en la primera,
pero será en las dos breves piezas dramáticas, “Tragedia de ensueño” y
“Comedia de ensueño”, en las que ese movimiento literario se manifieste
rotundamente.



4. Las novelas cortas

“Rosarito”, “Beatriz” y “Mi hermana Antonia” son, seguramente, las mejores
novelas cortas que escribió Valle-Inclán, de lo que parece ser consciente
el propio autor, al ser estas tres las únicas seleccionadas, entre todas
las previamente editadas, para incluirlas en esta última colección de sus
cuentos, además de otro motivo, el de estar ambientadas en Galicia, como
casi todas las demás historias de este libro.

Las tres narraciones presentan varias características comunes. El asunto es
parecido, las protagonistas son jóvenes y bellas muchachas de clase alta
—cuyos nombres aparecen en los títulos— que serán víctimas inocentes de un
sortilegio o embrujamiento del poder egoísta y perverso masculino que las
arrastrará fatalmente a un amor destructor y trágico, con referencias, más
o menos intensas, reales o simplemente aparenciales, a lo diabólico o
satánico. Son historias fantásticas, entroncadas en las viejas
supersticiones galaicas, como el hechizo de la manzana reineta, el gato
negro y los exorcismos; y, en fin, todas ellas evidencian una línea
simbolista como ya hemos apuntado anteriormente.

Además, las tres se desarrollan en Galicia, “Rosarito” y “Beatriz” en dos
pazos señoriales rurales y “Mi hermana Antonia” en un espacio urbano muy
preciso, Santiago de Compostela. El ambiente social es alto y el clero
desempeña un papel importante y, en general, negativo.

En la primera etapa de su producción literaria Valle-Inclán es dueño y
señor de una prosa modernista, poética y estilizada, volcada sobre sí
misma, en la que destacan el uso acertado del lenguaje figurado, la
adjetivación enumerativa y la expresividad de las comparaciones e imágenes.
Pero lo más sorprendente de su estilo es la musicalidad y el ritmo armónico
conseguido. Ya Manuel Murguía, en el prólogo a Femeninas (1985) hablaba de
una prosa encadenada, blanda, cadenciosa, radiante de luz; por esencia
descriptiva y a la cual sólo falta la rima; y William L. Fichter afirma que
la selección de ciertas palabras, la disposición de los adjetivos, la
distribución de las cláusulas y de las series de adjetivos, sustantivos y
verbos, se deben a una intención de efectos melódicos (x). El duro y bronco
idioma castellano se ablanda y se convierte en inusualmente melodioso y
dulce —incluso lánguido— gracias a la sensibilidad lingüística, a la
musicalidad y al ritmo, propios de la lengua gallega que Valle supo
insuflarle. Es el sabor gallego que él decía haber aportado al castellano.



5. Las escenas dramatizadas

“Tragedia de ensueño” y “Comedia de ensueño”, aunque participan de muchos
rasgos de los cuentos fantásticos o de misterio, son piezas dialogadas y no
narrativas que pertenecen, por tanto, al género dramático, y se adscriben a
un tipo de teatro poético-simbolista muy de moda en la Europa finisecular.

Las dos escenas transcurren en ambientes, tiempos y lugares no
especificados, un tanto etéreos, ajenos, desde luego, a la inmediata
realidad del lector, con una intención claramente simbolista. Es la suya
una estética de matiz y sugerencia, de atmósfera y ambiente, de detalles
cuidadosamente elaborados, basado todo ello en el misterio.

Se han señalado algunas semejanzas entre “Tragedia de ensueño” y L’intruse
(1890), del dramaturgo belga Maurice Maeterlinck, máximo representante del
teatro simbolista europeo. Lo que Valle hace, una vez más, es inspirarse y
adaptar la obra citada a sus preferencias y gustos artísticos,
confiriéndole su personalísimo sello.

“Comedia de ensueño” es también un breve montaje escénico dialogado,
igualmente simbolista, en el que cobran importancia las amplias acotaciones
de gran belleza literaria.



6. Los cuentos

Los doce restantes cuentos de Jardín umbrío tratan variados temas, aunque
unificados por su relación y enraizamiento con el mundo gallego. Hay
cuentos predominantemente costumbristas; de ocultismo, almas en pena y
endemoniados; cuentos sobre el miedo, el misterio y sobre asesinatos en
distintas circunstancias; cuentos de ladrones y bandidos e ingenuas
leyendas religiosas; cuentos, en fin, sobre la crueldad, la justicia
primitiva y elemental o sobre las burlas maliciosas populares.

Todos están escritos en pasado y, en cuanto al punto de vista narrativo, es
múltiple y complejo. Cuatro relatos son de apariencia autobiográfica,
escritos en primera persona, que simulan recuerdos de la infancia o
juventud del narrador. Otros dos comienzan en primera persona para dar paso
a la historia oída por ese yo y reproducida en tercera persona.

      Los relatos de Jardín umbrío poseen el tono oral compuesto y
      estilizado en el cual reside en gran parte el arte del cuento: todo
      se dice, no sólo los acontecimientos, sino también el decorado, las
      emociones, los rostros e incluso las ideas. Efectivamente, uno puede
      contar de viva voz cualquier relato de Jardín umbrío, casi sin
      quitarle ningún aderezo. Dichos cuentos poseen a su vez la frescura
      de la creación original recién acabada, como si la voz del narrador
      vibrase todavía, y un perfume tradicional y familiar (xi).



7. “El miedo”

“El miedo” está unánimemente considerado como el mejor cuento de Jardín
umbrío, y por esta razón ha sido incluido con frecuencia en las antologías
de la obra de Valle-Inclán y en las principales selecciones de relatos
españoles del siglo XX.

Se publicó por primera vez el 27 de enero de 1902 en el periódico El
Imparcial y Valle-Inclán lo incluyó, apenas sin variantes, en todas las
ediciones de los Jardines hasta la última de 1920. Además fue pródigamente
reproducido en numerosos periódicos y revistas de la época. Si contamos la
inclusión del cuento en Flores de almendro, una cuidada e importante
recopilación de todas las novelas cortas y los cuentos publicados en libro,
realizada por Juan B. Bergua en 1936, dos meses después de la muerte de don
Ramón, pero que había merecido su visto bueno, “El miedo” fue editado
veinte veces en vida de Valle-Inclán.

La mayoría de los cuentos de Jardín umbrío se presentan en una forma
narrativa que participa de los rasgos estructurales de lo que conoce como
Memorias: relatos con presencia del narrador, escritos en primera persona,
aunque esto no signifique que sea una persona pura, es decir el propio
autor, puesto que ese yo es tan inventado como cualquier otro personaje de
ficción. Es este el tipo más corriente de narración, la narración a
posteriori, es decir, relatos que miran el pasado a partir del presente
[33]. Esto sucede en “El miedo”: la narración de un suceso pasado contada
en primera persona por un yo ficticio desde una larga distancia temporal y
espacial. Cuando el que narra es el propio protagonista de la fábula, como
en el cuento que nos ocupa, nos encontramos con lo que en narratología se
conoce como un relato autodiegético. Y hay que resaltar que en nuestro caso
la participación del protagonista es continua y fundamental en el relato y
que todo el suceso se focaliza únicamente a través de sus ojos.

La acción se desarrolla según el esquema clásico de presentación, nudo y
desenlace. La presentación o introducción, muy breve, ocupa la mitad del
primer párrafo, y es una declaración del anciano yo narrador-protagonista
previa a los hechos que se van a narrar. El nudo, la parte central y la más
extensa, cuenta el incidente que provoca el pánico al protagonista, origen
del título del cuento, durante su vigilia en la capilla del pazo solariego.
En la página y media final, sobreviene el desenlace: el conflicto se
resuelve drásticamente protagonizado por la figura, llena de empaque y
autoridad, del Prior de Brandeso. Una breve conclusión pone término final
al cuento; se trata de la reflexión moral del narrador-protagonista con una
referencia a la muerte que enlaza con la introducción y configura el
carácter circular o cerrado del relato.

Destaca en “El miedo” la cuidadosa y morosa presentación de la escenografía
en la que se va a desarrollar la acción: la capilla del pazo de Brandeso,
con el retablo, el sepulcro y la lámpara, descritos con prosa recamada en
un juego de luces y colores, de joyeles, de túnicas bordadas de oro, de
áureos racimos muy al gusto decorativista parnasiano y que se contraponen a
las sombras ambientales del recinto. Las sensaciones auditivas y visuales
cobran singular relieve, especialmente aquellas que van a servir para
conseguir una atmósfera de misterio, tétrica y sobrecogedora en aquel
ambiente húmedo y crepuscular de la capilla tenebrosa y resonante, apenas
iluminada por la luz de la lámpara (elemento varias veces recurrente), los
rezos que resonaban hondos y tristes, los murmullos, los suspiros, el
viento que mecía la cortina de un alto ventanal, la luz de la luna pálida y
sobrenatural...

Esta ambientación crepuscular es una preparación previa, magistral y
cuidadosamente elaborada y recreada, para sumergir al lector en un
escenario propicio a la aparición de fenómenos inexplicables en el
desarrollo y posterior desenlace de los acontecimientos; ambientación que
se rompe hacia la mitad del cuento, en el instante preciso en que suenan
los gritos de las niñas en la capilla y el protagonista se despierta
sobresaltado.

Tres son los personajes del relato. El protagonista, futuro granadero del
rey, es muy joven —apenas le apuntaba el bozo— y aparece parco en palabras,
sumiso y obediente, inexperto, inseguro, temeroso y cobarde. Como ya hemos
indicado es, al mismo tiempo, el narrador de la historia que, desde la
vejez, refiere un suceso que se le ha quedado indeleblemente grabado. Aquel
hecho y las rotundas palabras finales del Prior, siempre presentes, le
sirvieron para nunca más sentir miedo y sonreír a la muerte como a una
mujer en su larga y valerosa vida de militar.

La madre del protagonista, la señora del pazo, es apenas sugerida mediante
breves pinceladas más narrativas que descriptivas, pero que manifiestan una
personalidad fuerte y segura que, sin la presencia del marido supuestamente
difunto, dirige y decide el futuro de su hijo, organiza su confesión, se
muestra muy piadosa y, en definitiva, desencadena los hechos que provocan
el terror del protagonista [34]. Las niñas son personajes desdibujados con
una función simplemente decorativa —como las rosas que han recogido en el
jardín para adornar el altar— con sus vestidos albos, sus sombras blancas,
sus cabelleras sueltas. En el momento crucial del relato estos personajes,
la madre y las niñas, desaparecerán de la escena para dejar solo al joven
protagonista, sobrecogido por el horror y el miedo.

El tercer personaje es el Prior de Brandeso, una especie de monje-soldado
en el que, frente a la cobardía y el miedo del futuro granadero, se
evidencian la autoridad y el poder del mundo eclesiástico y la
impasibilidad y firmeza del militar ante una situación terrorífica —había
sido Granadero del Rey en sus años juveniles. Uno de los aciertos del
cuento es la magistral irrupción del Prior, su presentación y su actuación.
Impresiona la figura segura y llena de empaque, rodeado de sus lebreles;
con el vuelo de sus hábitos talares blancos. La voz grave y solemne, los
gestos decididos e intransigentes, dinamizan la acción y la precipitan
rápidamente hasta el obligado enfrentamiento del joven protagonista con la
pavorosa situación. La reacción de éste y las palabras tajantes del
inflexible clérigo ponen punto final a la escena. Se trata, pues, de una
figura poderosa que llena con toda su fuerza la escena y la dota de un
dinamismo que contrasta con la situación anterior, más estática. El
componente dialógico, la rapidez de la acción y la tensión explican el tono
fuertemente dramático de esta última parte de “El miedo”.

El cuento “El miedo” participa de la voluntad de estilo característica de
cualquier obra literaria de Valle-Inclán. Hay, por lo tanto, un cuidado
estilístico que se percibe desde el comienzo hasta el punto final, pero no
se aprecia, tanto como en otras obras de esta primera etapa, la
preeminencia formal sobre la fábula contada. Prima aquí la historia en sí,
y el estilo únicamente pretende potenciarla, estar al servicio de ella. La
descripción de la capilla —el lugar, el ambiente y el momento— está, como
ya hemos indicado, literariamente muy cuidada, pero como una preparación de
la escenografía para enmarcar en ella la situación dramática posterior, es
decir, en función del desenlace del cuento, mucho más directo y efectivo.

En el conjunto de la narración predominan las frases cortas, y en el uso de
las figuras retóricas se distinguen varios símiles o comparaciones
(“labrado como joyel de reyes”; “que parece al mensajero de la muerte”;
“albos como el lino de los paños litúrgicos”; “las estrellas se encendían y
se apagaban como nuestras vidas”), alguna metáfora (“la luz de la
lámpara... tenía el tímido aleteo de pájaro prisionero”), personificaciones
(“la tarde agonizaba”; “una sombra que rezaba”) y el uso muy abundante del
grupo binario de adjetivos (“la faz de la luna, pálida y sobrenatural...”;
“Una voz grave y eclesiástica”; “La voz... trémula y asustada”; “Arrogante
y erguido”; “El hueco, negro y frío”; “Hueco y liviano son”; “árida y
amarillenta calavera”). Curiosamente el uso del triple adjetivo, tan
característico del estilo de Valle, en este cuento sólo se aprecia en tres
ejemplos (“los lados del rostro iguales, tristes y nazarenas”; “La capilla
era húmeda, tenebrosa, resonante”; “Los rezos resonaban... hondos tristes y
augustos”).



8. Final

Jardín umbrío (1920) es la última y la más importante recopilación de
narraciones breves realizada por el propio don Ramón del Valle-Inclán. Un
libro en el que resplandece su maestría artística y que se adentra en el
mundo gallego, misterioso, ancestral y mítico, colocándose con pleno
derecho entre las grandes obras del ciclo galaico.

Esta colección de relatos es el libro más adecuado para emprender esa
apasionante aventura que es la lectura del más genial escritor español del
siglo XX, con la ventaja de que no se trata de un tanteo primerizo o de una
promesa sino de un verdadero logro artístico. Antonio Risco ha escrito que
Jardín umbrío es una de las mejores colecciones de cuentos de toda la
literatura española (xii) y pensamos que el citado autor no anda muy
descaminado al realizar tal afirmación.



Notas

   i. William L. FITCHTER, “primicias estilísticas de Valle-Inclán”,
      Revista Hispánica Moderna, Nueva York, año VIII, Nº 4 (octubre,
      1942), pág. 291.

  ii. Eliane LAVAUD, La singladura narrativa de Valle-Inclán (1888-1915),
      La Coruña, Fundación “Pedro Barrié de la Maza, Conde de Fenosa”,
      1991, pág. 206.

 iii. En “Prefacio” a Ramón DEL VALLE-INCLÁN, Corte de amor, Madrid. Espasa
      Calpe, 1960, págs. 10-11.

  iv. Don Ramón María del Valle-Inclán, Madrid, Espasa Calpe, 1979, pág.
      187.

   v. “Los libros de cuentos de Valle-Inclán: Estudio bibliográfico”, Vigo,
      Grial, 9, Nº 32 (1971), pág. 219-220.

  vi. En “La adoración de los Reyes” y en “Un ejemplo” aparecen claras
      referencias gallegas, aunque el primer relato se localice lógicamente
      en Palestina y el segundo no tenga ubicación precisa. También en
      “Tragedia de ensueño” se pueden encontrar algunos indicios gallegos
      como la referencia a canes y tojos y las expresiones por ver de
      acallarle y el viento anda a batir las puertas.

 vii. El paisaje de España visto por los españoles, Madrid, Espasa Calpe,
      1981, pág. 32.

viii. William R. RISLEY, “Hacia el simbolismo en la prosa de Valle-Inclán”,
      Anales de Narrativa Española Contemporánea, 4 (1979), págs. 60-61.

  ix. William R. RISLEY, Art. cit., págs. 54-55.

   x. Art. cit., pág. 296.

  xi. Eliane LAVAUD, Ob. cit., pág. 222.

 xii. El demiurgo y su mundo: hacia un nuevo enfoque de la obra de
      Valle-Inclán, Madrid, Gredos, 1977, pág. 154.

** Miguel Díez R.
   mikdiez@gmail.com
   Docente e investigador español (León, 1937). Profesor de lengua y
   literatura españolas de enseñanza secundaria. Además de manuales de
   literatura española y de comentarios de textos literarios, ha publicado
   la edición de Jardín umbrío, de Ramón del Valle-Inclán (Madrid,
   Espasa-Calpe, http://www.espasa.es; 1993), Antología del cuento
   literario (1985; Madrid, Alhambra-Longman, 2005) y Antología de cuentos
   e historias mínimas (2002; Madrid, Espasa-Calpe, 2008). En colaboración
   con su mujer, Paz Díez Taboada
   (http://www.letralia.com/firmas/dieztaboadapaz.htm), ha publicado
   Antología de la poesía española del siglo XX (1991; Madrid, Istmo,
   2005), La memoria de los cuentos (Madrid, Espasa-Calpe, 1998, reeditado
   recientemente en la misma editorial y colección con el título de Relatos
   populares del mundo) y Antología comentada de la poesía lírica española
   (2005; Madrid, Cátedra, http://www.catedra.com; 2006).



=== Octavio Paz ===========================================================
=== Un hombre y una obra ==================================================
=== Patricia Lozano Lucas y Jorge Fernández Gonzalo =======================

Octavio Paz es sin duda uno de los intelectuales más influyentes en la
cultura latinoamericana del siglo pasado. Poeta y ensayista, su trayectoria
es la de un escritor que se entregó enteramente a la palabra y al
pensamiento. Entre sus poemarios más importantes destacan Luna silvestre,
Libertad bajo palabra, ¿Águila o sol?, Semillas para un himno, Piedra de
sol, Blanco y Árbol adentro. De su producción ensayística cabe mencionar El
arco y la lira, Corriente alterna, Conjunciones y disyunciones y Los hijos
del limo.

Paz había nacido en el pequeño barrio de Mixcoac, en México, en marzo de
1914. Su abuelo fue un pensador liberal muy influyente en el país, y su
padre, abogado y escribano, se unió, junto con otros intelectuales
progresistas, al movimiento dirigido por Emiliano Zapata. La familia tuvo
que emigrar a Estados Unidos temporalmente para evitar represiones con la
caída del gobierno zapatista, y tras su regreso a México, varios años
después, el joven Paz retomó sus estudios al tiempo que comenzó a ver
publicados, en los primeros años de la década de los 30, algunos de sus
primeros poemas en revistas mexicanas. Pero no será hasta 1933 que aparezca
su primer libro, Luna silvestre. Pocos años después, Paz visitará Europa,
en concreto España, donde asistirá en compañía de su primera esposa, la
escritora Elena Garro, al Segundo Congreso Internacional de Escritores
Anti-Fascistas de 1937. Las referencias políticas son una constante en su
obra ensayística (cfr. Vizcaíno, 1993), no así en su poesía: Paz fue muy
crítico con respecto a otros escritores, como Louis Aragon o Pablo Neruda,
por el hecho de haber puesto su pluma al servicio de sus ideales políticos.

Un año después, en 1938, Paz vuelve a México y colabora en diferentes
medios y revistas. Pero en 1943 Octavio Paz debe partir a Estados Unidos,
enviado por el gobierno mexicano en representación diplomática. Dos años
después recibe una beca de la Fundación Guggenheim y, ya establecido en el
Servicio Exterior, llega a París en 1946. Residirá allí hasta 1952, período
en el que entra en contacto con el movimiento surrealista. Breton, Éluard y
otros intelectuales de la Francia de posguerra influirán notablemente en su
obra poética, aunque el mexicano no quiso nunca ser considerado como un
surrealista pleno, sino que siempre supo, a lo largo de su obra, mantener
una voz personal por encima de las etapas e influencias que definieron su
trayectoria poética.

Ya en 1952, Paz inicia su gira asiática por Japón y la India. Volverá a
ésta última en calidad de embajador. Conoció a Marie-José Tramini, con
quien contraerá su segundo matrimonio en 1964. Más tarde, a causa de los
incidentes de la “Matanza de Tlatelolco”, una sangrienta acción policial
contra un grupo de manifestantes universitarios, renunciará de su cargo de
embajador. Esta renuncia lo convertirá en punto de mira del Estado, y
también en ejemplo para los jóvenes pensadores revolucionarios de entonces.

En sus años finales, Paz se concentra en el análisis de la historia y la
política, examina el papel ideológico de las dictaduras y el sentido de la
caída del socialismo, y rechaza de plano las construcciones de la
posmodernidad (“los hombres nunca han sabido el nombre del tiempo en que
viven y nosotros no somos una excepción a esta regla universal. Llamarse
posmodernos es una manera más bien ingenua de decir que somos muy
modernos”).

En 1982 recibió el premio Miguel de Cervantes, máximo galardón de la
literatura en castellano, y ocho años después la mayor distinción
literaria: el premio Nobel de Literatura. Murió de cáncer a los 84 años de
edad, en abril de 1998.



Fuentes de su poesía

Sobre las influencias literarias de Paz habría que citar muchos nombres.
Algunos poetas (Basho, Mallarmé, Valéry, Pessoa) fueron traducidos por el
mexicano (cfr. Bradu, 2004), otros muchos formaron parte de su poso de
lecturas o de su intrahistoria literaria (Quevedo, Juan Ramón Jiménez,
etc.); sin embargo, Paz supo reinventar sus influencias poéticas como sólo
los grandes genios de la literatura universal saben hacerlo.

Los primeros pasos del autor lo acercan a los movimientos de poesía pura
que habían estado en boga durante sus años de formación. Aunque no durará
mucho, esta fase primitiva de la poesía paciana habría de dejar en el autor
una honda huella: la de una continua reflexión metapoética sobre el hecho
de escribir, como ocurriera en Paul Valéry o en Juan Ramón Jiménez. De
hecho, quizá sea ese fondo de meditación constante el que propicie que el
autor no acepte más tarde los presupuestos surrealistas en su totalidad. No
habría de ser este acercamiento a la vanguardia, sin embargo, el único que
suceda en la poesía de Octavio Paz. Su admiración por Apollinaire le llevó
a confeccionar una colección de caligramas e ideogramas tituladas
“topoemas”. Además, el influjo del Mallarmé más audaz, el de Una tirada de
dados, aun no siendo históricamente vanguardista, sí habría de servirle
para la puesta a punto de su poema espacial Blanco.

La influencia anglosajona, por otra parte, no es tan acusada, aunque no
faltan ensayos y traducciones que nos remitan a autores como Hölderlin,
John Donne, Eliot, Pound... No deja de ser sintomático que Paz escribiese
un poema en homenaje a Cernuda, el otro gran introductor de la poesía
anglosajona en la lírica en lengua española del siglo pasado.

Del portugués Fernando Pessoa quizá le vengan ciertos rasgos de la ficción
literaria, sobre todo en lo referente a cómo el poeta se construye y se
ficcionaliza en las máscaras del texto. El poeta lírico, dirá el autor
mexicano en el prólogo de sus poesías completas, se inventa a sí mismo por
obra de sus poemas.

Otro núcleo importante y muy caracterizador de su obra es la influencia
oriental. Sus viajes a la India le sirvieron de puente para entrar en
contacto con la literatura china y japonesa, con fórmulas métricas como el
tanka o el haikú, así como con la mitología y el pensamiento védico de la
India.

La tradición española y mexicana es otra de las fuentes de donde bebe la
poesía paciana. Sor Juana fue objeto de varios trabajos del autor, y
Quevedo aparece reivindicado en Homenajes y profanaciones. El mundo mítico
prehispánico, por otra parte, surge como sustrato en la composición Piedra
de sol, cuya estructura se basa en el calendario azteca: consta de 584
endecasílabos sin un solo punto, el mismo número de días que tarda Venus en
dar la vuelta al sol.



Una poética de la palabra

                                                       Vuelve a los nombres
                                                                       ejes
                                              anchas espaldas de este mundo

                                                                Octavio Paz

No es difícil seguir la pista de los diferentes estilos en la obra de Paz;
todos dejan una marca importante en la construcción métrica y rítmica de
los poemas, pero no así en los temas (“una obra, si lo es de veras, no es
sino la terca reiteración de dos o tres obsesiones”; 1999: 16), que
permanecen con cierta continuidad durante toda su producción.

Carlos Fuentes dijo de él que contagió su prosa de relámpagos metafóricos y
su poesía de lucidez discursiva (Apud. Gómez Jiménez, 1998). Las
reflexiones metapoéticas son abundantes y de gran originalidad, y es que
Paz nunca fue un poeta inspirado, de impulso variable, sino de honda
meditación del oficio. En “Hacia el poema”, una suerte de arte poética, el
autor nos recuerda: “Encontrar la salida: el poema”. Porque una cosa es la
poesía y otra el poema, y el mexicano fue siempre consciente de ello, tanto
en su obra lírica como ensayística. Creía que la poesía era una idea
inmaterial, probablemente una creación cultural proyectada sobre las cosas,
los objetos hermosos, los paisajes adonde siempre habría que volver, la
mujer como símbolo de belleza, etc. Pero el poema no es otra cosa que un
mero objeto discursivo, un juguete verbal, rítmico, que, tal y como sugería
Valéry, no acaba de escribirse nunca, sino que se abandona. La idea de
depuración estilística del francés se corresponde totalmente con la
búsqueda paciana de la palabra exacta.

No negamos con esto el principio de incertidumbre que todo poema, si es
auténtico, supone para el autor. Hablaba el poeta español Claudio Rodríguez
de una aventura controlada al abordar la creación artística, y Paz no se
sitúa muy lejos:

      Escribo sin saber el desenlace
      de lo que escribo

            (1999: 440)

Ambas ideas no son contradictorias. El trabajo y la constancia dan libertad
al poema, y sólo el poeta que elabora concienzudamente su obra consigue que
ésta le diga cosas que no sabía. “No predecir: decir”, apuntará el autor.
Decir es la gran problemática que abre la poesía de Paz. Su acercamiento a
la realidad constituye tanto una experiencia sensitiva como gnoseológica;
se trata de descubrir el mundo por la palabra, que es, a un mismo tiempo,
sacramento y ceniza:

      Palabra

      Palabra, voz exacta
      y sin embargo equívoca;
      obscura y luminosa;
      herida y fuente: espejo;
      espejo y resplandor;
      resplandor y puñal,
      vivo puñal amado,
      ya no puñal, sí mano suave: fruto.
      (...)
      Palabra, una palabra,
      la última y primera,
      la que callamos siempre,
      la que siempre decimos,
      sacramento y ceniza.

            (1999: 42-43)

Así sucederá frecuentemente en sus primeros escritos. El lenguaje
constituye una herramienta para el conocimiento del mundo, pero también
interpone una distancia, al menos hasta que un Paz más curtido en el oficio
del verso llegue a decir que “las palabras son mis ojos” (1999: 682), con
lo que alía finalmente lo sensorial y lo cognitivo en su tarea de acceder a
la realidad, tanto exterior como interior:

      Contra el silencio
      y el bullicio
      invento la Palabra,
      libertad que se inventa
      y me inventa
      cada día.

Aunque no habría de ser este poema, sino el titulado “Las palabras”, que
reproducimos a continuación, el que mejor fundamenta la metapoesía paciana:

      Las palabras

      Dales la vuelta,
      cógelas del rabo (chillen, putas),
      agótalas,
      dales azúcar en la boca a las rejegas,
      ínflalas, globos, pínchalas,
      sórbeles sangre y tuétanos,
      sécalas,
      cápalas,
      písalas, gallo galante,
      tuérceles el gaznate, cocinero,
      desplúmalas,
      destrípalas, toro,
      buey, arrástralas,
      hazlas, poeta,
      haz que se traguen todas sus palabras.

            (1999: 72)

En estos originales términos de reproche se resalta el conflicto del poeta
con las palabras, si bien desde cierta complicidad propia de quien se sabe
conocedor de las astucias del oficio. El lenguaje se convierte así en
vehículo exaltador de la naturaleza y de los objetos, “porque lo inesperado
se repite y los milagros son cotidianos y están a nuestro alcance” (1999:
151), hasta llegar a un uso de la palabra totalizador, totémico incluso:
“está lleno de pájaros el mundo” (1999: 53). Este uso mítico del lenguaje,
esencial, confina una naturaleza capaz de hablar entre sí (“lo que dice el
trueno / lo comprende el bosque”, 1999: 327), de mostrarse como realidad
escrita (“Todo me servía: la escritura del viento, la de los pájaros, el
agua, la piedra”, en el prólogo a ¿Águila o sol?) o de negarse a la
comunicación directa con el poeta como reza el breve poema “Alfabeto”:

      Alfabeto

      Alcé la cara al cielo,
      inmensa piedra de gastadas letras:
      nada me revelaron las estrellas

            (1999: 64)

Paz incide, además, en la creencia primitiva y bíblica de la palabra
fundadora, creadora de realidades:

                       La palabra
      se abre
            en un allá sin dónde
      extensión inmaculada
      transparencia que sostiene a las cosas

            (1999: 449)

No en vano una sección del poemario Semillas para un Himno se titula
“Piedras sueltas. Lección de cosas”. La realidad es capaz de revelar su
misterio al poeta, quien debe desentrañar el secreto mensaje mediante el
nombramiento y la palabra, porque la palabra alberga el privilegio de la
abstracción conceptual, de convertir el objeto en herramientas del lenguaje
y del pensamiento humano (“había milagros sencillos llamados pájaros”,
1999: 139). Si Pitágoras quiso desentrañar el mundo con la matemática y la
música, y los simbolistas con los símbolos y las correspondencias, ahora
toca descubrir la realidad a través del lenguaje, de la palabra pura. El
poema titulado “Objetos” da buena cuenta de toda esa búsqueda paciana de la
verdad:

      Objetos

      Viven a nuestro lado,
      los ignoramos, nos ignoran.
      Alguna vez conversan con nosotros.

Palabra reveladora, pero también palabra transformadora. La estética
paciana se caracteriza por un uso peculiar de la metáfora; el término real
y el imaginario se relacionan no mediante la sustitución de uno por otro,
sino mediante la plena y total identificación, como si el lenguaje fuera
capaz de unificar símbolos, de equiparar realidades, tal y como explicará
el poeta:

El poeta nombra las cosas: éstas son plumas, aquéllas son piedras. Y de
pronto afirma: las piedras son plumas, esto es aquello. Los elementos no
pierden su carácter concreto y singular: las piedras siguen siendo piedras,
ásperas, duras, impenetrables, amarillas de sol o verdes de musgo: piedras
pesadas. Y las plumas, plumas: ligeras. La imagen resulta escandalosa
porque desafía el principio de contradicción: lo pesado es lo ligero. Al
enunciar la identidad de los contrarios, atenta contra los fundamentos de
nuestro pensar. Por tanto, la realidad poética de la imagen no puede
aspirar a la verdad. El poema no dice lo que es, sino lo que podría ser. Su
reino no es el del ser, sino el del imposible verosímil de Aristóteles
(1972: 99, en cursiva).

Así reconocemos numerosos efectos de este enlace entre signos en la poética
paciana: “Noche y agua serán un mismo cuerpo” (1999: 473), “esta nieve es
idéntica a la yerba, / siempre y nunca es lo mismo” (1999:684). Dicha
congregación de lo disperso por la potencia unificante del lenguaje
recorrerá toda la obra de Paz, desde “El cuchillo es un pájaro de yelo”, en
la página 58 de sus obras completas, hasta las últimas composiciones como
en el poema “Lo mismo”:

      La paloma es flor y llama,
      perfección que se deshoja
      y en su aroma resucita.

      Lo distinto es ya lo mismo.

            (1999: 840)

A menudo, esta relación de mismidad que pretende alcanzar la palabra
paciana aparece matizada por una función metonímica (“una espiga es todo el
trigo, / una pluma es un pájaro vivo y cantando”, 1999: 155), como si la
dimensión del lenguaje pudiera extenderse, abrirse indefinidamente a todas
las pulsiones del ser, acoger en su seno toda la realidad posible en un
solo vocablo. El lenguaje de Paz es por tanto un lenguaje esencial,
sustantivo, de realidades inmediatas, piedras, pájaros, ríos, el
silencio...

      El agua horada la piedra,
      el viento dispersa el agua,
      la piedra detiene al viento.
      Agua, viento, piedra.

            (1999: 715)

Esta especie de visión totémica de la realidad adquiere, como era de
esperar, una especial relevancia en Piedra de sol. La tendencia paciana al
sustantivo esencial, a la naturaleza en plenitud, tiene mucho que ver con
sus aproximaciones a la visión mítica de los pueblos aztecas, recurso
relevante y revelador en la composición de este poema. De especial interés
es la recreación poética del hombre como símbolo totémico, inmerso en la
naturaleza (“preveo un hombre-sol y una mujer-luna”), así como un discurso
amoroso innovador (“toca al nuevo poeta descubrir a la mujer”, escribía Paz
en la composición citada “Hacia el poema”), en el que la mujer se revela
como auténtico símbolo totémico: “voy por tu cuerpo como por el mundo”,
“voy por tu talle como por un río”, “eres toda de pájaros y un astro”,
etc., ejemplos todos ellos del poema Piedra de sol. La mujer, en Paz, es
trasunto del conocimiento ancestral de las cosas, una geografía de jardines
y cordilleras que le permitirá conectar con lo sagrado, acceder a lo real y
sus misterios.

Así el mundo se transforma con la palabra, se llena de sentidos y de
lecturas. Pero también encontramos el recurso contrario, la búsqueda de
ilogicidad. Gracias a la influencia del surrealismo, en Paz se desarrolla
todo un estudio de lo inconexo, de las relaciones inestables e ilógicas:
las letras de tu nombre son todavía una cicatriz que no se cierra. Aun así,
nos resistimos a tildar a Paz de surrealista, ni aún en sus poemas más
arriesgados —y coincidimos con la opinión del autor—, a pesar de su
conocimiento directo del grupo surrealista francés.

La palabra de Paz no sólo configura el poema por sus propiedades
semánticas, sino también a través de la ausencia de palabras. “La música /
inventa al silencio”, nos recuerda Paz en sus escritos. Efectivamente,
quien conoce el valor de la palabra conoce el del silencio. Probablemente
este valor, el del silencio, poco apreciado en nuestra ruidosa cultura, sea
en Paz una deuda con sus estudios orientales. Podrá el lector desprevenido
preguntarse cómo se puede alcanzar el silencio con palabras, y no faltará
quien lo juzgue como un hecho contradictorio. Una de las maneras más
evidentes de provocar la sensación de silencio es mediante una analogía con
el vacío, como veíamos en el poema “Ciudad de México”, en donde el uso de
versos sangrados configuraba un contrabalanceo casi pictórico entre masas
de letras y espacios en blanco. En algunas ocasiones Paz desembarca en una
“poesía espacial”, técnica de sabor vanguardista pero que nos remite a una
obra anterior, ya citada, como es Una tirada de dados nunca abolirá el azar
(1897), del francés Stéphane Mallarmé, y a los caligramas algo posteriores
de su compatriota Apollinaire. Paz sigue al segundo en sus topoemas y se
inspira en el primero para su elaboración de Blanco, del que reproducimos a
continuación su primera página:

      el comienzo
                el cimiento
      la simiente
                latente
      la palabra en la punta de la lengua
      inaudita              inaudible,
      impar
      grávida                  nula
                sin edad
      la enterrada con los ojos abiertos
      inocente            promiscua
               la palabra
      sin nombre           sin habla

No sólo formas compositivas como ésta configuran su retórica del silencio.
Otras, las de tradición oriental, son fácilmente analizables: falta de
verbos, estilo nominal, verso corto, sintaxis sencilla, mayor estima por la
sugerencia que por la exactitud, etc.

      Una gota de noche
      sobre la punta de tus senos.
      Enigmas de clavel.

            (1999: 380)

Y por supuesto, recursos léxicos relacionados con el campo semántico del
silencio:

      La ropa limpia
      tendida entre las piedras.
      Mírala y calla.

            (1999: 417, la cursiva es nuestra)

El silencio y el espacio reciben un tratamiento peculiar en la obra de Paz,
y mucho más el tema del tiempo. Su concepto de tiempo oscila entre los dos
extremos posibles, entre la eternidad y el instante. Es probable que para
sus apreciaciones de la eternidad (más abundantes en el primer tramo de su
obra poética) se valga del pensamiento mítico azteca, pensamiento de la
circularidad y el retorno, que aparecía en el comentado Piedra de sol,
poema en rondó, es decir, que empieza con los mismos versos con los que
acaba:

      un sauce de cristal, un chopo de agua,
      un alto surtidor que el viento arquea,
      un árbol bien plantado mas danzante,
      un caminar de río que se curva,
      avanza, retrocede, da un rodeo
      y llega siempre: (...)

En efecto, la piedra es el símbolo preferido de esta primera etapa para
designar el tiempo como un todo inmóvil, cerrado como el círculo, anterior
a todo lo creado:

      Como las piedras del Principio
      Como el principio de la Piedra
      Como al Principio piedra contra piedra
      Los fastos de la noche:
      El poema todavía sin rostro
      El bosque todavía sin árboles
      Los cantos todavía sin nombre

            (1999: 147)

Pero será la influencia oriental lo que enriquezca y haga virar su poética
sobre el tiempo. La necesidad de exaltar el instante, que encontramos en
otros autores hispanohablantes como Jiménez o Jorge Guillén, aparece
confrontada, en sus primeros escritos, a la idea de eternidad:

      En la cima del instante
      me dije “Ya soy eterno
      en la plenitud del tiempo”.

            (1999: 60)

Curiosamente, estos versos encajan a la perfección con el espíritu del
haikú japonés, en donde se pretende que la captación de un instante
trascienda la brevedad temporal y se sitúe en ese plano de plenitud que
pretendía Paz. Basho, el máximo creador de haikús japonés, lo definió como
“lo que está sucediendo en este lugar, en este momento”. Recordemos que Paz
tradujo la obra cumbre del autor nipón, Sendas de Oku. Bajo esta
perspectiva no sorprende, por tanto, encontrar en el autor mexicano versos
como: “El instante se congela, blancura compacta que ciega y no responde y
se desvanece, témpano empujado por corrientes circulares. Ha de volver” (en
“Hacia el poema”, 1999: 234). Circularidad y exaltación del instante se
combinan en la trayectoria del mexicano, aunque a medida que avanzamos en
su obra pareciera que cobrase mayor relevancia el instante frente a lo
eterno:

      La luz no parpadea,
      el tiempo se vacía de minutos,
      se ha detenido un pájaro en el aire

            (1999: 161)

Contra tanto orientalismo de pose y apariencia, encontramos en Paz la
adaptación de dichos valores y la incorporación plena y efectiva a su
poética de las propiedades del pensamiento oriental. Ya dijimos que sus
primeros pasos en la poética del silencio podrían derivar de esta
influencia, y ahora añadimos que el concepto de tiempo también. Y si para
hablarnos de ese tiempo redondo y circular tuvo que echar mano del símbolo
de la piedra, ahora el poeta hará lo propio con el pájaro como metáfora de
la instantaneidad en uno de los poemas más bellos que nos lega la poesía
paciana, broche con el que damos cierre a nuestra aproximación por los
lindes de su trayectoria lírica:

      La exclamación

      Quieto,
                 no en la rama
      en el aire
                 No en el aire
      en el instante
                     el colibrí.



Bibliografía consultada

 • BRADU, Fabienne (2004): Los puentes de la traducción: Octavio Paz y la
   poesía francesa, México, Unam.

 • GÓMEZ JIMÉNEZ, Jorge (1998): “El laberinto vital de Octavio Paz”, en
   Letralia, Tierra de Letras, mayo, Nº 46.

 • GONZÁLEZ, Juan (1990): El cuerpo y la letra. La cosmología poética de
   Octavio Paz, México, Fondo de Cultura Económica.

 • KIM, Kwon Tae Jung (1989): El elemento oriental en la poesía de Octavio
   Paz, Guadalajara (México), Universidad.

 • MURILLO GONZÁLEZ, Margarita (1987): Polaridad-unidad, caminos hacia
   Octavio Paz, México, Unam.

 • PAZ, Octavio (1972): El arco y la lira: el poema, la revelación poética,
   poesía e historia, México, Fondo de Cultura Económica (3ª ed.).
   — (1974a): Las peras del olmo, Barcelona, Seix Barral (2ª ed.).
   — (1980): In mediaciones, Barcelona, Seix Barral.
   — (1993): Los hijos del limo: del Romanticismo a la Vanguardia,
     Barcelona, Seix Barral (4ª ed.).
   — (1999): Obra poética (1935-1988), Barcelona, Galaxia Gutenberg.

 • PONIATOWSKA, Elena (1998): Octavio Paz: las palabras del árbol,
   Barcelona, Lumen.

 • RODRÍGUEZ, Marta (2002): Octavio Paz: Una visión de la poesía de
   occidente, Santiago de Chile, Ed. Delirio Poético.

 • RUIZ DE LA CIERVA, María del Carmen (1999): Octavio Paz: cultura
   literaria y teoría crítica, Murcia, Caja Murcia.

 • SHERIDAN, Guillermo (2004): Poeta con paisaje: ensayo sobre la vida de
   Octavio Paz, México, Era.

 • VÁZQUEZ VALLEJO, Salvador (2006): El pensamiento internacional de
   Octavio Paz, México, Porrúa.

 • VIZCAÍNO, Fernando (1993): Biografía política de Octavio Paz o La razón
   ardiente, Málaga, Ed. Algazara.

** Patricia Lozano Lucas
   patricialozanoluc@yahoo.es
   Filóloga española (Cuenca, 1982). Licenciada en filología hispánica por
   la Universidad Complutense de Madrid (UCM, http://www.ucm.es),
   especialidad en literatura española del siglo XX. Conocedora de la obra
   de Octavio Paz y de sus trabajos sobre la obra de sor Juana.

** Jorge Fernández Gonzalo
   jfgvk@hotmail.com
   Filólogo español (Madrid, 1982). Doctor en filología hispánica por la
   Universidad Complutense de Madrid (UCM, http://www.ucm.es). Ha publicado
   diversos estudios sobre poetas españoles (Claudio Rodríguez, Aníbal
   Núñez, Antonio Gamoneda) y filósofos (Foucault, Deleuze, Blanchot,
   Klossowski). Es además poeta, autor de cinco libros, por los que ha
   recibido diversos galardones. En breve saldrá a la luz su ensayo La
   muerte de Acteón. Hacia una arqueología del cuerpo, en la editorial
   española Entelequia.



=== Joaquín Torres-García =================================================
=== La búsqueda de lo universal en el arte      Elisabet Veliscek =========

Joaquín Torres-García (1) contribuyó enormemente en la construcción de un
arte que liberado del mimetismo y la copia de lo real, de lo que se
encuentra en la naturaleza y en lo material, pudiera expresarse mediante
símbolos y signos universales provenientes del alma y de la interioridad
espiritual, en la búsqueda de un orden cosmogónico. A través de este arte
universal, el artista promueve la construcción de la obra mediante el uso
de recursos formales básicos como el punto, la línea, el plano, figuras
geométricas simples, composiciones ortogonales estructuradas por medio de
horizontales y verticales, la utilización de la sección áurea, condición
matemática para organizar la distribución de la obra. Todo ello expresado a
través de un arte “monumental, planista y bidimensional, esquemático y
sintético” (2) para evitar y reemplazar la imitación-descripción por la
armonía, la proporción y la medida conjugando los símbolos universales con
la construcción, de ahí el nombre de universalismo constructivo: construir
formas geométricas a través de signos, signos que no necesiten de una
interpretación intelectual, o de un sentido estético, sino que tengan un
valor en sí mismos como símbolos mágicos —proveniente del alma, de la
intuición, del espíritu—, así como en las tradiciones artísticas
precolombinas que expresaban el cosmos y el ritual.

Coincidimos con Juan Flo en su visión, al enunciar que las obras de
Torres-García proporcionaban aquello que las culturas primitivas tenían de
“antiestético”, es decir, buscaba superar lo estético, para generar un arte
esotérico, metafísico y popular. En este sentido, la cultura prehispánica
serviría de inspiración y de herencia, pero no de recuperación o
reivindicación de lo indígena. Torres trataba de encontrar en las culturas
primitivas aquellos aspectos sobre cómo se situaban en el arte, cómo
articulaban las manifestaciones estéticas para darle luego a aquellas ideas
un sentido totalmente nuevo. La intención era resignificar las miradas y
perspectivas estéticas indígenas, para contar lo propio pero de una manera
diferente, evitando caer en localismos o copias de las anteriores lógicas
culturales. Recuperar la bidimensionalidad y la frontalidad ya presentes en
los pueblos originarios, generar un entrecruzamiento con lo moderno y con
las vanguardias tenía como objeto producir un arte de América, con
sustancia propia, con un estilo, sin olvidar lo próximo, pero tampoco lo
distanciado, aquello que se producía en el viejo continente. En palabras de
Torres “Este lenguaje simbólico, viviente y bien real, es el más profundo y
completo que puede expresar el arte” (3). Con esta sugerencia, Torres
planteaba la crisis del arte moderno, la falta de una propuesta coherente
en Uruguay y una posible solución o respuesta hacia ese inconveniente. No
obstante, la nueva proposición se halló cargada de polémicas
manifestaciones, ideas controvertidas y proyectos utópicos, que a veces
resultaron difíciles, si no imposibles de llevar a cabo en el paisaje
artístico americano.



La dimensión simbólica

Es conocido ya que las formas simbólicas no representan una imagen (ícono),
o una cosa determinada sino que su significado es metafísico, se encuentra
alejado de la imitación adquiriendo sentidos profundos e indeterminados que
se relacionan con la cultura, el espacio, el tiempo o la interpretación
personal. El símbolo reúne la magia, la alquimia y la sugestión. Un ejemplo
claro son las pinturas rupestres, que durante siglos han sido consideradas
enigmáticas y de valor mágico. Sus alcances no pueden comprenderse a través
de los libros o mediante procesos eruditos, ya que las manifestaciones
connotaban sentidos místicos e íntimos relacionados con la sociedad del
momento, generando una red de profundos significados y contenidos ocultos,
evocando algo espiritual, ausente e inmaterial.

De manera similar, la expresión simbólica constituida por Torres-García
sólo puede ser traducida por medio de la intuición. Diferimos de la
propuesta que el escritor británico Lucie-Smith realiza en su libro Arte
latinoamericano del siglo XX cuando hace referencia a que los objetos
simbólicos en las obras de Torres, colocados dentro de los compartimentos
formados por horizontales y verticales, pueden tener un significado
específico, de manera que la pintura también vale ser leída como un texto.
Podemos afirmar, no obstante, que el artista montevideano distingue en
reiteradas ocasiones que no se trata de un lenguaje codificado que hay que
descifrar, “no es algo intelectual (algo que debe interpretarse o leerse)”
(4), sino que los signos se representan y se exponen a sí mismos. Es decir,
la forma simbólica que pudiera ser traducida en alguna idea o lograra
leerse como un texto o lenguaje no expresaba aquello que Torres-García
promulgaba en sus pensamientos acerca de un símbolo creado e interpretado
por medio de la visión personal e intuitiva que se plasmara en un arte
intemporal y colectivo. Podríamos decir, prolongando ideas de Adolfo
Maslach (5), que el sentido o el significado del símbolo-signo es esotérico
de manera que no puede entenderse por medio de la razón o del intelecto,
sus connotaciones van más allá de lo material relacionándose con el
espíritu sublime e interior y sabemos que lo sublime excede lo bello, es
extraestético. En este sentido, para Torres lo bello ya no es un fin en sí
mismo, es sólo un posible resultado, que puede incluir aquello
culturalmente desdeñado y considerado como ornamento o decoración en las
manifestaciones actuales, pero que para las culturas primitivas tenía
significados complejos además de un profundo valor estético. En palabras de
Torres-García:

      Lo que se ha tomado, pues, por arte decorativo, y hasta por ornamento
      en el arte primitivo y antiguo, vemos que es siempre arte simbólico.
      Y que ni uno ni el otro tienen por base, por esta misma razón, la
      idea de la belleza, sino el expresar algo muy profundo. Y que esto no
      lo expresa descriptivamente lo prueba el hecho de que aquella forma
      (sea una cruz, sea una forma cualquiera fetichista) tiene (o tuvo),
      para aquella gente, valor sagrado, mágico por esto (6).

La idea del valor mágico o sagrado en las representaciones artísticas
estuvo siempre muy presente en el pintor, pero es a partir de su regreso a
Montevideo cuando comienza a desarrollar más ampliamente sus reflexiones
acerca de los signos geométricos, las grillas ortogonales, las formas
entramadas, la organización plana ornamental; todos elementos particulares
o característicos del arte antiguo de América presentes en los diseños
tejidos u oficios relacionados a la creación como la alfarería. Estas
formas y gestos, a través de un estilo geométrico, esquemático y universal,
proporcionaban las “primeras expresiones de ideas convencionales” (7), las
nacientes formas de ordenar y plasmar los conocimientos y valores sobre la
realidad empírica, pero también sobre la espiritualidad esotérica y ritual
a través de la configuración de dioses y seres místicos con la intención de
plasmar la existencia interior, repleta de mensajes ocultos y lenguajes
simbólicos que agrupaban una serie de significados y nociones abstractas.
Similarmente, Torres consideraba de gran poder creativo el dibujo infantil
(con formas planas y simples) que no se encontraba desnaturalizado o
distorsionado por el aprendizaje de la perspectiva o de los elementos que
auxiliaban a la tridimensión, los cuales para el artista aportaban una
visión falsa e ilusoria de la realidad.



Geometría y esoterismo

En sus obras, Torres-García se caracterizó por el énfasis otorgado a la
esotérica numerológica con la intención de establecer una estructura
abstracta y geométrica, para lo cual se inició en el conocimiento acerca de
las propiedades de los números y de la razón áurea —un número irracional
infinito al que se le atribuía un valor místico. Según Paternosto, la
sección áurea está colmada de significados ocultos como “la magia de los
números o la simbología medieval escondida en la arquitectura de las
catedrales” (8). De esta manera, Torres utilizaba e incorporaba los números
para representar las cualidades y propiedades de las cosas, formas y
objetos, sumado esto a su herencia de las tradicionales formas artísticas
del neoplasticismo, con las cuales había estado familiarizado años atrás,
que promulgaban la abstracción pura a través de la proporción y del orden.
No hay que olvidar que Torres tuvo una gran influencia de esta corriente,
donde confluían muchos de los ideales y utopías acerca de un arte que
plasmara la pureza, la armonía y el interés esotérico. Aun así, estas
teorías no completaban los ideales del pintor, que pronto se encontró con
la necesidad de un nuevo arte que articulara los aspectos espirituales de
las civilizaciones antiguas con la formalidad abstracta para integrar y
evitar los extremos proponiendo el ya citado universalismo constructivo,
que ofreciera una manera diferente de ver el arte y de pensar el mundo.

Los números, de esta manera, se encuentran íntimamente relacionados con la
geometría, proporcionan el “lenguaje gráfico de la razón” (9), del orden,
que se expresa a través de la obra por medio de las estructuras. La
geometría refuerza la construcción abstracta, lo que torna las formas en
simbólicas, generando como consecuencia un arte plástico universal,
geométrico y constructivo.

A su vez, podemos encontrar antecedentes de la simbología
numérico-esotérica en las formas de representación andina, que a través de
los quipus —nudos sujetados en cuerdas para anotar o registrar cuestiones
numéricas como fechas o cálculos, o para relatar historias místicas y
espirituales— concentraban una red de significados y sentidos particulares
a través de símbolos cabalísticos-alquímicos. Los quipus articulaban la
información tejida y las “connotaciones calendáricas” (10) con los signos
geométricos decorativos, entendida la ornamentación como un modo de
construir y representar ciertos valores intrínsecos.

Como decíamos, para Torres-García el lenguaje y las formas simbólicas no
sólo pertenecen al ámbito racional, numérico o geométrico, sino que también
son resultado de la intuición, del plano mental y del alma del artista. Al
conjugar racionalidad y lógica con misticismo y espiritualidad los signos
participan del mundo de los sueños, del subconsciente y de lo irracional.
Este juego del inconsciente es esencial para el arte, pero siempre apoyado
en los principios geométricos y en el ordenamiento estructural racional,
para no operar con figuras y sueños sino con formas, que son la base del
constructivismo. El mismo autor explica:

      Pues bien, ciertas intuiciones del artista, ¿no son a manera de
      sueños? En efecto, si el artista es un creador de símbolos, es porque
      la forma simbólica es, no solamente algo dentro de la estructura
      racional, sino aun del alma y de la materia, y surge formada como de
      una pieza; y de ahí el que tenga, en cierto modo, como un valor
      mágico (11).

En este sentido, la dimensión simbólica que Torres-García propugnaba en su
teoría estética se relacionaba íntimamente con las formas de representación
desplegadas en la civilización precolombina, considerada por el artista
montevideano como una de las tradiciones heredadas más grandes del mundo
(12) para los americanos, al igual que la civilización griega lo había sido
para los europeos. De esta manera, letras, signos, números y símbolos se
interrelacionan en las obras constructivas configurando una nueva manera de
obrar, una forma de conectar lo primitivo con lo actual, así como las
tradicionales expresiones heredadas con las formas inéditas de vanguardia,
fusionando épocas y métodos artísticos diferentes, pero a la vez similares
en sus concepciones y formas simbólicas.

Podríamos decir entonces que los signos y expresiones reflejan la necesidad
de exponer un mundo inmaterial, extraestético, que supere la realidad en
busca de lo espiritual y místico, para escapar por un momento de la
apariencia, de la existencia física o de lo superfluo en favor de la
ilusión y la magia.

Las obras y los ideales que Torres-García ha proporcionado han situado el
arte en un plano simbólico articulando el mundo emocional, físico e
intelectual, en donde cada forma y figura se ordena de acuerdo a la armonía
total, la unidad y la proporción. Sus ideas extravagantes y utópicas han
ofrecido una inspiración para otros artistas que vieron en Torres-García un
modelo, un ejemplo de lo pasional y aventurado que puede llegar a ser el
arte cuando se insiste y se defienden teorías, por más irreales que éstas
sean...



Notas

 1. Artista uruguayo (1874-1949). A los diecisiete años se muda a España
    con su familia, y ahí comienza sus estudios artísticos. Luego de
    experimentar un largo periodo de su vida en el ámbito europeo, vuelve a
    Montevideo, su ciudad natal, a la edad de cincuenta y nueve años,
    desafiando al arraigado muralismo mexicano que promulgaba un
    nacionalismo pictórico. Para Torres-García el arte debía ser universal,
    ni nacional, ni formalista. De esta manera propone el universalismo
    constructivo, para lo cual ha generado una amplia producción de
    escritos con la intención de completar su utopía sobre una
    transformación del arte americano. Esta inversión de los valores
    hegemónicos puede observarse en el dibujo de América invertida, que
    buscaba afianzar la identidad nacional, pero sin caer en el cliché o en
    el arte autóctono.

 2. TORRES-GARCÍA, Joaquín, “La escuela del Sur” (1935), en RAMÍREZ,
    Maricarmen, La escuela del Sur. El taller Torres-García y su legado,
    Madrid, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, jul.-ag. 1991.

 3. TORRES-GARCÍA, Joaquín, Universalismo constructivo. Contribución a la
    unificación del arte y la cultura de América. Buenos Aires, ed:
    Poseidón, 1944, pág. 99, lección 12.

 4. Ibídem. Pág. 100. El resaltado es nuestro.

 5. Arquitecto, coleccionista y escritor que ha investigado intensamente
    las obras de Torres-García, y de aquellos artistas asociados a él.
    MASLACH, Adolfo, “El esoterismo en el arte de Joaquín Torres-García”,
    en Intercambios del Modernismo, Washington, 1992, pp. 215-239.

 6. Ibídem.

 7. PATERNOSTO, César, “Los signos geométricos andinos”, en Piedra
    abstracta. La escultura inca: una visión contemporánea, Buenos Aires,
    FCE, 1989.

 8. PATERNOSTO, César, “El aspecto constructivista”, en Piedra abstracta.
    La escultura inca: una visión contemporánea, Buenos Aires, FCE, 1989.

 9. TORRES-GARCÍA, Joaquín. Op. cit., pág. 98.

10. PATERNOSTO, César, “Los signos geométricos andinos”, op. cit. Pág. 149.

11. Ibídem, pág. 99.

12. FLETCHER, Valerie, Intercambios del Modernismo, Washington, 1992, pp.
    102-126.



Bibliografía general

 • FLETCHER, Valerie, Intercambios del Modernismo, Washington, 1992, pp.
   102-126. MASLACH, Adolfo, “El esoterismo en el arte de Joaquín
   Torres-García”, en Intercambios del Modernismo, Washington, 1992, pp.
   215-239.

 • FLO, Juan, “Torres-García. Desde Montevideo” y BARNITZ, Jacqueline, “El
   Taller Torres-García. Un movimiento de artes aplicadas en Uruguay” en La
   Escuela del Sur. El Taller Torres-García y su legado, Madrid, Museo
   Nacional Centro de Arte Reina Sofía, jul.-ag. 1991. Separata, pp. 7-37.

 • LUCIE-SMITH, Edward, Arte latinoamericano del siglo XX. Ediciones
   Destino, S.A, 1994. Colección: El mundo del arte, 30.

 • PATERNOSTO, César, “Los signos geométricos andinos”, “El aspecto
   constructivista” y “Simbolismo”, en Piedra abstracta. La escultura inca:
   una visión contemporánea, Buenos Aires, FCE, 1989.

 • TORRES-GARCÍA, Joaquín, “La escuela del Sur” (1935), en RAMÍREZ,
   Maricarmen, La escuela del Sur. El taller Torres-García y su legado,
   Madrid, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, jul.-ag. 1991.

 • TORRES-GARCÍA, Joaquín, Universalismo constructivo. Contribución a la
   unificación del arte y la cultura de América. Buenos Aires, ed:
   Poseidón, 1944.

** Elisabet Veliscek
   elisabet_rosario@hotmail.com
   Investigadora argentina (Rosario, Santa Fe, 1987). Es artista plástica y
   licenciada bellas artes con orientación en teoría y crítica, egresada de
   la Universidad Nacional de Rosario (UNR, http://www.unr.edu.ar). Ha
   participado en exposiciones colectivas en su ciudad natal.



=== El enigma del individuo ===============================================
=== en la obra de Víctor Montoya y Mariano Azuela      Michael Abbott =====

                  “Hay que preferir el infierno real al paraíso imaginario”
                                                                Simone Weil

En ocasiones la literatura permite trascender la realidad para aportar
nuevas percepciones en torno a conceptos anteriormente concebidos como
nítidos e inmutables por la historia, la cual a menudo establece los
confines del conocimiento. Si estos confines ya de por sí constituyen una
barrera al conocimiento, la naturaleza colectiva de la historia también
entorpece la búsqueda de la denominada “realidad”, vivida tanto a nivel
individual como colectivo. Impuesta desde arriba por mecanismos políticos,
sociales o históricos, lo que se entiende por “historia” siempre se trata
de un ejercicio colectivo que avasalla las experiencias individuales de la
realidad histórica.

Es por ello que dar validez únicamente a la historia, considerándola la
única manera de conocer el pasado, deja al individuo en una situación de
incertidumbre. Sin saber de qué manera encaja su realidad personal dentro
de la historia que tiende a ser colectiva, al individuo rara vez se le
provee de voz. Sin temor a exagerar por lo que revelan las obras Los de
abajo y El laberinto del pecado, de Mariano Azuela y Víctor Montoya,
respectivamente, se puede afirmar que las experiencias individuales se
suprimen a cambio de imponer una única e irrefutable perspectiva colectiva.

Con una destreza loable, la historia aparta al individuo de una realidad
creada en base a naciones, doctrinas, regímenes, guerras a gran escala y
sistemas económicos, de manera que al final no queda hueco para ninguna
perspectiva individual ni personal dentro de la misma. Hasta los individuos
más notorios de la historia, tomando como ejemplo al Che, concebido
únicamente en el plano superficial de la historia, no pasa de ser un
revolucionario marxista cuya fama alcanzó su ápice en la Revolución cubana.
Ahora bien, incluso cuando se pretende dotar de individualidad a personajes
históricos ilustres, como es el caso del Che en la nación cubana, se los
sitúa firmemente dentro del panorama abarcador y colectivo que la historia
ofrece. De esta manera las anécdotas supuestamente verídicas que se cuentan
en Cuba del Che “valiente” que rescata a un compañero herido en plena
escaramuza y del Che “honesto”, caracterizado por la austeridad en el
reparto de materiales de primera necesidad, destacan las cualidades
personales más afines a los conceptos comunistas de la camaradería.

La individualidad despojada por la historia se destaca únicamente cuando
sirve para enriquecerla, en casos como los del Che donde la individualidad
se pone al servicio de la historia. Sin tener en cuenta las vivencias
individuales apartadas del enfoque colectivo de la historia, rara vez se
logra relatar con objetividad la faceta de la realidad vivida y construida
por individuos, lo cual en palabras del célebre escritor Carlos Fuentes se
resume con la frase: “No hay globalidad que sirva, sin localidad que
valga”.

Al estudiar de manera concienzuda la historia latinoamericana se topa
incesantemente contra muros de la historia que prohíben acercarse a las
experiencias personales de personas cuya “localidad” se omite por culpa de
la “globalidad” de la mirada histórica. Como consecuencia de esta supresión
de lo individual, de manera colectiva y por parte de la historia, se
propicia la mitificación de figuras históricas como el Che, así como el
revolucionario mexicano y el minero boliviano, convertidos así en ídolos a
respetar por su empeño colectivo, principios nobles y naturaleza
incorruptible. Sin embargo, tal mitificación lleva a una situación de
incertidumbre personal para aquellos cuya “localidad”, es decir, sus
vivencias personales, no corresponden para nada con la “globalidad” de la
que supuestamente forman parte en el contexto histórico.

Lo que la historia pasa por alto, e incluso modifica si ello es preciso
para encajar mejor en la perspectiva colectiva y global histórica, es
decir, la individualidad, es precisamente lo que la literatura se empeña en
sacar a flote. Y si bien a veces se concibe la literatura como una
herramienta de contenido fantástico, muy alejada de la realidad histórica,
y por lo tanto incapaz de relatarla, las obras de Mariano Azuela y Víctor
Montoya sirven para demostrar precisamente lo contrario: que el mundo
literario no sólo se limita a presentar la historia tal como sucedió, sino
que también destruye las mitologías y versiones equivocadas surgidas a
partir de las deficiencias intrínsecas de la mirada histórica. En su afán
de depender más de la “globalidad” que de la “localidad”, la historia omite
cualquier experiencia individual salvo en casos en los que la historia se
beneficia a cambio de adaptar la individualidad a su antojo.

A diferencia de la historia, la literatura, y particularmente las obras
literarias Los de abajo y El laberinto del pecado, escritas por Mariano
Azuela y Víctor Montoya, respectivamente, permiten indagar en las
profundidades de la individualidad y descubrir de qué manera influye y se
deja influir por la historia. En las dos obras se intuye perfectamente que
el propósito de ambos autores es el de echar abajo la globalidad histórica,
para así dar paso a las experiencias individuales de las que está compuesta
la historia. Paralelamente, al resaltar lo individual por encima de lo
colectivo, la literatura sirve además para descalificar la mitificación de
las figuras del revolucionario mexicano y el minero boliviano en aras de
poner de relieve la faceta más humana de ambas.

Si la perspectiva histórica ofrece una mitología simplista del minero
boliviano y del revolucionario mexicano como figuras colectivas, la
literatura concibe todo lo contrario con situaciones y personajes
individuales que exponen la falible naturaleza humana, plagada de motivos
egoístas, identidades volátiles y principios vagos. Montoya y Azuela se
proponen plasmar las experiencias individuales, a rescatarlas de entre las
tinieblas de la mirada histórica colectiva, y de esa manera conseguir,
echando mano de una estructura ingeniosa que presenta en ambas obras
primero lo local a través de la familia, contrastado y disminuido al final
con lo global e histórico mediante lo telúrico. Dicha estructura paralela
implica la destrucción de mitologías en torno al minero boliviano y
revolucionario mexicano hasta ahora consideradas veraces.

En sus intentos de tumbar la mitología en torno al minero boliviano y el
revolucionario mexicano como figuras comprometidas con el colectivo y
puramente reivindicativas, ambos autores apartan a los protagonistas del
contexto histórico-colectivo, sin que por ello desaparezca necesariamente
del todo la faceta colectiva de sus denuncias. Demetrio Macías y Manuel
Ventura, los protagonistas respectivamente, personifican la denuncia —tanto
de Los de abajo y El laberinto del pecado— del campesino mexicano, en el
caso de Macías, como del minero boliviano, en el caso de Ventura. A
diferencia de la mirada histórica que permite contemplar las denuncias del
pasado sólo de forma colectiva, Montoya y Azuela emplean la familia para
dar a entender que, aunque lo colectivo influye en la formación de la
figura reivindicativa del minero y revolucionario, es más bien lo colectivo
vivido y sentido cerca del individuo, en la familia, por ejemplo, lo que
más los inspira a denunciar. Toda familia, por el mero hecho de pertenecer
a un colectivo social, cultural o económico, imparte a sus miembros la
identidad colectiva, fruto de haber nacido en el seno de una familia
campesina (Macías) o minera (Ventura). Es por este motivo que los
personajes de Demetrio Macías y Manuel Ventura se dejan influir sólo por
las injusticias sufridas por el único aspecto tangible del colectivo al que
pertenecen, que viene a ser la familia.

Como institución que engloba lo individual y lo colectivo por igual, la
familia constituye un punto de partida idóneo para comprender en qué se
inspiran las figuras históricas ejemplificadas por Demetrio Macías y Manuel
Ventura. Al arrancar ambas obras de la misma manera, asentando la narrativa
personal de los protagonistas dentro del núcleo familiar, tanto Montoya
como Azuela dan a entender que son las experiencias personales vividas en
familia las que marcan las pautas de sus denuncias y no las exigencias del
colectivo al que pertenecen. La primera escena de Los de abajo relata lo
que va a llevar al protagonista, el revolucionario Demetrio Macías, a
abandonar su familia después de recibir en casa a dos soldados federales
que amenazan con violar a su mujer. Mientras tanto, Demetrio se encuentra
escondido a solas y, por lo tanto, fuera del ámbito colectivo de la familia
y la historia en su propia casa para que los soldados no se percaten de su
presencia. Desde su escondite atestigua la muerte de su perro a manos de
los federales sin razón alguna, así como el intento de violar a su mujer y
de hacerse por la fuerza con algo de comida, poniendo énfasis en la mirada
individual de los que viven y padecen la historia. Es aquí donde se percibe
que la amenaza de los federales, despiadados para con sus compatriotas
mexicanos, constituye una amenaza no sólo a la clase indígena y campesina
mexicana, víctimas durante años del cruel sistema latifundista como enseña
la historia, sino también al cobijo colectivo de la familia. De ahí que
Demetrio Macías emprenda la lucha revolucionaria empujado por motivos
individualistas, que tienen más que ver con el colectivo reducido de su
familia que con el de la sociedad.

A diferencia de Demetrio Macías, Manuel Ventura es miembro de una familia
cuyas experiencias traumáticas se hallan en las tinieblas de la historia
familiar. El laberinto del pecado comienza con los recuerdos históricos de
la nación boliviana, cuya historia de colonización y conquista crea un
sórdido panorama al que tiene que afrontarse el minero en su lucha por una
sociedad más justa y equitativa. Sin embargo, la historia de la zona de
donde proviene Manuel se presenta en la novela como algo distante, en la
que sólo inciden personajes destacados como el conquistador ibérico Juan
del Valle y un “mestizo, de rostro cuadrangular y bigote espeso”, que “se
convirtió en el más próspero de los industriales mineros” tras explotar una
mina. La única manera que tiene Manuel Ventura de adentrarse realmente en
la historia, para formar parte de ella, es a través de los tangibles
vínculos familiares, razón por la cual recuerda vívidamente el relato de
una huelga minera que acabó en masacre contado por su padre. Pero aun así
Manuel Ventura no se siente del todo identificado con las injusticias a las
que están sometidos los mineros bolivianos, él más bien se preocupa por
asuntos triviales propios de la juventud por no haber aguantado en carne
propia los abusos de los que le habla su padre y que Demetrio Macías, en
Los de abajo, ve delante de él.           

Al ser una institución social un tanto vaga y nebulosa por la capacidad del
individuo de sentirse parte del colectivo familiar o simplemente un miembro
individual más, la familia, al igual que la historia, permite tanto una
visión “global” o “local”, como alude Carlos Fuentes. Para Manuel Ventura,
la perspectiva global de la masacre de Catavi descrita por su padre, aunque
afecta a su familia, no inspira en él sentimientos reivindicativos de
denuncia por tratarse de un hecho vivido fuera del ámbito individual. En
esa misma línea de ambivalencia hacia las vivencias deplorables de sus
conciudadanos mineros, Manuel Ventura no muestra ni el menor interés en
cuestiones de índole política hasta entablar una amistad más profunda con
Clarice, una compañera suya de clase. Manuel Ventura se siente hasta tal
punto “atraído por esa misteriosa masculinidad y por esos ideales
revolucionarios que ella sabía defender con pasión y coraje”. La
transformación de Manuel, paulatina pero evidente, en un ser consciente de
la realidad colectiva que lo rodea en la forma de masacres mineras
perpetradas por el gobierno y propaganda desenfrenada, surge a raíz del
interés amoroso que siente por Clarice.

De hecho, no es hasta que se le muere el padre, asesinado supuestamente a
manos del gobierno por ser dirigente sindical, que Manuel empieza, por su
propia cuenta, a reconocer la vida desgraciada del minero, como bien indica
la primera frase del capítulo VIII: “A Manuel Ventura, desde el día en que
murió su padre, se le filtró la desgracia por los poros, sometiéndolo a una
insondable melancolía”. De ahí que las novelas planteen que sólo las
injusticias vividas de cerca, y no con la mirada colectiva inherente a
veces tanto a la familia como a la historia, sean el ímpetu detrás de la
denuncia individual.

Entendida como un microcosmos de la historia, la institución familiar se
concibe en términos colectivos, cosa que a veces conduce a la nula
plasmación de las experiencias individuales. De esta manera se entiende la
utilización del núcleo familiar por parte de Montoya y Azuela como un
intento de dar cabida a una participación y concientización individual
dentro de una esfera colectiva, la cual se sostiene y nutre gracias al
individuo y no al revés. Partiendo de esta suposición, se establece la
figura del individuo impelido hacia posturas revolucionarias y
reivindicativas de interés común por decisión propia y no necesariamente
por el mero hecho de pertenecer a un colectivo determinado.

Demetrio Macías es revolucionario en defensa de su familia por las
injusticias que ve perpetradas contra ella y también por una rencilla como
consecuencia de un asunto personal entre él y el cacique don Mónico. Manuel
Ventura se mete a minero “en reemplazo de su padre”, tras el asesinato del
mismo. Es por ello que el mito de la figura histórica comprometida
intrínsecamente con las reivindicaciones y las exigencias, sin ningún
motivo más allá de cumplir con las obligaciones del colectivo (perspectiva
de “globalidad”), se desvanece en El laberinto del pecado y Los de abajo.

Tal desvanecimiento, ocurrido a cambio de dotar de localidad a Manuel
Ventura y Demetrio Macías, en todo caso, no es exento de complicaciones
para ambos, puesto que de paso crea una identidad problemática situada a
medio camino entre los impulsos individualistas de ambos y la colectividad
entrañada por identificarse con movimientos sociales como lo son la
Revolución mexicana y el colectivo minero. Aunque el pueblo galvanizado,
escudriñado bajo la lupa de la mirada histórica, sea relevante sólo en
cuanto a su faceta colectiva de acción y lucha para promover cambios,
Montoya y Azuela por igual muestran con sus obras que dicha galvanización
viene siempre de la mano de individuos. Imprescindible la cita de Carlos
Fuentes para comprender en qué consiste la visión literaria de los dos
autores: “No hay globalidad que sirva, sin localidad que valga”. Individuos
como Demetrio Macías y Manuel Ventura, ambos enfrentados de pronto a una
realidad colectiva, y a veces hasta confusa y desconcertante para ellos,
que se propone servirles de ayuda en preocupaciones y motivaciones brotadas
a nivel individual.

Curiosamente, en el caso de ambas obras tanto Montoya como Azuela emplean
lo telúrico, o sea, elementos relativos a la tierra para dilucidar el
difícil encajamiento de motivos individualistas en un todo colectivo.

Resulta sumamente interesante comprobar, a modo de ejemplo de cómo lo
colectivo pasa por alto las experiencias individuales, la función del sueño
erótico de Manuel Ventura al final del primer capítulo de la obra de
Montoya, y su relación con las minas. El sueño erótico en el contexto de la
obra revela la dualidad de un personaje atrapado entre vivencias personales
y colectivas. Al vivir en una sociedad regida por unas pautas morales
establecidas por la Iglesia católica, los sueños de Manuel, si bien
únicamente recaen en él, están también sujetos a la valoración de la
sociedad y los elementos colectivos de la clase minera boliviana por
extensión. Con razón acude Manuel Ventura de inmediato “a la iglesia a
confesar su pecado”, un pecado tan suyo como de la sociedad que le ha
enseñado a no tener sueños eróticos. El laberinto del pecado despliega la
visión de una sociedad donde ni las intimidades pueden quedar como tales,
donde lo individual está siempre bajo el yugo de lo colectivo.

Hasta la principal desgracia que obliga a Manuel Ventura a emprender la
vida minera, la muerte de su padre, se considera en clave colectiva como un
suceso más que lamentar en una larga sucesión de desgracias. Este punto lo
demuestra Víbora, un trabajador en la mina también en reemplazo de su
padre. Las vivencias de Víbora corresponden a la perfección, por esta
llamativa semejanza de padres muertos, a las de Manuel Ventura. Mediante
una conversación con Víbora, Manuel Ventura descubre que ni Clarice,
asesinada por “un estricto enamorado” militar, se libra de formar parte de
la sucesión de desgracias colectivas, de víctimas acumuladas a lo largo de
los siglos y cuyos nombres hacen recordar a otros muertos sin justificación
alguna. “¡Así son estos carajos! A mi padre también lo mataron ellos en la
masacre minera de San Juan”, exclama el Víbora al enterarse de la muerte de
Clarice, de manera que Montoya subyuga las experiencias personales de
Manuel Ventura, colocándolas así en un segundo plano con respecto a la
historia colectiva de los mineros bolivianos.

De ahí que las minas oscuras y enmarañadas, donde todo y todos están
vinculados y entrelazados entre sí al formar parte de un colectivo que
reclama como suyas las experiencias individuales, sean el símbolo de la
minimización del individuo dentro de lo colectivo. La colectividad del
símbolo de las minas abarca y asimila las desgracias individuales de todos
los mineros por igual, lo cual, en ocasiones, impide que éstas se conozcan
y permanezcan ocultas como las mismas minas. Montoya demuestra este punto
con el ejemplo del guerrillero en el último capítulo de su obra. En una
noche de desesperación, conmovido no ya sólo por la muerte de su padre,
sino también por la muerte de su amante Candelaria en pleno parto, Manuel
Ventura se acerca a un bar donde escucha, de boca de un guerrillero
jactancioso, el relato de cómo éste sobrevivió a una emboscada enemiga.
Mientras el guerrillero es una figura alardeada por su gran trascendencia
pública, el minero está obligado a soportar el olvido generado por habitar
un espacio oscuro en el sentido real y figurativo. Un lugar, por añadidura,
plagado de tanta desgracia individual que, en palabras de Manuel Ventura:
“lo único que nos depara el destino a los hijos de los mineros” es
“trabajar hasta reventar con mal de mina”, destino de siempre, compartido
colectivamente y sin faz humana que permita a los de fuera de la mina
compadecerse de ellos.

Por si esto fuese poco, la perdida y minimización de las experiencias
individuales que llevan a uno a pertenecer a un colectivo determinado
también implican la destrucción de fundamentos sobre los que se asienta
dicho colectivo. De esta manera se reducen a nada todas las tradiciones y
mitologías surgidas en torno a la minería andina para Manuel Ventura, quien
no halla en ellas escapatoria factible a su desesperada situación de
minero. En la obra de Montoya, hasta lo colectivo, ejemplificado por la
figura mitológica de las minas andinas por excelencia, el Tío —dios y
diablo en la mitología andina—, se ve en una posición precaria al dejar de
lado todas las experiencias individuales que lo conforman cuando Manuel
Ventura rumia y se da cuenta de que “la muerte de un minero no se da cuando
el Tío quería, sino cuando al destino se le venía en gana”.

Otra manera de presentar una versión no mitificada ni falaz de la historia
de la figura del minero con enfoque telúrico se encuentra ya desde el
título mismo de la obra de Montoya. El laberinto del pecado, sin desviarse
demasiado del título en sí, da a entender que la historia es un conjunto
complejo en forma de laberinto, en el cual se intercalan elementos
colectivos e individuales imposibles de comprender con una visión limitada
del minero boliviano como miembro de un colectivo amplio y unido. Para
Montoya, la historia sobrepasa los límites de lo colectivo y requiere de
una indagación profunda, casi como si la misma alma humana fuese una mina,
a fin de dotar a la historia de una faceta personal. Sin embargo, como ya
se ha señalado anteriormente, tal indagación personal no es siempre del
todo satisfactoria en el sentido de que deconstruye al individuo al
apresarlo dentro de un espacio colectivo, la mina en este caso en
particular. El adentrarse en las minas laberínticas, según la obra de
Montoya, conlleva a veces zambullirse en lo colectivo, hasta considerarse
tan sólo como un peldaño más llamado Manuel Ventura en la larga historia
colectiva del minero oprimido.

Difícilmente se puede compaginar lo individual con lo colectivo, y son
precisamente los elementos telúricos de El laberinto del pecado los que
demuestran la tendencia de todo movimiento colectivo a apropiarse de
vivencias y motivos individuales para encajarlos dentro de un espacio
compartido por todos. De una manera semejante ejerce lo telúrico sobre el
personaje Demetrio Macías en Los de abajo una vez que cunde en él la
indignación tras la visita de dos soldados federales a su casa. El intento
de violar a la mujer de Demetrio Macías y la muerte de su perro son dos de
las secuelas que dejan tras de sí los federales, impeliéndolo a aunarse de
pleno a un grupo revolucionario del cual él es líder. Sin embargo, al
dedicarse de pleno a un movimiento colectivo por razones individuales,
Demetrio Macías corre el riesgo de ver su causa personal, es decir, la
defensa de su familia, eclipsada y ocultada bajo el gran yugo de lo
colectivo como sucede en el caso de Manuel Ventura.

Echando mano de lo telúrico, en una de las escenas quizá más
representativas de toda la obra de Azuela, el público lector asiste a la
inversión de lo colectivo y lo individual. Enfrentados el bando
revolucionario de Demetrio Macías y el bando de los federales en un arroyo,
lo telúrico incide en esta escaramuza en el sentido de que unos, los
federales, se hallan cerca del fondo del peñascal mientras Demetrio Macías
y sus hombres se sitúan por encima de ellos en un despeñadero. Si hay algo
que esta escena muestra es precisamente el ennoblecimiento del grupo
revolucionario, y su situación de superioridad moral entendida gracias a su
ubicación privilegiada en el espacio telúrico. De todas formas, el
ennoblecimiento ocurre en detrimento de los anhelos individuales de
personas como Demetrio Macías, luchadores inspirados no en los abstractos
conceptos revolucionarios, sino en las injusticias sufridas de cerca para
defender a su familia de los federales y a sí mismo contra las vilezas de
don Mónico. Al encontrase inmerso en un grupo ennoblecido por lo telúrico,
todos los elementos constitutivos de Demetrio Macías se empiezan a
incorporar al discurso revolucionario y colectivo de la Revolución
mexicana, en cuanto a la tierra se refiere. Cabe destacar que la Revolución
mexicana se suele explicar remontando a determinados antecedentes sociales
y económicos, muchos de ellos relacionados precisamente con la tierra y el
mal uso que le daban hacendados y latifundios con altos costes para
agricultores independientes e indígenas.

Imprescindibles para comprender la función de lo telúrico en el
ennoblecimiento mitológico del revolucionario mexicano son las
observaciones de un joven llamado Luis Cervantes. Un estudiante culto y de
buena situación socioeconómica, Luis Cervantes afirma que Demetrio Macías,
unido ya definitivamente a la tierra que ennoblece de forma colectiva a
aquellos que la defienden, lucha por razones que sobrepasan lo individual.
“Usted, hombre modesto y sin ambiciones, no quiere ver el importantísimo
papel que le toca en esta revolución”, concluye Luis Cervantes al tiempo
que pregunta: “¿Será justo abandonar a la patria en estos momentos solemnes
en que va a necesitar de toda la abnegación de sus hijos humildes para que
la salven, para que no la dejen caer de nuevo en manos de sus eternos
detentadores y verdugos, los caciques?... ¡No hay que olvidarse de lo más
sagrado que existe en el mundo para el hombre: la familia y la patria!”.
Queda evidente tras estas declaraciones que al individuo le corresponde
verse empequeñecido, no ya sólo por elementos colectivos como la familia,
sino también por la misma causa revolucionaria colectiva así como la patria
de la que lo telúrico forma parte sin lugar a dudas.

Desde la perspectiva aportada por el análisis de los elementos telúricos de
ambas obras, se desprende una actitud desinteresada hacia cualquier
acontecimiento venidero, fruto del rumbo colectivo que toman las figuras
reivindicativas que encarnan Demetrio Macías y Manuel Ventura, en condición
de revolucionario y minero respectivamente. Ventura y Macías no se
interesan siquiera por la evolución de un movimiento colectivo “global”
cuyo éxito o fracaso está fuera de sus manos, lo cual da pie a una
situación en la cual ambos autores acaban por restarle importancia a la
faceta individual de ambos. Esta técnica sirve de mucho, puesto que pone de
manifiesto la tendencia histórica a minimizar la figura del individuo, lo
“local” para Carlos Fuentes, hasta tal punto que cunde en él la
despreocupación.

Por ello no resulta ni mucho menos sorprendente que hacia el final de la
obra de Montoya surja de pronto un vagabundo llamado Valderrama, cuyas
palabras elocuentes denuncian no tanto la pésima situación de los
campesinos mexicanos, sino más bien el proceso histórico mismo que aparta
al individuo de la evolución de México. “¿Villa? ¿Obregón? ¿Carranza? ¡Amo
la Revolución como amo al volcán que irrumpe! ¡Al volcán porque es volcán;
a la Revolución porque es Revolución!... Pero las piedras que quedan arriba
o abajo, después del cataclismo, ¿qué me importan a mí?”, llega a decir
Valderrama, quien además utiliza de manera muy intrigante el símbolo
telúrico del volcán, para denigrar a aquellos de la banda de Demetrio
Macías que se preocupan por los pormenores de la Revolución mexicana,
creyendo de verdad que enmendarla depende de ellos en su calidad de
individuos ennoblecidos por la causa revolucionaria.

Si se contrapone esta actitud presente al final del libro con la
justificación social y reivindicativa de la Revolución mexicana expuesta
por Luis Cervantes, parece patente la intención de denuncia de Azuela en
dos sentidos: primero, la denuncia del pueblo mexicano oprimido, y segundo
la denuncia lanzada contra la manera en que se desarrolla la historia de
manera colectiva y global. Dicha queja es consciente de la ineptitud de la
figura mitificada e imaginada del revolucionario noble para fomentar y
dirigir cambios dentro del panorama histórico. Al fin y al cabo, el
individuo queda reducido a poco o nada por el torbellino de eventos en el
que se ve envuelto por causas totalmente ajenas a él: la adhesión de
figuras insensatas y crueles al movimiento revolucionario (el despiadado
güero Margarito que perpetua vilezas contra personas inocentes con la
excusa de beneficiar a la Revolución) y la mella que hacen en los valores
éticos de la Revolución las extravagancias y parafernalias de los mismos
revolucionarios (el ejemplo de Villa enriquecido). Tanto es así que Los de
abajo sugiere, con la fatídica muerte de Demetrio Macías en un peñascal, el
mismo donde se pone en marcha su periplo revolucionario ennoblecido por lo
telúrico, que el individuo jamás puede estar a la altura de las pautas
establecidas por una historia colectiva que tiende a ennoblecer al tiempo
que suprime por completo al individuo.

Al dar voz propia a los individuos que conforman la globalidad y lo
colectivo, Los de abajo y El laberinto del pecado crean un espacio
diegético, donde por fin la localidad goza de importancia. Lamentablemente
para Manuel Ventura y Demetrio Macías, sin embargo, toda experiencia
personal se desarrolla en un mundo, como es el caso de los espacios
diegéticos, imbuido de historia. Ya desde el mismo origen de América Latina
existe un sincretismo sofocante que entorpece cualquier intento de separar
lo individual de lo colectivo, cosa que se ejemplifica en el caso de Manuel
Ventura, mestizo de nacimiento y por ello situado en la curiosa encrucijada
de lo local y lo global histórico. De todas formas, aun habiendo expuesto
el problema inherente a la mirada histórica, el mero intento de dotar de
individualidad a dos colectivos sociales e históricos contribuye en mucho
no a ennoblecerlos y mitificarlos, como a menudo hace la historia, sino más
bien a humanizarlos. Como resultado final se obtiene una visión más natural
de estas figuras, consideradas por fin no bajo la lupa del idealismo
colectivo y constructivo de la historia, que contribuye a sostener
conceptos desacertados acerca de ellos, sino con la literatura donde se
destacan las características humanas, y, por lo tanto, falibles como
demuestran el desenlace contundente y fatídico de ambas obras. Esta nueva
perspectiva basada en la experiencia humana permite al público lector
aproximarse a lo local y sentirse identificado con personajes no
mitificados y tan humanos como cualquiera de nosotros.



Obras citadas

 • AZUELA, Mariano. Los de abajo. New York: Penguin Books, 1997.

 • FUENTES, Carlos. No hay discurso sin nuestra voz. VII Foro Iberoamérica.
   Ciudad de México. 30 Nov. 2006. Discurso.

 • MONTOYA, Víctor. El laberinto del pecado. Sweden: Ediciones Luciérnaga,
   1993.

** Michael Abbott
   Investigador estadounidense. Estudia literatura hispanoamericana en la
   Universidad de California-Riverside (http://www.ucr.edu; Estados
   Unidos).



|||||||||||||||||||||||||||||||    LETRAS    ||||||||||||||||||||||||||||||

   *** Sin brotes
       Silvia Hebe Bedini

   *** Homo poeticus
       Cristian Avecillas

   *** Winner
       Jorge Castelli

   *** Herida
       Gabriel Rodríguez (textos) y Fulvio Fernández (fotografías)

   *** La cuadratura y lo concreto
       Nelson González Leal

   *** Poemas
       Beatriz Iriart

   *** Día de muertos
       Odilón Moreno Rangel

   *** Poemas
       Ernesto R. del Valle

   *** El árbol, la roca, la serpentina sierpe
       María Eugenia Sáez

   *** Con tus ramas de vidrio
       Adán Echeverría

   *** Nostalgia del bosque
       Arquímedes González Torres

   *** Al borde del estallido (extractos)
       Víctor Parra



=== Sin brotes      Silvia Hebe Bedini ====================================

A mi entierro asistieron sólo dos personas: Fabián y mamá, mi mejor amigo y
el último pilar de mi vida.

Ellos fueron los únicos entre tantos familiares, amigos y conocidos que
realmente supieron entender mis “No puedo más” y creyeron en ellos del
mismo modo en que siempre confiaron en mí.

Todos aquellos que faltaron a mi entierro, fueron aquellos, incluida mi
psicóloga —muchos o pocos, no importa cuántos pero muy cercanos a mí y eso
sí importa—, que prefirieron pensar que yo exageraba en mis “hasta aquí
llegué, ya no puedo seguir”. Luego no pudieron incluir mi cadáver ni
siquiera en sus conversaciones.

Que mi marido de más de dos décadas me echara de su vida dejándome en medio
del peor desamparo emocional y desconcierto vital tras proferirme un par de
gritos y un empujón hacia el abismo marcó el principio del fin.

Un pilar de mi vida se desmoronaba como una mal alineada torre de bloques
de mármol, destruyendo al caer toda vida en proceso de crecimiento debajo
de ellos.

Que decidiera cruzarme el planeta dejando atrás al viejo continente para
volver sin gloria pero con muchas penas a Buenos Aires, al implacable y
sufrido sur a reiniciar mi vida desde un enorme e incierto cero, no hizo
más que elevar mi popularidad entre quienes admiraron mi coraje y mi poder
de decisión para arrojarme al vacío sin temer reventarme en la caída.
Porque habría una caída, claro, todos lo sabíamos, también yo.

Pero el destino o el azar removió las piezas del rompecabezas que era mi
vida hasta entonces y de repente una pieza de tantas se transformó en un
bloque vital. Sentí una red debajo de mí, un ángel separando el cielo del
abismo al que fui arrojada, ofreciéndome una salvación en suspenso.

Que mi padre no pudiera evitar morirse apenas dos meses antes de nuestro
reencuentro fue un golpe bajo e inesperado en un momento en que yo estaba
haciendo equilibrio en el borde de una cornisa emotiva. Una noticia difícil
de esquivar para cualquiera que me conociera, y que generó alrededor mío
uno de esos abrazos que tienen la forma del símbolo infinito. Y ahí me
quedé, como pude, aferrada a quien me abrazaba más fuerte.

Crucé meridianos suspendida en ese abrazo, y soporté las presiones de aquel
viaje en avión, un viaje único, un viaje tan liberador como angustiante.

Fui novedad, fui reencuentro, fui alcanzar lo inalcanzable.

Pero también fui tensiones, presiones y sacar de mí misma recursos que ni
sabía que tenía, para no caer, para no parar, para poder seguir y seguir y
seguir, cuando lo que realmente necesitaba era llorar, llorar y llorar.

Yo no lo sabía pero lo aprendí rápido y a la fuerza: parar a llorar no está
permitido cuando alguien está reiniciando su vida, cuando una tuvo cojones
para tirarse en caída libre, desarmada, hacia un lugar lleno de vidas
armadas. No hay lugar para incorporar aunque sea por un breve tiempo el
desconsuelo de quien se reincorpora a un mundo que no ha dejado de girar
ante su ausencia. Y necesité llorar, pero no pude, no hubo hombro dispuesto
a oficiar de testigo silente, o si los hubo, debo confesar, no han
soportado el tiempo de llanto que yo necesitaba.

La fascinación que ejerció mi valentía para dejar lo no sano pero cómodo, y
zambullirme en un océano de incertidumbres, dejó de ser una virtud para
pasar a ser un acto más que se perdió en medio de las críticas de quienes
desde su eterna comodidad me miraban pelear contra —aquello que ellos
consideraron— mis molinos de viento.

Pero seguí el reto, claro que sí, sintiéndome entendida o no. No me
importó, yo seguí.

Hasta ese punto sin retorno...

Hasta aquel primer “No puedo más”; pero luego hubo otro y otro...

Y mi cuerpo acompañando en el proceso de elevar una pancarta al cielo con
un SOS incandescente e imposible de ignorar hasta para los extraños. Pero
aun así sólo mi madre y Fabián vieron el mensaje y lo recibieron tal cual
fue emitido. Hicieron todo por mí, y ese todo tan necesario era que me
dejaran ser yo, con mis broncas y mis duelos, con mis defectos y mis ganas,
con mis deseos de escapar y mis esfuerzos por seguir. Sólo ellos se
atrevieron a escuchar el profundo y doloroso proceso que significa la
decisión de desgarrarse, no una sino dos veces para seguir y luego
abandonar a quien se creyó amar con toda el alma al punto de dejar lo
seguro por lo incierto. Qué paradoja... la primera vez fue por amor, la
segunda vez fue porque ese mismo amor fue herido de muerte y necesitó un
lugar para dejarse morir en paz, como si Buenos Aires fuese mi cementerio
de elefantes.

El dolor en detalles, el duelo en cuotas, el proceso de querer explotar mi
pulsión de vida en una cama y en un “te amo” tan sentido como necesitado;
mis ganas de creer que no es necesario abordar el tren de los veinte o los
treinta para gozar el mejor viaje.

Pero el “No puedo más” sin embargo se impuso. Tomó fuerza, tomó duelo y
vuelo.

Tres palabras que han acercado mi corazón al frío sentimiento de desear la
muerte.

“No puedo más”, comencé a repetir entre quienes quisieran oírme, pero la
típica reacción humana se impuso. Ninguna persona considerada “fuerte”
puede utilizar una frase perteneciente a los débiles de espíritu —y yo
jamás fui uno de ellos— porque la típica reacción de los otros es pensar
que esa persona se queja, exagera y, por alguna razón —que seguramente le
resultará conveniente—, se victimiza.

Mamá y Fabián entendieron el mensaje y desesperaron ante mi pedido de ayuda
al viento, pero su desesperación los llevó a rezar por mí, y eso, lamento
desilusionar a quienes creen fervientemente en el poder de la oración, en
nada me ayudó.



El 24 de diciembre del 2010, a las 12 de la noche en punto, silenciados mis
sonidos sutiles por petardos y algún que otro fuego artificial, me tiré
desde mi balcón del séptimo piso hacia el vacío, hacia un jardín
cuidadosamente decorado con guirnaldas y luces. Llevé conmigo tan sólo una
foto y un camisón negro de esos que me hacían sentir aún deseable como
hembra y adorable como mujer. Sin mis lentes de contacto puestos, sin
perfume ni mis pies limpios; para quienes me conocían bien, eso era
sinónimo de mi seguridad de no fallar en mi intento de reventarme contra el
piso.

Y me reventé, claro, enchastré con sangre y gelatina de cerebro hasta los
panes dulces en las manos de los festejantes. Me desarmé antes sus ojos y
si pudiese, créanme, de algún modo les hubiese pedido disculpas, pero a
veces uno no puede elegir todo ni tener acceso a aquello que necesita.

Las lucecitas de colores titilando como estrellas coquetas fue lo último
que pude ver mientras caía a una velocidad que no podría describir. Una vez
que uno se deja caer, cae muy rápido, es lo único que podría decir.

La noticia de mi muerte voló como un cóndor, agudamente y desde bien alto
para caer veloz y certeramente sobre las presas de la noticia. Pero ahí
estaban, mamá y Fabián nomás, frente a ese cúmulo de tierra húmeda bajo el
cual mi cuerpo reventado yacía ya encerrado en un cajón y preparado para el
olvido como corresponde.

Y los demás... vaya uno a saber, cuando a través del teléfono o los e-mails
solían ser tantos...

No hubo espacio para excusas de lluvias torrenciales ni días de trabajo
ineludibles; mi entierro fue un sábado con un tremendo sol y a las cinco de
la tarde.

Todo hubiese quedado paralizado en la imagen de mi muerte si un olor a
incienso no se hubiese filtrado vaya uno a saber desde dónde. Olor a
incienso... a iglesias visitadas a pesar de mi no creencia en santos,
vírgenes y Biblias editadas para consumo del católico servidor.

Incienso, intenso, tan intenso como mis recuerdos aún no borrados de mi
carne rígida. Recuerdos de aquella época en que a todo santo, médico o
brujo le pedía con vehemencia que hiciera lo posible para que mi marido y
yo pudiésemos tener un hijo. Un latido en mi vientre, eso pedía, un brote
en mis entrañas, producto de un milagro, ya no del amor. Pero no hubo santo
que escuchase ni médico que encontrara una causa. De todo ese peregrinaje
sólo me quedó eso: el olor a incienso.

Ni los bisturís ni las cefaleas insoportables ante medicaciones intomables,
sólo mi normalidad y capacidad encaprichada en un “no se puede” y el
intenso olor a incienso.

Entendí que si mi nota de suicidio hubiese sido encabezada “Querido hijo o
hija” jamás mi entierro en ese 25 de diciembre hubiese existido.

Un brote...

Un brote de mi alma mirándome a los ojos, por más difícil que hubiese
resultado devolverle la mirada por haberlo sentenciado a sufrir por mi
decisión de escapar de una vida gris y de un futuro aun más oscuro. Un
brote que junto a mis ganas de llenarme de hojas, flores y frutos
nuevamente, a pesar de haber pasado largamente los 30 y promediar los 40
años, me obligara a seguir a pesar de todo, porque si no es por ellos, ¿por
quién más seguir? Todo el resto es imprevisible, es etéreo, es incierto
aunque los oídos se llenen de promesas, de proyectos y de gemidos.

Sólo nuestros brotes nos dan raíces y nos mantienen anclados al cielo que
ofrece la tierra sin dejar por eso la vida en el intento y las luchas
internas de los innumerables “no puedos”.

Pero no pudo ser.

Estoy aquí, sin brote alguno que me reclame. Sin una hija que pueda
aprender de mí lo difícil que a veces se torna ser mujer y serlo en serio.

Pero estoy aquí, oliendo a tierra húmeda e incienso —que vaya uno a saber
desde dónde llega—, sabiendo que de haberla tenido, esa Nochebuena, sin
importar que tuviésemos que pasar esa fiesta a solas, tristes y añorando
ser parte de alguna gran y feliz familia, mi hija y yo honraríamos a la
vida por más complicada que se nos presentara, y que aprenderíamos ambas a
esperar y a valorar a quienes —sin excusas de ningún tipo— se acercaran de
alguna manera a ser parte de nuestra solitaria Nochebuena.

Sin brotes...

...quizás a alguien se le ocurra definir así la causa de mi suicidio.

A algún poeta quizás.

** Silvia Hebe Bedini
   silbedini@yahoo.com.ar
   Médica pediatra y neuróloga infantil (Buenos Aires, Argentina, 1967).
   Reside en Los Ángeles y es escritora.



=== Homo poeticus      Cristian Avecillas =================================

                                     A estribor de tus manos queda el mundo

                                         Félix Pita Rodríguez, Carta marina

*** Homo novus

I

Poeta,
Amo y sucesor de lo imprevisto:
Tu valor será perderte en el dolor y en el poema,
Dejarás el cuerpo atrás para escribir,
Dejarás tu fauna atrás para escribir.



II

Escribir en el regazo de las aves
El camino hacia las leyes de la hierba.



III

Y escuchar en el misterio de un mordisco
El estómago gozoso de las musas.



IV

Y emplazar el horizonte sobre un cóccix
Donde el mar se perfecciona con la mar.



V

Y encontrar a la mujer bajo el silencio
Donde nunca se enmudecen las canciones.



VI

Y llevar a la mujer al fin del hombre,
A la ráfaga del cuerpo musical.



VII

Poeta,
Adversario de la luz y de las sombras,
Criarás en el lenguaje tu retrato Cuando ya no tengas ojos.



*** Homo concors

I

Tal es tu poesía:
Enfrentarte a las ideas como si fuesen seres vivos.



II

Tal es tu poesía:
Padre, el evo;
Madre, la fugacidad.
Enfrentarte a cada verso como haciendo un epitafio.



III

Copia de la hembra,
Tal es tu poesía:
El asombro al detrimento de la boca
Y la boca al detrimento del asombro.



IV

Y en el foro de la muerte,
Tu poesía es el verdugo cuyo tajo versifica.



V

Y en el foro de los hombres,
Tu poesía es Hombre.



*** Homo ridens

Y te dices:
Que el poema encienda lo que ayer la llama
Para que arda una mujer en el verano.



*** Homo delirans

I

Y en tu piel preparas el vocablo porque la paciencia te traerá la entraña:
Ser artista es inventar la carne donde no hay persona
Y mirar el hueso donde todos ven futuro.



II

Y preparas la armonía de tu sangre con la herida del deseo eliminado,
La feroz fidelidad ante lo acústico,
La feroz epanortosis de lo acústico:
Y preparas la cordura de tus miembros en la elipsis de la ajena suculencia,
La retórica es un grito en la distancia
Al que no darás socorro para no romper el ritmo.



III

Y preparas la elocuencia de tu sombra
Cuando arrojas tu linaje en el desierto:
Poblarás la nada
Hasta inventar la desnudez.



*** Homo faber

I

Y en el fiero devenir
Tu presa es lo inmediato:
Si la idea ha muerto,
La ventisca persevera.



II

Y en el fiero devenir
La imagen es tu raza:
La belleza en la brutal escarpadura a donde debes arrojar la humanidad.



III

Y en el fiero devenir
Tu paisaje es la escritura:
Más fecunda la pradera elaborada con poesía.



IV

Y en el fiero devenir
Tu saña es la mujer:
Cada verso es cacería
Donde el cuerpo sorprendido no merece escapatoria...
Porque el verso no es el golpe,
Es la lenta deglución de las palabras.



*** Homo universalis

Entonces acontece la belleza:
Has logrado el cielo desde el fondo
Al fundar al Hombre
Refutando al hombre.

Acontece la poesía:
Cortejar el himen de una letra
Y alcanzar la madurez bajo la garra.

Acontece la verdad:
Escribir en las arenas:
¡Libertad!
Que los astros lean:
¡Desaparición!



*** Homo docens

Ya, poeta,
Ya eres el amado:
El que no te da esperanzas.

No porque la vida te abandona,
Sí porque el poema te concluye.



*** Homo totus

Porque el verso es una curva que se lanza al horizonte
Para transformar la muerte,
Para eliminar la línea,
Para redondear el mundo.
Porque el verso es la espiral del Hombre para el Hombre,
Una elipse en el cerebro
Para derrotar al mundo.



*** Homo aestheticus

Entonces dices:
¡Trueno!
Y ya vives tu primera melodía.

** Cristian Avecillas
   cristianavecillas@hotmail.com
   Escritor ecuatoriano (Quito, 1977). Como comunicador fue director
   general de Caminarte, revista cultural de Radio El Telégrafo
   (http://www.radiolaprensatvsa.com). Como investigador escribió la
   enciclopedia Colección Edmundo Ribadeneira, cuyos dos primeros tomos,
   Estudio biográfico de Edmundo Ribadeneira y Concierto de voces para una
   biografía, fueron publicados por Editorial El Conejo
   (http://www.editorialelconejo.com). Como cantautor grabó dos discos
   demo: El dragón y otras aves y Creación de los amantes. Como poeta,
   Todos los cadáveres soy yo obtuvo mención de honor en el Premio Casa de
   las Américas, 2008; La identidad femenina obtuvo Mención Particular en
   el Premio Nósside, 2009, y Ecce Homo II obtuvo el Premio Nacional de
   Poesía César Dávila Andrade, 2008. Ha publicado, además, los libros
   Abrazo entre caníbal y mujer enamorada, Editorial Don Quijote, Siria,
   2009, y La identidad femenina, Quito, 2009. Como actor y dramaturgo,
   fundó el grupo Teatromiento, y su obra de teatro Funeraria Travel,
   Premio Latinoamericano de Dramaturgia, fue estrenada en la ciudad de La
   Plata, Argentina, 2009; además ha sido presentada en festivales
   internacionales de teatro en Perú, Venezuela, Uruguay y Ecuador.



=== Winner      Jorge Castelli ============================================

Juro que no he puesto ningún peso adicional en el portafolios. Debe ser el
calor, entonces. Seguro. En el portafolios no hay más que remitos y
facturas. Y algún cheque. Remitos y facturas de Berta Sociedad Anónima.
Debe ser el calor, nomás. Purificadores Berta, un modo de purificar la
vida. Habrá que entrar en este bar, Uruguay y Viamonte, las tres de la
tarde, pleno enero. Enero y febrero son malos para la venta. Y para la
cobranza. Rogelio siempre lo dice. Rogelio Berta se lleva una mano a la
frente y dice: “Buenos Aires en verano es como un cadáver, Uriarte. Nadie
compra, nadie paga”.

Habrá que elegir una mesa cerca de una ventana, desajustarse el nudo de la
corbata, parar los motores. El mozo está cansado, tiene calor, se nota.
Viene con paso corto, desganado. Le pido una gaseosa, pero enseguida me
arrepiento. “Mejor, un agua mineral, sin gas”, digo. El hombre no
contes¬ta. Es alto. Y morocho. A pesar de los dos grandes ventiladores
funcio¬nando al máximo, uno tiene la sensación de que todo va a derretirse
en cualquier momento. Es el calor, aunque uno sabe que no es solamente el
calor, que hay otra cosa.

Pienso en mi vida. Mal momento para ponerse patético. El portafolios ahí,
con sus facturas pendientes. Cinco clientes faltan todavía, cinco clientes
para terminar la tarde: tres en el Centro, uno en Vicente López, el último
en Núñez; clientes que a lo mejor están de vacaciones, que a lo mejor no
pagan; clientes a los cuales hay que sonreír y tratar muy bien antes del
inevitable abordaje, antes del “venía por esta facturita”. Hay que decir
“facturita” para minimizar la cosa, para quitarle importancia. El
portafolios ahí, al lado, sobre la silla, con su peso muerto, con su
tonelada de facturas blancas y de remitos verdes. Pienso en mi vida. Hace
demasiado calor y los ventiladores no alcanzan. Pienso en Mirta. Ella no
tendría que haberse casado con un cobrador de Berta Sociedad Anónima. Un
cobrador no está para grandes empresas. La cosa tiene su gracia, después de
todo. Rogelio siempre explica que Berta es una gran empresa. Siento que
algo no encaja, que algo está mal. Yo no estoy para grandes empresas, soy
un cobrador. Berta es una gran empresa. Algo falla. Algo he perdido, hace
mucho, no sé dónde; y no sé qué es. Mirta me quiere, ella sostiene que es
feliz. Pero yo sé que no tendría que haberse casado con un cobrador;
tendría que haberse casado con un médico, con un ingeniero agrónomo, con
alguien que hubiese podido darle hijos. Con un cobrador, no.

Ahora llega el mozo. Coloca la botella de agua mineral sobre la cerá¬mica
de la mesa. Después, el vaso. Bajo el cenicerito de lata amarilla pone el
ticket. Sin decir nada, se va. El cenicerito tiene manchas negras; todo
tiene manchas negras. Me sirvo un poco de agua. Es agua límpida, pu¬ra.
Agua pura. Un modo de purificar la vida. La vida. Mi vida. Mal momento para
ponerse patético. Mi vida. Borges. “¿Dónde estará mi vida, la que pudo
haber sido y no fue..?”. Mirta. El cenicero. Las manchas. El calor. Las
facturas blancas y los remitos verdes. Los hijos. Mirta.

En el bar no hay mucha gente. Unas pocas personas desperdigadas, su¬friendo
la temperatura, combatiéndola con líquidos casi congelados. Enero. Las tres
de la tarde. Un hombre en una mesa, a mi derecha, toma café. Un loco. Café.
El pavimento de la calle Uruguay, un caldo negro, hirviente. Pocos coches,
feria judicial. Enero. “Buenos Aires en verano es como un cadáver,
Uriarte”. Acá a la vuelta, en Viamonte, la AFA. Ahí lo vi una vez al Beto
Alonso. Recién empezaba en Ríver. Un pibe, el Beto. Alonso. Alonso es un
jugador de fútbol. Alonso no es un cobrador de Berta Sociedad Anó¬nima.
Alonso no anda por las calles con un portafolios lleno de facturas ni
escucha atentamente las sesudas reflexiones de Rogelio, ni ve cómo Mirta va
destiñéndose despacio, año a año un poquito más, frente a la pila de
camisas para planchar. Alonso no sabe, ni tiene por qué saber, que Mirta es
la mujer más buena del mundo, que Mirta merece vivir de otra manera, con
algo que le permita levantarse a la mañana de un modo más feliz. Alonso no
sabe y yo tampoco, yo tampoco sé. Porque todos aquellos pedazos de realidad
no son ciertos, porque yo también soy un jugador de fútbol, pero no ya el
que se mete en algún picadito con los muchachos, el sábado, en el club. Yo
soy Julio Rafael Uriarte, el “Puma” Uriarte, el diez de Ríver. Mirta es mi
mujer, por supuesto. Vivimos en una casa enorme, en San Isidro. No, en San
Isidro no. En La Lucila, mejor. La Lucila. Dos plantas, ladrillo a la
vista, techos de pizarra negra; atrás, un gran parque con pileta, donde
nuestros hijos juegan todo el día. Y nunca, juro que nunca, he entrado a
una casa de artículos para el hogar con una factura en la mano.

“¡U-riar-te..! ¡U-riar-te..!”. Ahora la hinchada de Ríver ocupa toda la
bandeja alta de la tribuna Sívori, en el estadio Monumental. Hay que decir
que no estamos en enero, que estamos en setiembre, y que la tempe¬ratura es
perfecta. Hoy, Ríver y Boca, final del campeonato. “¡U-riar-te..!
¡U-riar-te..!”. El túnel. Voy por el túnel hacia arriba. Los ta¬pones de
los botines hacen un ruido seco al subir la escalera de cemento. Clack...
clack... clack... Llevo el número diez en la espalda. Me persigno. Tengo
veinte años. Ocupo el lugar que una vez fue de Norberto Alonso. Soy el
“Puma” Uriarte. Zurdo, aunque le pego con las dos piernas. Veinte años.
Aparezco en la cancha. “¡U-riar-te..! ¡U-riar-te..!”. Una promesa grande de
nuestro fútbol, dice la tapa de El Gráfico. Mirta y los chicos me es¬peran
en casa. Dos plantas, ladrillo a la vista, techos de pizarra negra. Los
purificadores de cocina Berta no existen.

Sin darme cuenta, he bebido toda el agua mineral. Me saco el saco y lo
acomodo sobre el respaldo de la silla. “Me saco el saco, me pongo el
pon¬go”. Chiste de Rogelio. Lo dice seguido, lo dice siempre como si lo
dijera por primera vez, lo dice como si fuera gracioso. Llamo al mozo. Está
aco¬dado en la barra, transpirado, aburrido. Le señalo la botellita vacía y
le indico con un gesto que traiga otra. Hay una mosca que se empecina en
re¬correr la cuerina del portafolios. Va y viene, va y viene. La miro sin
odio. La mosca no sabe. Los remitos, las facturas, la mosca no sabe.
Fal¬tan cinco clientes: tres en el Centro, uno en Vicente López, el último
en Núñez. Núñez. El Monumental de Núñez. La cancha de Ríver. Soy el “Puma”
Uriarte. Ríver-Boca, la gran final. Ahora estoy haciendo “jueguito” en el
círculo central. Me sacan fotos. El árbitro llama a los capitanes. Las
tribunas deliran: “¡U-riar-te..! ¡U-riar-te..!”. Los fotó-grafos van a
ocupar sus lugares, detrás de los arcos. La hora de la ver¬dad. Setiembre.
No hace calor, no hace nada de calor. El árbitro revolea la moneda. La
moneda gira y gira en el aire, no termina de caer. Queda allí suspendida.
Magia. La botella es de color verde y el plac sobre la cerámica me trae de
nuevo al bar. Otro plac, cuando el mozo deja el segundo ticket bajo el
cenicerito de lata amarilla. Me sirvo agua. La bebo a sorbos cortos. La
botella es verde. “No gasificada”, dice la etiqueta. Quinientos centímetros
cúbicos de agua pura. Medio litro. El calor. Se derrite el mundo. Se
derriten Uruguay y Viamonte. La esquina de Uruguay y Viamonte. La esquina.
El tiro desde la esquina. El córner. El Monumental. Ríver y Boca. El
arquero de Boca, que acaba de sacar la pelota al córner. Las tribunas, que
no paran de gritar mi nombre. En la platea San Martín hay una bandera
enorme, roja y blanca. Tendrá treinta o cuarenta metros de largo. En el
medio hay un corazón. “El Puma”, dice en letras negras. “¡U-riar-te..!
¡U-riar-te..!”. La pelota está ubicada al lado del ban¬derín del córner. Va
a venir el centro. Un compañero le pega con el pie izquierdo. Le pega seco,
abajo, elevándola. La pelota viene en comba hacia adentro. Va a caer justo
en el punto del penal, donde estoy parado. Todo se frena de golpe, todo
ocurre en cámara lenta. La pelota en el aire, dos grandotes con la camiseta
de Boca que van a encerrarme, que van a tratar de impedir mi cabezazo. La
pelota comienza a caer, suave. “¡U-riar-te..! ¡U-riar-te..!”. Me agazapo.
Despacio. Y enseguida me elevo. Los grandotes se elevan también,
custodiándome. Subo. Subo. Subo. “¡U-riar-te..! ¡U-riar-te..!”. La pelota
cae justa. Cabeceo. Le doy con el centro de la frente y le cambio la
dirección. Va hacia el arco. El arquero despega sus pies del suelo. Vuela.
Lentamente. Es un tipo alto, que ahora vuela. Se estira al máximo: estira
el brazo, la mano, las puntas de los dedos, pero la pelota lo supera.
Apenas, pero lo supera. Va a meterse por el ángulo superior. La mano
aparece desde algún lado. Es una mano pequeña, morena, sucia. Lleva una
caja verde, con aspirinas. La pelota va a entrar. Estoy a medio segundo de
la gloria. Va a ser gol. El gol del campeonato. El gol de mi vida. La mano
con la caja de aspirinas me arrastra, desarma el arco, las tribunas, la
euforia. La mano deja la caja sobre la mesa, al lado de la botella de agua.
No quiero vol¬ver al bar, quiero ver cómo la pelota toca la red, quiero
abrazarme con mis compañeros. La mano no me deja. El dueño de la mano dice
algo. No le entiendo ni tengo ganas de entenderle. Hace calor de golpe.
Enero. Uruguay y Viamonte. El portafolios. Cinco clientes. Un modo de
purificar la vi¬da.

La mano ha quedado allí, apoyada sobre la mesa, esperando. Ahora se mueve,
acompañando lo que dice su dueño. El dueño es un chico. Cinco, seis años,
remera azul, muy gastada, en letras grandes la palabra “winner”. Terrible.
“Winner”. El pelo del chico empapado en transpiración, una gotita
bailoteándole sobre la frente. No sé qué es lo que quiere. Señala la
cajita. Le digo que no con la cabeza. El pibe insiste. Sonrío
forzada¬mente. “Dele”, dice el pibe. Dele. Dele. Dale. Dale Ríver. Dale
“Puma”. Tengo que volver a la cancha. Repito el gesto con la cabeza. El
calor es intolerable. “Dele, cómpreme”. El chico conoce su trabajo. Pone
cara triste, agarra la cajita y golpea rítmicamente con ella sobre la
cerámica de la mesa, mirando el suelo. Ahora no, tengo asuntos pendientes,
sabés: una pelota, un arco, un gol. El chico golpea. Tic... tic... tic...
“Dele”.

Viene el mozo; viene derecho al pibe. Va a echarlo. Winner me mira. Juega
su carta final. “Es para comida”, dice. Ya tiene encima al mozo, que lo
agarra de un brazo. “Déjelo”, digo yo. Debo poner cara fea en serio porque
el hombre lo suelta enseguida. Después trata de justificarse, ex¬plicando
que el pibe viene todos los días. “Son una plaga”, agrega. “A mí no me
molesta”, comento en un tono más suave. Pero el mozo prepara un
contraataque, así que me adelanto. “¿Tenés hambre?”, le pregunto al chico.

El chico no contesta. Mira el piso, la caja de aspirinas, otra vez el piso.
Ahora dice que sí con la cabeza. Hago un rápido arqueo de caja. Un arqueo
mental. Bien. Un sándwich y una gaseosa, alcanza. Se cruza la imagen del
arquero en el aire. Arqueo-arquero, obvio. La imagen está congelada, la
pelota todavía no entró. Aparto la escena, la borro. El arquero no existe,
la pelota no existe, el “Puma” no existe. Lista urgente de las cosas que sí
existen: Berta Sociedad Anónima, el calor, el cenicero de lata amari¬lla,
el portafolios, el mozo, este pibe, la inscripción “winner”.

“Un pebete de jamón y queso. Y una cocacola”, le pido al mozo. El hombre
quiere decir algo, pero decide no hacerlo; gira y va hacia el mostrador. Le
pregunto al chico por qué no se sienta. Winner. No me vendría nada mal una
remera así. El “Puma” no existe. Yo ya sabía, ya sabía que al final el
“Puma” no iba a existir.

Ahora que estoy definitivamente instalado en el bar y que la realidad es
este peso muerto en las espaldas, no puedo dejar de pensar en mi vida. Mi
vida sin goles. Mi vida. La que pudo haber sido y no fue. Borges. Ro¬gelio
Berta se asombró una tarde, cuando le conté que leía a Borges. Como si ser
un cobrador invalidara ciertas zonas de universo. Rogelio Berta se asombró.
Como si Rogelio Berta hubiese leído alguna vez a Borges.

El pibe me mira. Tiene ojos grandes. No parece muy cómodo, acá sentado,
conmigo. Le pregunto cómo se llama. “Oscar”, me contesta en voz muy baja.
Oscar. Muy bien, Oscar. Mal pronunciado y es como en Hollywood. El Oscar...
And the winner is... Winner. Oscar. Oscar no es un winner, definitivamente.
Por otros motivos, o tal vez, en el fondo, por los mismos, yo, Ju¬lio
Rafael Uriarte, tampoco. El mozo coloca el plato sobre la mesa; des¬pués,
la botella de gaseosa. El chico no saca los ojos del plato. El mozo levanta
el cenicerito y deja el tercer ticket. Oscar no se mueve. “Y dale, comé”,
le indico. El pibe atrapa el sándwich con las dos manos y se lo lleva a la
boca. Come con furia. Una dentellada tras otra. Furia. Este pibe tiene
furia. Le sirvo un poco de gaseosa. “Despacio, che. Te vas a atragantar.
Tomá algo de líquido”, digo. Y lo que digo me suena tan estú¬pido, tan
descolocado, que siento vergüenza. Le pregunto dónde vive, por salir del
paso. “Por ahí”, contesta él. Intuyo que “por ahí” debe ser cualquier
sitio. Oscar come. Y verlo comer da miedo. Este pibe tiene fu¬ria.

“¿Y la escuela? ¿No vas a la escuela?”. La frase sale de mi boca sin que mi
mente haya tomado previa intervención. Sospecho que acabo de rendir la
última materia de “El Idiota Perfecto”. Oscar niega con la cabeza, por
supuesto. Enciendo un cigarrillo. Aspiro una bocanada profunda. Bien. Largo
el humo y después juego con la brasa, apoyándola sobre las manchas del
cenicero. Descubro que estoy tratando de taparlas o de quemarlas. El chico
habla poco, pero lentamente va entrando en confianza. Le sirvo más gaseosa.
Los últimos restos de pebete desaparecen como en un acto de ma¬gia. Oscar
toma líquido con desesperación. Me mira. No dice nada. No sé qué hacer.
Segundo arqueo de caja. Algo de plata queda. “¿Querés otro sándwich?”. El
chico asiente. “Otro”, le digo al mozo señalando el plato vacío. El hombre
hace un gesto que prefiero no descifrar. Oscar se ríe. Se ríe por primera
vez. Adivino que hemos ganado algo, alguna guerra, no sé dónde ni contra
quién. Por no quedarme sin hacer nada, le guiño un ojo. Nos reímos los dos,
entonces.

Oscar reacomoda su silla y de pronto surge el tema de la familia. Vaya uno
a saber por qué, le cuento al pibe que soy casado, que mi mujer se llama
Mirta y que es muy buena. Él escucha con atención. Me pregunta si tengo
hijos. Le digo que no. Me pregunta por qué. Llega el segundo pebete, pero
esta vez él no espera: se zambulle en el sándwich. Vuelve la furia. Vuelven
las dentelladas certeras, implacables. Cada mordisco duele acá adentro.
Siento culpa, no sé de qué. Con la boca llena, Oscar me pregunta de nuevo
por qué no tengo hijos. Hago un gesto idiota y me quedo callado. Miro uno
de los ventiladores, tira aire caliente.

Ahora habla el chico. Habla y come, todo junto. Confirmo algunas cosas
previsibles: no tiene familia, su única familia es Norby, “un chico
gran¬de, como de doce”, que es quien consigue las aspirinas para Oscar y
para los otros. Porque son varios. Se encuentran todos los días en Plaza
Lavalle. Norby se queda con la plata al final de la tarde. A veces les da
algo. Norby es bueno, pero hay que llevarle la plata; si no, se enoja. Y es
mejor que Norby no se enoje. Norby tiene otros amigos, más grandes, pero
Oscar no los conoce. Escucho algo sobre bolsas de plástico y sobre
pegamento. No quiero escuchar.

Aplasto el cigarrillo contra el cenicero. Las manchas siguen ahí. Vuelve la
mosca. La Mosca II. Vuelve obsesionada. Va y viene, traquetea la cuerina
negra como si adentro del portafolios hubiese un destino. Un des¬tino.
Mirta necesita un destino; Mirta necesita algo más que una pila de camisas
para planchar, las tortas de chocolate, la telenovela de las cin¬co. Mirta
necesita un destino. Yo también necesito un destino.

Veo que el segundo pebete de jamón y queso ya es casi un recuerdo. Se ha
volatilizado sin que me diera cuenta. Cinco clientes. Cinco, que po¬drían
ser tres si paso Vicente López y Núñez para mañana. Dos colectivos de ida,
dos colectivos de vuelta. Cuatro boletos. Mañana. Hoy casi casi está
sobrando plata, entonces. Pienso en la palabra “flan”. La veo. Estoy viendo
la palabra, rodeada de crema. Consulto la pizarra de precios. Jus¬to,
justito. “¿Querés un flan con crema?”, pregunto después. Oscar dice que sí.
Llamo al mozo y hago el pedido. El mozo está en retiro efectivo: no hace
gestos ni dice nada, se limita a levantar el plato y las botellas vacías.
El pibe sonríe. Ganamos. Ahora ya es seguro. Ganamos. Winners.

“¿Te gusta el fútbol, Oscar?”. Oscar asiente. El fútbol. El “Puma”. ¿Dónde
estará el “Puma”? “¿Dónde estará mi vida..?”. “Hoy juegan Ríver y Boca”,
indica Oscar. “En Mar del Plata, por la Copa de Verano”, le con¬firmo. “¿De
qué cuadro sos?”, agrego, con la íntima esperanza de que el pibe conteste
“De Ríver”. “De Ríver”, contesta el pibe.

Algo ha comenzado a funcionar, cierto mecanismo, cierto engranaje. No por
el fútbol, claro. Viene de antes. Pero lo siento recién ahora. Algo en
alguna parte, dentro o fuera de mí, no sé bien. Y Oscar tiene que ver con
el asunto.

“Lo dan por la tele”, me explica. “Sí”, digo. “¿Lo vas a ver?”. El chico
hace una mueca. Dice que no sabe; que cree que sí, pero que no sabe. Se me
ocurren algunas preguntas, todas inútiles. Sobre la mesa aparece el flan
con crema. Enorme. Una fiesta. Oscar se relame. Levanta la cuchara, la
hunde en el flan. Ahora come despacio, saboreando el bocado. La furia
perdió poder. Muy bien. Miro el reloj. Pego un golpecito en la mesa e
in¬sulto en voz baja. Tres clientes en el centro. Se está haciendo tarde.
Llamo al mozo. Ya que acabo de postergar Vicente López y Núñez quiero
llegar temprano a casa, quiero estar con Mirta lo antes posible. Se está
haciendo tarde. Oscar tiene crema en la punta de la nariz. Me río. Miro el
portafolios: la mosca ya no está. Pienso que afuera el calor debe ser
terrible. Llega el mozo y suma los tickets. Le doy la plata justa. El
hombre rompe los tickets y se va sin hablar. Bien. Oscar consagra su
existencia al flan y a la crema. En la remera azul, sobre la ere de
“winner”, resbala una gota de caramelo. Me levanto y me pongo el saco. El
chico me mira. Si yo supiera qué decir...

      “Mirá, pibe, la vida... la vida vale la pena. Yo sé que no todos
      tienen oportunidad, que no es fácil. Yo sé. Pero la vida es linda. Y
      es lo único que nos sirve, sabés; el único paraíso. Hay que sacarle
      el jugo, hay que aprovechar, te das cuenta. Vos a veces pensarás...
      yo me imagino que vos a veces pensarás que todo es muy negro, que
      todo es muy triste. Pero te digo que no, que no es así, que para nada
      es así. Y que hay que sentirse con¬tento de estar vivo, pibe”.

Basura. Un asco. Oscar merece más respeto. ¿Cómo se le pone un punto a una
situación así?

“Bueno, Oscar, tengo que irme”, digo por fin. Oscar traga un último resto
de flan y se levanta de un salto. “¿Vos andás siempre por acá?”, pregunto
desde el exacto núcleo de mi oligofrenia. “Nos vemos, entonces”, agrego,
estrechándole la mano. Vamos yendo hacia afuera. Los dos. Abro la puerta
del bar y sa¬limos. Los dos. De repente, la calle: enero, una bocina, el
calor par¬¬¬tiendo las veredas, el portafolios pesando como nunca. La
calle. Oscar queda ahí parado, en medio del sol, una mano a modo de visera
para poder mirarme. La mano de Oscar sigue siendo pequeña, morena, sucia.
“Chau”, le digo. “Voy a venir seguido a este boliche, así que a lo mejor
nos encon¬tramos de nuevo”. Oscar no dice nada. No se mueve. Me mira.
“Chau”, repi¬to. Doy media vuelta, camino unos pasos y giro otra vez.
“Seguí siendo hincha de Ríver, eh!”, le grito. Ahora sí, tomo
definitivamente la calle Uruguay en dirección a Corrientes. No necesito
comprobarlo: sé que Oscar sigue ahí, protegiéndose del sol con una mano
sobre la frente, mirándome.

En Lavalle voy a doblar a la derecha. Cuatro cuadras. “Kate Hogar”. Una
casa grande, buen cliente. ¿Cobraré? Camino rápido. ¿Por qué todo tan de
golpe? Despedida urgente. El portafolios pesa, la conciencia pesa. Todo muy
de golpe, demasiada urgencia. Oscar ya ha quedado atrás, Oscar ya no
existe. Dos pebetes y un flan con crema hacen milagros. La vida sigue.
“Kate Hogar”, factura gorda, buena plata. La vida sigue. Dos pebetes y un
flan con crema aplacan cualquier furia. ¿La aplacan? La aplazan. La vida
sigue. Camino rápido. Escapo, estoy escapando. ¿De qué? Yo sé bien de qué.
Una vergüenza, me escapo. El portafolios pesa, la conciencia pesa.

Bueno, está bien. ¿Qué otra cosa podía haberse hecho, eh? ¿Iba a
lle¬vármelo a casa? A casa no sé, pero por lo menos no dejarlo ahí. Todo
tan de golpe. ¿Así que ahora voy a hacerme cargo de los males de este
mundo? Fenómeno, es bueno saberlo, así uno se prepara. No, no, ¿qué mundo?
Oscar, yo, a lo mejor también Mirta. Mirta. ¿Qué hubiera hecho ella en mi
lugar? No sé, no sé. De cualquier manera, ya es tarde, ya es muy tarde. Uno
tiene los reflejos empastados, eso pasa. Y ahora ya es tarde. Exacto.
Calma, calma. Calma, aunque uno sienta que es la última mierda puesta por
Dios sobre la tierra.

Camino rápido. Un nudo en la boca del estómago. Debe ser el calor. Llego a
la esquina de Tucumán. Viene un colectivo. Ahí, los Tribunales. Un par de
confiterías, negocios, lotería y quiniela, monitores y teclados,
calculadoras, un quiosco. Cruzo la calle. Camino. La vereda. Baldosas
amarillentas, desparejas. Desacelero. Ando más despacio. Unos cuantos
pasos. Voy a vol¬ver; sigo caminando pero sé que voy a volver. Ya se me
ocurrirá qué decirle al pibe, pero tengo que encontrarlo. Doy vuelta. Allá,
Oscar. Del otro lado de la calle, Oscar; Oscar a veinte metros, metiéndose
de golpe en una farmacia. No quiere que yo lo vea. Voy a buscarlo. La calle
Tucu¬mán. Un auto toca la bocina. Me apuro. Corro. Oscar se ve descubierto.
No tiene más remedio que salir del negocio. Me acerco, me agacho en mitad
de la vereda, quedo a su altura. “¿Me parece a mí, o me estabas
siguiendo?”. El pibe no dice nada. Le pongo una mano sobre la cabeza. “¿Por
qué me se¬guías, eh?”. Oscar no contesta. Clava la vista en el piso. ¿Y
ahora qué? Se me ocurre algo. Y se lo digo. “¿Te gustaría que esta noche
viéramos juntos el partido?”. El pibe no hace gestos ni articula sonido,
pero yo me entusiasmo. Le cuento entonces que tengo trabajo por delante,
pero que no importa, que voy a dejarlo para otro día; le cuento que vamos a
ir a mi casa, que voy a presentarle a Mirta, que Mirta hace unas tortas de
cho¬colate que son fantásticas, y que siempre hay un par de porciones en
algún lugar de la heladera; y le cuento que más tarde, a la noche, después
de una flor de pizza de muzzarella, vamos a sentarnos en el living, frente
al televisor, para ver cómo Ríver le mete cinco goles a Boca. “Cinco”,
repito mostrándole la mano abierta.

“No puedo”, dice Oscar. Le pregunto por qué. Él señala con un dedo ha¬cia
Plaza Lavalle. “Norby”, explica. Me incorporo. Se quejan algunas
articulaciones, estoy poniéndome viejo. Lo agarro a Oscar de un hombro,
caminamos por Tucumán hacia Talcahuano. “Por eso no te preocupes. Mañana o
pasado venimos y le explicamos”. Pero Oscar no está convencido. “Norby se
va a enojar”, dice. Sonrío. “Vos no te hagás problema. Yo vengo y le
ex¬plico. Vas a ver que no se enoja”. Oscar camina a mi lado. No habla.
Camina. “¿Y tienen crema las tortas?”, pregunta después.

El sol pega fuerte. Pienso en Mirta. ¿Qué dirá de todo esto? Si la conozco
como creo que la conozco, Mirta, después de la sorpresa y el
aco¬modamiento, va a guiñarme un ojo. El portafolios pesa menos. Nos vamos
acercando a la reja del subterráneo. Purificadores Berta, un modo de
pu¬rificar la vida. Debe ser cierto, pero hay otros modos. Seguro que hay
otros modos. La boca del subte está ahí, frente a nosotros. Bajamos las
escaleras. Oscar me agarra la mano y yo me sorprendo un poco. Este chico
está acostumbrado a la calle, no necesita un seguro para bajar simples
escalones. Aferro su mano con fuerza. “¿Cinco goles?”, pregunta él.
“Cin¬co. Ya vas a ver”, afirmo.

La boletería. Los molinetes. Oscar quiere colarse. Lo detengo. Meto una
mano en el bolsillo y le muestro dos tarjetas. Coloco una en la ranura y
pasa él; coloco la segunda y paso yo. Las escaleras mecánicas. Vamos
ba¬jando hacia la plataforma. El calor es aquí todavía más intenso. El
ruido empieza despacio, lejos. Vamos bajando. El ruido es más fuerte. Un
subte va a entrar en el andén indicado con el cartel “Trenes a Congreso de
Tucumán”. Es el nuestro, nuestro subte. Ahora corremos. “¡Que no se
escape!”. El ruido es una estampida, un volcán en erupción. “¡U-riar-te..!
¡U-riar-te..!”. El subte; se trata del subte frenando en la estación
Tribunales. “¡U-riar-te..! ¡U-riar-te..!”. Los durmientes crujiendo por el
paso del tren, las ruedas sobre los rieles, los sonidos lógicos en una
plataforma subterránea. Y sin embargo, Uriarte. “¡U-riar-te..!
¡U-riar-te..!”.

Pienso que hay muchas formas de hacer goles; pienso que hay muchas formas
de ser el “Puma”. El tren se detiene. Despacio. Oscar y yo esperamos. Las
puertas se abren con un chistido largo. Sale gente. Por segunda vez él me
agarra la mano. Nos miramos a los ojos. Oscar sonríe. Yo también sonrío.
Winner. “Cinco goles”, le digo. Subimos al vagón. Nos va¬mos a casa.

** Jorge Castelli
   jcastelli@hotmail.com
   Escritor argentino (Buenos Aires, 1956). Es poeta, cuentista, novelista
   y dramaturgo. Coordina talleres literarios. Ha obtenido múltiples
   premios nacionales e internacionales, destacándose el Premio La Nación
   de Novela y el Premio de Narrativa “Ciudad de Alcalá”. Es autor de los
   libros de cuentos El lugar de Fanny y Aquella flor en el centro del
   caos, y de las novelas El delicado umbral de la tempestad y Las campanas
   de la revolución. En 2008 su obra teatral Whitelocke, un general inglés,
   fue estrenada en el Teatro Nacional Cervantes
   (http://www.teatrocervantes.gov.ar) de Buenos Aires, con gran recepción
   por parte de público y de crítica. A principios de 2011, Editorial
   Sudamericana (http://www.edsudamericana.com.ar) pondrá en vidrieras su
   nueva novela, El purpurado cuello.



=== Herida ================================================================
=== Gabriel Rodríguez (textos) y Fulvio Fernández (fotografías) ===========

      (Nota del editor: el pasado 27 de febrero se cumplió un año del
      terremoto de magnitud 8.8 que azotó a Chile, el segundo en intensidad
      registrado en la historia de la nación sureña. Como una expresión de
      humildad ante las fuerzas de la naturaleza, esgrimida desde la poesía
      y la fotografía, el escritor Gabriel Rodríguez y el artista Fulvio
      Fernández produjeron este trabajo, cuya versión original en formato
      PDF, y en español y alemán, puede leerse en
      http://issuu.com/letralia/docs/herida-verletzung).

*** Prólogo

La tierra maulina, cada cierto tiempo, cada dos o tres décadas, despierta
de su siesta empedernida y nos sacude con tal violencia que disuelve
monumentos, costumbres y lenguajes.

Perdemos hasta la intimidad; bajo los escombros se escarban las cartas de
amor y fotos en sepia que guardan nuestra manera de ser, nuestra identidad
asimilada por centurias, milenios, donde lo vernáculo se ha negado a la
modernidad avasalladora...

¿Qué pasará ahora que un sismo 8.8 nos ha devuelto a la intemperie? ¿Se
reconstruirá Talca, la cursi, con sus aires parisinos, londinenses?, ¿o a
pulso trataremos de asirnos a los puros elementos del agua y el polvo,
aldeanos consuetudinarios?

Esta obra gráfica-poética tan acertadamente llamada “Herida”, de Fulvio
Fernández y Gabriel Rodríguez, nos resitúa en el génesis de un nuevo
desafío: volver a volar con las alas rotas...

Ante nuestra mirada se despliegan imágenes que huelen a angustia y a ese
desamparo letal que sólo una lente madura y sapiente puede captar en carne
viva, y los textos se encabalgan en versos estremecedores y lúcidos, tal
vez escritos sobre las rodillas cuando aún las réplicas estremecían el
terrón natal.

En suma, el arte maulino en esta interesante propuesta adquiere estatura
mayor al dignificar el dolor humano. Enhorabuena.

                                                          Bernardo González



*** Talca in Memoriam

El trueno de Dios
estalló en la noche
y Talca la presumida
se volvió polvo

Las tripas de sus anticuados sillones
salieron a bailar al sol de marzo
las viejas calles
enmudecieron
cabizbajas

Saltaron las piedras
desapareció su aroma
de aristócrata pobre
perdida entre burdeles
de mala muerte

Desesperada
desabrigada
desnudada
deshabitada

El Claro se encogió
lloroso
la reina de la diez
Claudia la indestructible
se sentó en la Plaza

Y reclamó
a la tierra aún caliente
su nuevo traje
de mediaguas y barro

Añoro
la luz de las puertas caídas
el aire de los salones extintos
el humo de los cafés enterrados
el vuelo de las efigies idas
la canción del habitante

Talca la poderosa hija del trueno
la vasalla
la prostituta
susurra su rosario de monjes
cantando sobre iglesias derruidas
desplomadas
despalomadas
desarrapadas

Cayó la endemoniada
la industriosa
la partera de tonadas

París y Londres
se negaron a amanecer
esperando la resurrección
de las ciudades muertas



*** Fin de mundo

Ya no bajaré a la tierra
a disputar un puñado
de huesos malolientes
la tierra los ha sacado
del fondo de sus vísceras
y los ha expuesto
en la plaza
bailando
caracoleando
riendo a mandíbula batiente
de nuestros monumentos
caídos
heridos
hechos mierda
de un solo corcoveo de la pachamama

¡Fin de mundo!
gritaba un pelado
en la plaza
agarrando sus calzoncillos
¡Arrepiéntanse pendejos
y putas varias!

Los pobres continúan su eterna guerra
con los piojos
caen los libros y las ollas
se rompen las baratijas
saltan las ventanas
se atrofian las puertas
explotan las alarmas
y mi hija llora
quedamente
al borde del mar
que se derrama por los cerros
de Constitución
empelotando la pobreza
de pobre país
cobijado bajo el barro

Cuatro tablas
navegan el Maule
amatonado
furibundo
enloquecido

Las mansiones de barro
descubren su pelambrera oxidada
sus humedades de cocina
desvencijando las chozas de los pescadores
para navegar sin rumbo
sin fecha
sin nombre
como tantos otros
sin memoria
sin rostros
sin cruces
sin futuro

El polvo y el ruido
asaltaron las alcobas
los gritos sucumbieron
al estruendo de las vigas
pudimos embarazar el tiempo

Chanco se inundó de agua y peces
naufragando
entre escritorios y papeles

De nada sirvió el WIFI
twitter
la industria de armas
los espejos
el festival
el bicentenario
los TLC
Se vinieron abajo los edificios
los paradigmas
los trajes de cartón piedra

Una piel mate se estremeció
soñando con el amante
desaparecido
atrapándole los pechos convulsos
desaforados
todo se mueve
se mueve

Un silencio brumoso
emerge del Maule
amanece
cruzo el río de las lluvias
con ojos de sapo

Talca la presumida
no existe



*** El baile de las tejas

San Javier de Loncomilla
danza
un carnaval de tejas
los hornos de pan caliente
vuelan por los aires
las iglesias se inclinan
acongojadas
los postes rezan
colgados de su rosario de cables
la presidenta
arroja el inútil celular
y vuela al centro de la tragedia



*** Escombros

La señora Juanita
cobija una bandada de niños
bajo sus enormes pechos
que tiemblan

En Concepción los siúticos
el lumpen
los expropiados
pierden la vergüenza
y asaltan los mall
oleadas de maleantes
en automóviles
atrapan lavadoras y microondas

Pienso en la casa de mi infancia
una polvareda oculta las lágrimas
mientras busco unos patines entre los escombros



*** Viaje

Un reptil
la carretera
sube y baja
se zangolotea
gruñe
se abre de piernas
zapatea
se hunde
lenta
lentamente
en las entrañas de la tierra

** Gabriel Rodríguez
   Poeta y periodista chileno. Es licenciado en comunicación social
   egresado de la Universidad de Santiago de Chile (Usach,
   http://www.usach.cl). Ha publicado los trabajos periodísticos Carlos
   González, Obispo: con la mirada puesta en las estrellas (Ediciones Al
   Margen, 2000), Neftalí, el niño de Parral, Premio Fondart 2004 (dos
   ediciones), Los archivos del silencio: el caso Urbina-Méndez (2005), y
   Schâfer y Colonia Dignidad: crónica de una secta hermética (2009), así
   como los libros Al final del arcoíris (Editorial Sol, 1983), Entre
   nosotros mañana (Editorial Sol, 1984), Señales de vida (Editorial Sol,
   1987), Hijos de la lluvia (novela juvenil; Ediciones Documentas, 1988),
   Palabras para nacer (Ediciones San Pablo, 1990; cinco ediciones),
   Pasajeros de la esperanza (Ediciones Cenpros, 1990) y El hombre que vino
   del mar (Alfaguara), Premio de Novela Juvenil del Consejo Nacional del
   Libro y la Lectura, 2001.

** Fulvio Fernández
   programahabitante@yahoo.es
   Docente y artista visual chileno (Concepción, 1965). Es profesor de
   artes plásticas y licenciado en educación por la Universidad de
   Concepción (http://www.udec.cl), con magíster en política y gestión
   educacional por la Universidad de Talca (http://www.utalca.cl). Ha
   realizado exposiciones colectivas e individuales de pintura, grabado y
   audiovisual en Europa y Chile. Ha publicado numerosos artículos sobre
   educación y arte, así como trabajos de investigación
   artístico-académica. Ha recibido reconocimientos y distinciones del
   Ministerio de Educación y Cultura de Chile (http://www.mineduc.cl).
   Algunas de sus obras se encuentran en colecciones chilenas y europeas.



=== La cuadratura y lo concreto      Nelson González Leal =================

No es por la cuadratura y el concreto, aunque sí es por la cuadratura y lo
concreto. Tampoco por el Ávila, el color del verde aroma y el axzul, aunque
sí por el frescor que dan los verdes de los árboles y su respiración de
savia y clorofila a la caída de la tarde. Es por el clima, eso sí, sin
discusión, y por los perfiles europeos. Acaso sea por esa nostalgia
ontológica que Murena atribuyó al espíritu enajenado del latinoamericano.
Tal vez sea por eso que ama esta ciudad de balcones inciertos y esquinas
bohemias. Tal vez sea por eso que no se separa de la ventana desde que
descubrió a través de ella su particular cruce barcelonés. Allá ve el
perfil pastel de una farmacia, imbricado entre las sombras y los destellos
de sol, que brindan al ojo cada pequeño resquicio ubicado entre el vaivén
melodioso de las hojas de acacia. Piensa en el sabor ocre que probó de niño
en la goma arábiga y descubre que todo lo relaciona con los colores.
Aquella esquina, por ejemplo, tiene un azul que nunca antes ha visto, pese
a que es el color de un cartel, sobre el cual unas letras blancas imponen
el nombre de Farmacia Santa Mónica —y esto también le gusta, que las cosas,
y las casas y las calles, y hasta las personas, tengan nombres de santos y
de poetas. Le gusta San Bernardino, aunque no esté presente en ella un
estandarte timbrado con el monograma del nombre de Jesús, rodeado de doce
rayos de sol y coronado con una cruz —le gusta más, sin duda, porque no hay
el monograma. Le gusta también la calle Rufino Blanco Fombona, aunque no
encuentre en sus aceras, alguna de las cartas que el escritor compartió con
Unamuno —y esto sí que no le gusta, pero ¿qué se le va a hacer? Nada es
perfecto, sólo su gusto por la ciudad, y por esa esquina de corte
barcelonés donde se expenden curitas, ácido bórico y merthiolate rojo, y
que aún atiende un antiguo anciano de gafas de carey y acento extranjero.
Un boticario, ha dicho. Un boticario, debe ser.

Hace apenas veinte minutos que recurrió a la ventana. Se afianzó en ella
para descorrer la esperanza y, tras el despliegue de la cortina, topó su
iris dilatado con el color pastel de la farmacia, con su mampostería de
rajuelas, el tronco inverosímil de la acacia como un vigilante infinito —o
como una fuente de alimento para los ángeles, porque él siempre ha creído
que los ángeles se alimentan con la sangre de los árboles—, y con la sombra
atemperada por la brisa de la tarde, que acoge bajo sí la risa perpetua de
los niños y el extravío constante e irreversible de la indigencia.

Le gusta también la ventana de este hotel donde se ha refugiado, y ahora se
percata de que es de color azul, aunque de un azul distinto al del cartel
de la farmacia. Más bien del axzul que corona el cielo del Ávila, que ya él
no ve desde hace rato. Su vista se aferra a la esperanza que ha descorrido,
aunque sin saber mucho si podrá llegar a ella. Sólo entiende que a pesar de
todo, y sobre todo, de esa otra esquina distinta, extraña, no barcelonesa,
que recorrió en su destino cuadrado y concreto de recién llegado, y donde
alguien, muy distinto al boticario, se enamoró de sus zapatos, le gusta la
ciudad del boticario, le gusta porque es intensa, multifacética, todo en
uno —como ha dicho siempre—, lo bueno y lo malo de las cosas, de las casas,
de las calles y de las personas que tienen nombres de santo y de poetas,
aunque apuñalen con mácula e inciso a la hora del atraco.

Le gusta, no cabe duda, la cuadratura y lo concreto, y su color, el color
rojo de la sangre que ahora mana a borbollones de su estómago, aunque su
mano —la otra, no la que aferra la esperanza— intente parar la hemorragia.
Le gusta el contraste con el de la sangre de los árboles, que es de un
tibio color dorado —y se da cuenta de que también es tibia su sangre y que
también relaciona todo con la temperatura de las cosas, y de las casas, de
las calles y la gente, y se pregunta, ¿cuánto demorarán los ángeles en
venir a beber de mi sangre, ahora que soy árbol derramando savia? Entonces,
cierra los ojos y piensa que ama a la ciudad por el clima y por el perfil
azul de aquella farmacia, donde el boticario —y él no duda que lo sea y
sonríe al pensarlo, como un último gesto— quizás pueda ofrecerle algunas
curitas, ácido bórico y merthiolate, para curar la herida por donde ahora
se le opacan los colores, el calor y la existencia.

** Nelson González Leal
   negole@hotmail.com
   Escritor y periodista venezolano. Ha publicado Entre grillos y soledades
   (poesía, Edit. Petroleum, Maracaibo, Zulia, Venezuela, 1986), Una pista
   sutil (relatos, Edic. SCEZ, Maracaibo, Zulia, Venezuela, 1988), y Esa
   pequeña porción del paraíso (novela, Edit. Comala, Caracas, Venezuela),
   y participó en la antología Un paseo por la narrativa venezolana. Ocho
   relatos cortos (Edit. Resma, Santa Cruz de Tenerife, España, 1988).
   También ha publicado textos en diarios y revistas locales e
   internacionales, impresos y en Internet.



=== Poemas      Beatriz Iriart ============================================

*** Ansias

      A los sobrevivientes

Te he soñado tanto
en estos días
de potaje y pan.
Te he soñado tanto
con la escarcha y la hambruna
con las cadenas lacerando los tobillos
con el terror
instalado en la barraca.
Te he soñado tanto
LIBERTAD.



*** El escultor

      A la memoria de Anna Frank

Poseer una cuchara-cuchillo
es convertirse en ávido escultor.
Hay que ubicar
un pedazo de latón y que aflore
para no desperdiciar
ni una gota del potaje.
Y con el cuchillo
cortamos el pan
para canjearlo
por otras cosas
más útiles.

Sí, poseer una cuchara-cuchillo
en estos días.
Es todo un arte.



*** Números

      A la memoria de Itsjok Katzenelson

No preguntes, no esperes respuesta
ante las “bestias” somos una cosa
una carga
que odian y justifican.
La barraca está gélida
como el invierno allí afuera.
Sólo el recuerdo del terruño
es cálido y es bueno para dormitar
con ese sabor añejo.
No hay salida
en estos campos.
Pero podés esperar
una “selección”
metamorfosearte en pájaro
o sencillamente aguardar
un disparo
de “ocasión”.



*** Yo estuve...

      A la memoria de Primo Levi
      27 de enero de 2006.

Yo estuve en Auschwitz.
Yo parí hijos
de amargura, dolor y espanto.
Yo anduve descalza
en el fango de un campo con flores segadas
al igual que las semillas frescas
de nuestros rebaños.
Y hoy a los 61 años
de la liberación del campo:
Soy una sombra,
una mujer sin rostro.
La desolación y el hambre.
Yo...
yo estuve en Auschwitz.

** Beatriz Iriart
   bruma.bruma@yahoo.com
   Poeta argentina (La Plata, 1954). Textos suyos han sido publicados en
   Archivos del Sur, Escritoras Unidas y Compañía
   (http://escritorasunidas.blogspot.com), Literatura del Mañana
   (http://literaturadart.blogspot.com), Proyecto Editorial Banda Hispánica
   (http://www.jornaldepoesia.jor.br/BHBHportal.htm), La Prensa-The Press
   (http://www.laprensathepress.com) y Letras Uruguayas.



=== Día de muertos      Odilón Moreno Rangel ==============================

Es la fiesta de los muertos. Toda una tradición en México. Pero también
representa un largo, complejo e intrincado proceso de sucesivas fusiones de
diversas tradiciones. Las dos principales: la de los “otros” que siempre
han dominado, pero que no necesariamente han sido los mismos. Y la de los
otros “otros”, los sujetados que también no siempre han sido los mismos. En
el devenir histórico los dos “otros”, se han enriquecido, fragmentado,
excluido, suprimido, y recreado mutuamente en quién sabe cuántos órdenes y
en qué medida. Llego a la comunidad. El calor es sofocante. En el camino
saludo a algunos conocidos. Hay una gran movilización en el pueblo.
Prácticamente todos los habitantes se encuentran preparando la fiesta o
haciendo rituales. Aspiro profundamente, huele a vegetación, y al perfume
de las flores para muerto. Me siento transportado a un tiempo pretérito
donde prevalece la magia y donde la divinidad está en todas partes y
momentos. Esta fiesta es, sin duda, una de las celebraciones de mayor
complejidad para el culto a los antepasados que haya en América Latina.

Veo mi casa. Me da un vuelco el corazón. Me dirijo a ella. Abro la puerta.
El golpe del aroma del altar me sacude. Es un aroma compuesto por la
combustión de las velas de cera de abeja, las flores de muerto, flores de
mano de león, alcohol de caña de azúcar que llaman refino, cigarros
consumiéndose, pan y diversos platillos como mole rojo y tamales. Veo a mi
padre con su piel remojada por los años de vivir aquí. Un balde de alegría
me empapa, me llega a las venas. Papá está de espaldas. Lo saludo
efusivamente. Voltea a verme con una sonrisa que me ilumina el corazón.
Pero su sonrisa se evapora tan pronto me mira con precisión.

—¿Qué haces aquí? Ya ni los muertos se aparecen así —me dice con amargura
en nuestra lengua madre.

—Vengo a visitarte —le digo en español.

—No vengas como siempre vienes. Estás más muerto que ellos —me dice
mientras mira las fotografías de los difuntos que ha habido en nuestra
familia—, y habla en nuestra lengua —me ordena.

—Tengo mucho trabajo, no puedo venir de otra manera —le digo en nuestra
lengua.

—Ya te comieron todo allá. No se puede hacer cosa alguna por ti —me dice
con tristeza. Luego me pregunta:—. ¿Cuándo vas a traer a los niños? Pero
tráelos de verdad, no como tú vienes. Todavía se puede hacer algo por
ellos.

Ya no contesto. Sólo escucho los regaños de mi padre. Mi padre es profesor
de tradición local en el pueblo desde hace veinte años. Está especializado
en religiosidad y medicina tradicional. Se encarga de formar a los niños de
la comunidad en relación a los papeles que deben desempeñar durante su vida
en el sistema de cargos en la localidad. También tiene bajo su
responsabilidad la selección y formación de especialistas en medicina
tradicional: curanderos y parteras. Igual participa en el consejo de sabios
de la localidad para diseñar, operar y evaluar proyectos de desarrollo
sustentable en nuestro pueblo.

Siempre que vengo, papá me dice que soy parte del engranaje de la
maquinaria de la economía global. Me recrimina haber salido del pueblo y de
su cultura. Él dice que históricamente los programas sociales para
“enriquecer” las distintas culturas que hay en nuestro país, son en
realidad estrategias para diluir nuestra cultura y subsumirnos al mercado.
Según él, soy un ejemplo de ello. Lo soy porque decidí aprovechar los
beneficios del Estado para mi formación científica. Lo soy porque me he
ocupado de desarrollar ciencia y tecnología en relación a las
comunicaciones, y que eso, según las ideas de mi padre, de ninguna manera
ha contribuido a que mejore la calidad humana de cualquiera de los
habitantes de la tierra.

Después de escuchar los argumentos de mi padre, me digo que no tiene
sentido permanecer más tiempo aquí. Me despido de papá. Él me ignora.
Continúa en la celebración de los fieles difuntos. Voy cerrando los
sistemas. Veo a mi padre y al mismo tiempo el lugar saturado de tecnología
en donde estoy. Me quito las interfaces que tengo conectadas al cuerpo.
Dejo de percibir los aromas, la temperatura, los colores, las formas que
hay en la localidad, menos la añoranza de abrazar a mi padre. Regreso aquí.
Trato de ver lo que hay a mi alrededor con otros ojos. Veo las máquinas.
Pienso en su prácticamente ilimitada capacidad para imitar la realidad,
pero su ineficiencia para estar con mi padre. Pienso en que las máquinas
que he diseñado hacen que nos proyectemos en otros espacios en tiempo real
y que percibamos la gravedad, la temperatura, los olores, la presión
atmosférica, en fin, todo lo que el cuerpo humano puede percibir, pero en
verdad nunca estaremos allí.

Prácticamente en todas las ciudades importantes del mundo está replicado un
lugar como en el que estoy. Está disminuyendo el uso de transportes
convencionales, y con ello los daños a los ecosistemas. Pero la interacción
humana no es la misma. A veces creo que este tipo de comunicación es
análoga a la comida que sirven en los restaurantes de comida rápida que
igual están replicados en casi todo el mundo: insípida y dañina para la
salud. Reflexiono con cierta tristeza que he llevado a la más alta
sofisticación el engaño, y el abuso de esta tecnología puede llevar a otros
daños, pero en lo humano. Pienso que quizá papá tenga razón, quizá sea hora
de regresar, en verdad, a la comunidad.

** Odilón Moreno Rangel
   ueuetezca72@hotmail.com
   Escritor mexicano (Pachuca, Hidalgo, 1972). Es psicólogo educativo.
   Actualmente es profesor del Centro de Educación Superior del Magisterio
   (Cesum). Es miembro del Comité Estatal de Investigación Educativa de las
   Escuelas Normales del Estado de Hidalgo. Realiza el posgrado “La
   práctica de los valores en contextos educativos” que convoca la
   Organización de Estados Iberoamericanos (OEI, http://www.oei.es), por
   formación virtual con la coordinación académica de la Universidad de
   Barcelona (http://www.ub.edu). Textos suyos han aparecido en diversas
   revistas digitales, como La Zorra y el Cuervo
   (http://www.lazorrayelcuervo.com) y Remolinos
   (http://revistaremolinos.blogspot.com).



=== Poemas      Ernesto R. del Valle ======================================

*** Carnaval

Allá vienen las comparsas.
Pasan entre trago y trago
danzando al compás
de tambores y de quintos.
Los pasos de las bailadoras
parecen latidos acompasados.
Estas hembras nocturnales
entregando sus ritmos
a la desidia de sus vidas
mientras los machos
la envuelven, la giran, la toman
en sus brazos
en ese frenesí desesperado
que se aloca frutal en sus caderas.

Luego pasan los disfraces
los rostros sin rostros
de obreros diurnos,
pasan escondiendo sus deseos
detrás de las mamparas
y los antifaces.
Los conocidos ahuyentadores
de la luz y la paloma
de mano a mano
con sus matracas, pitos
y trapos de colores por banderas
apresados en sus gritos
y jubilosa algarabía,
sosteniendo por un hilo
la tristeza y la nostalgia

Detrás de sus hambres y falsa aristocracia
desfilan las carrozas descargando luces,
lentejuelas, sonrisas estrujadas...
Encima, sin tocar el cielo, pobres mujeres
danzando sus ansias, masticando la lujuria
deseando ser centradas en el breve ciclón
de sus caderas.

Y más atrás, la noche y sus silencios.
Breve, majestuosa,
envolviendo la incrédula mirada
con el manto de la soledad
esta nostalgia y el sosiego.

Y luego paso yo, muñido y desolado,
opaco y neutral,
con la soledad de toda esa multitud a cuestas...
con el silencio de la algarabía en la voz...
En la mano, un copa de sueños...
y en los labios una palabra perdida
en medio de la nada...



*** Otros objetos familiares

Pequeños objetos me convocan al recuerdo.
Me halan del cabello y a empujones
me hacen replegar a otras instancias.
La corbata, por ejemplo, la que me quitaste
con tus dientes femeninos de leves mordeduras.
Este cinto y estas medias que yacen colgados
como suicidas en la sombra.
El pequeño peine con el que tantas veces
desricé los vellos rebeldes de algún pubis.
La ingrata postal de despedida
en la que dos palomas dibujadas
sobrevuelan un cielo abrillantado
hasta el delirio, hoy manchado
por gotas de café y el tiempo.
Descuento de la lista aquellas páginas
donde unos versos hablaban de paz, amor
y juramentos tan triviales que jamás cumplí.



*** Simple vida

¿Por qué el silencio, me pregunto airado,
se hace paz en la mirada yerta?
¿Por qué la soledad llegó a mi puerta
como un perro sin amo y sin cuidado?
¿Por qué se me incinera en este lado
donde el amor reclama lo que es suyo?
¿Por qué además este nefasto orgullo
de ser sin ser la herida en el costado?

Vengo de cortar las alas a mi sueño,
de vindicar la luz ante la sombra
con el verso casual y cotidiano
y vengo con el más humano empeño
de ponerlo azul como una alfombra
a tanta soledad vivida en vano...



*** Variaciones de un no, a la guerra

Porque amo, en primer lugar, la vida.
la que late en mí y en la de todos.
Porque amo lo que hago y lo que escribo,
lo que intento hacer y decir en mis estancias,
Porque llevo mi sangre a bocanadas.
Porque siento al sol arder en mis jardines.
Porque amo al zapato que me lleva a los caminos.
Porque las medias sienten mi calor humano.
Porque mis pantalones caminan sin mis piernas.
Porque el cinto aprieta mis riñones.
Porque no llevo calzoncillos que me asfixien.
Porque llevo camiseta, o no llevo.
Porque la camisa la cuelgo del recuerdo.
Porque mi astigmatismo detrás del espejuelo.
Porque llevo el reloj a la derecha,
porque a la izquierda llevo mis principios.
Porque no uso sombreros, ni gorras, ni paraguas.
y cuando los uso es simplemente porque quiero.
Porque así me siento pleno y casi loco.
Porque no uso el amor de la mujer en vano
ni tampoco las banderas ni las flores.
Porque me siento niño en este parque.
Porque me acompañan mis muertos con sus lanzas.
Por todo esto, señoras y señores.
hago salir mi grito por la vida...
y lo comparto.



*** Escribir

No hay silencio
sino su esencia levitando
en la palabra por nacer.
Su esencia que no es el silencio
sino tú y tus miserias frente a ti
observando cómo nacen las palabras
madurando unas tras otras.
No es el silencio,
es esa coartada contra la muerte
contra el olvido
y contra la palabra misma

máxima enemiga...



*** Casa de la infancia

Hoy perteneces a esta historia
que el tiempo nunca empolvará
que nunca jugará sus naipes
al revés, a contrapartida
de la muerte.
Por alguna parte han de estar
las huellas de mis primeros pasos.
Rebotando contra las paredes
los ecos de mis llantos
de niño enfermo
Por allí mis fiebres
y las ansias sobre todo
de niño todavía, trastornado
en la complicidad de las hormigas.

La llevo en mi memoria,
entretejida en mis sueños
junto al aroma de quicalias
asomando sus colores
a través de la ventana
de aquella estancia donde mamá
era la reina de los olores y sabores
Casa de la infancia
pequeña catedral de la inocencia
y el sosiego...



*** El camino

      Se hace camino al andar
      Antonio Machado

Allí serpentea, brumoso,
humedecido por las lluvias,
con el peso de las tantas huellas,
cada paso firme
sobre sus grumos y piedras solitarias.
Allí el camino que el hombre traza
y es su ruta cotidiana,
no hay otro posible en sus recuerdos
sino ese, en su largo vagar
por sus zonas,
en el duro bregar hacia la meta
que se va haciendo memoria
a cada paso.



*** La noria

Vueltas y más vueltas para llegar a nada.
¡Qué terrible estuario a la desidia!
¡Qué cansancio a lo que pulsa!
¡Qué nulidad a la razón de los sentidos!
Vueltas y más vueltas para llegar a nada.
Y lo no satisfecho quedar grabado
en una mueca por sonrisa.
¡Qué nula fiesta a lo que nada triunfa,
a lo que nada brota!
¡Qué angustia para lo que quiere
eclosionar y ser galaxia!



*** Generación

Soy tu generación, mi propia huella
Aquel surco que tracé con tus heridas;
soy estas palabras junto a ti crecidas
noctámbulas estrellas.
Yo soy tu propia luz tal vez la niebla
a la orilla de un año y otro año,
que perdemos tras ese sueño extraño
y tanto sueño puebla...

Soy ustedes, acaso, y soy otros
que viven desbordados en canciones.
(yo soy sus mismos rostros...)
Soy ustedes, estrellas desprendidas
del ámbito social chispas de vidas
en simples corazones...

** Ernesto R. del Valle
   yarabey@gmail.com
   Poeta cubano (Camagüey). Reside en Estados Unidos. Fundador de la
   Brigada “Hermanos Saíz”. Ha publicado en diarios y revistas de Cuba,
   Santo Domingo, Argentina y España. Sus poemas aparecen publicados en
   diferentes antologías. Obtuvo el Premio de Cuentos Cortos en el primer
   Concurso de Relatos para el Estado de la Florida, auspiciado por
   Ediciones Voces de Hoy (http://www.vocesdehoy.net). Ha publicado el
   libro de cuentos Miércoles de Ceniza (Miami, Voces de Hoy, 2010). Es
   editor de la revista literaria Guatiní
   (http://delvalle-wwwrevistaliterariaguatini.blogspot.com).



=== El árbol, la roca, la serpentina sierpe      María Eugenia Sáez =======

Gracias por responder, Ana; le quise quitar a mi mensaje todo lo negativo
sobre él.

Al volver del parque, compramos dos cervezas y se las quiso tomar solo en
el patio trasero del taller mecánico donde hasta ese día trabajó; “quiero
pensar”, dijo, y lo entiendo, porque está por empezar un nuevo trabajillo.
Yo me subí al carro, hablé por el móvil con mi hija un minuto y, al echarle
una mirada a él, sentado bajo un arbolito, decidí acompañarle un rato.

Lo encontré taciturno, sentado imperturbable, como sabiendo que yo iba a
acudir a su “llamado”. Ha ocurrido antes esta escena de La balandra Isabel
llegó esta tarde (¿no has visto la película del argentino?), pero tuvo una
variante: me senté callada sobre una roca, un poco detrás de su espalda y
él apenas se volvía a verme, las manos le colgaban; ahí sin hablar
estábamos; le digo que si me da un traguito de cerveza y se vuelve con una
mueca mordida y me hace un ademán, con dos manazas callosas como una
caricia, de sacar un gran botellón de la mochila. ¿Qué tomaremos?, le
pregunto. “Vino tinto español”, dice con sorna, y me pasa una sutil botella
de cerveza de un litro. “No, gracias”. Y muy seria.

Sólo reaccionó a una frase que comencé con algo sobre sus tíos, “¡No te
metas con mi familia!” me saltó. ¡Oh amor intenso, etílico, ojos de
gavilán, cuerpo de león!

Al irme hizo un comentario vulgar sobre lo que no quise hacer con él
(“¿Cuándo será que me..?”, fue lo que lanzó al aire). Lo sentí siniestro;
será que sigue creyendo en eso de si adquirir poderes, o que está fumando
mota, o está desesperado, simplemente. Me dijo que la mujer de su amigo el
ocultista lo dejó y se llevó a los niños; le dije que una mujer puede
seguir queriendo a un hombre pero a la vez aburrirse de él y vivir
tranquila (¿lo crees, Ana?)

“Me gustan demasiado las mujeres”, había dicho una vez, “me gustan todas
las mujeres”. “Y tú”, le dije ahora, “tú les gustas a todas las mujeres, a
todas ésas que llegan al taller con sus carros europeos” (sonríe con los
labios pegados), “y eres parecido a tus tíos”. “¿A qué tíos?”, me pregunta.
“A esos dos tíos que estaban locos por todo ese mujerero, adictos a ellas,
a ésos que terminaron suicidándose”. Ahí fue que saltó con lo de “no te
metas con mi familia” y me miró amenazador. Recordé nuestro último
encuentro, lo alterado que estaba, lo remoto que se puso y cómo me fui
rauda por entre los matorrales, la luna me pisaba casi llena, sin que
hiciéramos nada, y cómo le dije “tú me quieres hacer daño, le quieres hacer
daño más que a mi cuerpo a mi ánima”. Y no respondió ni se movió, ni
parpadeó, ni jadeó, ni dejó de mediosonreír con sus labios apretados, esa
línea que mi lengua bífida conoce. Así quedó él mientras me vestía sin
secarme, mientras el carro me llevaba y nos separábamos.

Anoche, sentí que mi espíritu había resistido al suyo o al que le posee. Le
deseé suerte en su nuevo trabajo. No dijo nada. Al voltearme lo vi; era un
árbol blanco bajo la luna estátil, no tenía expresión, estaba “ido”. Y yo
estaba perdida sin Adán, sin Edén.

“Adán” significa “tomado de la tierra”, sabes, en arameo o algún lenguaje
antiguo.

Según lo acordado entre mi esposo y yo, tras la vuelta a la convivencia, ya
no hay secretos. Le dije: “ÉL me está llamando y necesitamos hablar ÉL y
yo”. ÉL volvió a encontrar trabajo, mejor que los de antes (otro
trabajucho, Anita, pero es lo que ÉL puede) y cerca del apartamento de su
novia, donde vive con ella, donde deambula pensativo, con necesidad de
compartir todo esto conmigo. No hicimos nada, ni un beso nos dimos (me rozó
una nalga pero, si no hace eso, es que se le cae la mano), aunque estábamos
en nuestro parque.

Claro que no era conveniente vernos, pero hace un año que no estábamos
juntos y “solos” ojo a ojo. Casi no habla (aunque te rías diciéndome “tu
mecánico”); tiene un agua helada y empozada en el alma. Yo veo en las
personas almas y las veo cada vez más claramente, es algo que me está
empezando a pasar. No es que a él no lo desee vorazmente y hace años, al
que es “carne de mi carne” como dice la Biblia, sino que al empezar a ver
su alma, todo lo demás va perdiendo corporeidad y volviéndose más y más
tenue, desde su pelo hasta su voz consustancial, el dorso portentoso en que
me entretejo, su perfil cetrero, el terroso pene, sus manos de sierpe, la
espalda inmensa que recorro. Me lo quiero tragar.

Mi editora, dama viajera, me dice que echan de menos mi presencia en la
oficina, que vuelva, que lo deje (¿a ÉL?, ¡ya quisiera ella dejar a uno
así!), que me suelte de su garra.

Clavado en mi alma, siento su amor como sangre que ya no corre sin cauce,
inundándome. El perdón que siento es mayor cuanto más insensato le veo;
recuerdo mi insensatez.

O más bien recuerdo mis batallas perdidas y ya no sé contra quién las libré
allá en Edén.

Le da rabia que yo sonría con los labios pegados; me pregunta si recuerdo
nuestro pasado y aún le quiero, y si lo he perdonado, y si quiero irme con
él al hotel; y ahí van en orden:

sí
sí
sí, pero no lo voy a hacer.

“¿Entonces por qué sonríes?”. Porque tengo del todo mi pasado; recuerdo
cómo te amé, que fui auténtica, fui entera, fui valientemente hacia ti,
integrando el presente en un pasado que llegué a poseer de modo pleno,
integrándome en alma y cuerpo a ti. ¡Escúchame, ÉL!

El cuerpo tiene recuerdos, el vientre recuerda, los labios recuerdan, los
párpados, las fosas nasales, las del sexo, las puntas de los dedos. Y te
dicen “gracias”. Con toda el alma.

Le dije esto porque no podía haberle dicho “no triunfa de mí tu tiranía...
pues te labra prisión mi fantasía”. Porque, Ana, él no ha leído a sor Juana
Inés de la Cruz ni la leerá, y porque, a decir verdad, una cervecita y ya
mi piel se dejaba caer sobre la roca bajo el árbol.

      Que contiene una fantasía contenta con amor decente

      Detente, sombra de mi bien esquivo,
      imagen del hechizo que más quiero,
      bella ilusión por quien alegre muero,
      dulce ficción por quien penosa vivo.

      Si al imán de tus gracias atractivo
      sirve mi pecho de obediente acero,
      ¿para qué me enamoras lisonjero
      si has de burlarme luego fugitivo?

      Mas blasonar no puedes, satisfecho,
      de que triunfa de mí tu tiranía:
      que aunque dejas hurtado el lazo estrecho

      que tu forma fantástica ceñía,
      poco importa burlar brazos y pecho
      si te labra prisión mi fantasía.

               [para Ana Gato Allende, amiga inolvidable de una vez lejana]

** María Eugenia Sáez
   mayerfmt@aol.com
   Escritora y editora venezolana (Maracaibo, 1955). Reside en Alhambra
   (Los Angeles, EUA), donde edita el quincenario Avance. Es historiadora
   por la Universidad Central de Venezuela y doctora en literatura de los
   Siglos de Oro por la University of Southern California (Los Angeles). Ha
   sido profesora universitaria en la UCV y en California. Tiene inédito su
   libro Don Quijote de Indias, así como diversos relatos de ficción y
   poemas.



=== Con tus ramas de vidrio      Adán Echeverría ==========================

Con tus ramas de vidrio
palidecemos cada remolino de silencio
cada célula que ha borrado el viento en nuestra calle
volcando los sepulcros
La noche y los cervatos se alejan con la luz
             y esas nubes bajo tu vestido...
El diamante en la luz de las estrellas
     esa luz  la luz que aborrecemos tanto
Con tus ojos teresa de piedra sangrante
los sepulcros abiertos en nuestros lomeríos
y la paz que se dibuja con la niebla
Es la noche cuando el alba
tejió sobre tus hombros el tatuaje de vidrio que tanto te gusta
La madrugada de espinas y cruceros insomnes
y esa lluvia...
              Llueve llueve y con cada golpe
la distancia crece hacia los matorrales del sueño
hacia los cuerpos en que me he rendido
por cada borrasca que te va dejando seca
pálida y pisando los brazos del insomnio
      Así era la luz        la luz  la luz  que nos olvida
                    y así eran tus ojos sangrantes
La luz de tu vestido de pedrería imaginaria
de nube gris y arcoíris indefenso
Voy sobre el asfalto a entregarte margaritas
hasta ser tan sólo la rama del árbol que cruje y el pájaro de jaspe
la raíz en que contienes el aire enrarecido por el humo
el cielo herido ya por tanto eclipse
por los años que nos van despedazando
y nada queda sino esta veladora y algunas cuentas de mercurio
encima de las teas
algunos humos dióscuros para una vida dependiente
     carajo nos amamos y los cuervos de la repisa se revisan el plumaje
     carajo las luciérnagas de nuestros labios trozan el viento
el uno encima del otro y las cabelleras crujiendo con las ramas
el uno bajo el otro y los gatos se descubren impuros
el árbol crecido de nubes y el arcoíris abarca la torcida lengua
cuídame de tanta piedra
         No me dilates  te digo encimando los aullidos
en esta calavera lúnica en que me descubres siempre bajo tu sombra
No me dispares al epicentro
de tus espinas y cardos lunares parricidas espermáticos
Nos hemos vuelto coráceos
como las calles de estrellas que diluyen
y esas ráfagas que deja el ojo frío
el ojo neutro de nuestras distancias renovadas
la pesada ceniza que se filtra entre las nubes
y los remolinos rendidos a la noche
               quedan el silencio y su neón sobre cada cuerpo desgarrado
               sobre cada piedra que se percibe intacta
Es tu manto teresa  tu mano
de iridio que no sucumbe al torrente del tiempo
tu pierna de roble elástica elástica la montaña donde me guardo
la luz que me envenena
el disperso tiempo y las horas como tropezones
y de siempre es la vida para beberte cada pómulo de lomeríos y diamantes
sí teresa diamantes  diamantes los circulares pechos en que me disuelvo
gris tan gris como mi propia ardilla que precipita cada noche
cada mutación del sino de mi rostro en cada árbol
ese pálido fulgor de la sequía negra
yo y el maldito venado de mi nombre
ese brujo encandilado por la carretera que soy
por el agua que soy
por la leche silente que soy al entregarme
Soy esta sierpe que se curva sobre cada bosque imantado de quebrantos
sin paciencia ni olvidado olvido
en cada muralla     lo sabes
todo ocurrió esa noche que se violentaron las peceras de mi cuerpo
todo fue rendirse sobre el prado ambivalente y el columpio que me presentía
                              fiero por tu catarro de dioses inseguros
por cada talón con que despides la lepra
con cada movimiento en que te escapas
de mi patria
de la memoria lúcida del aquelarre
de ese cadáver florecido por los filos giratorios de cada río que me
      [recorre el cuerpo
escorpiónicas mis piernas cardos cardumen de equilibrista mágico
porque mágico es tu cuello para la soga de mi brazo
para esta fogata en que me consumo
con el licor propicio en la mirada
y el aletazo a ciegas
esa transparencia del sonido de tu carne
esta ave negra que soy en cada ceja tuya
en cada picotear la espera
con todo mi demonio translúcido
mi gobierno de duendes y panteras blancas que te hacen la corte maldita
      [cortesana
Qué no ves que te he acercado las mareas
que la arena no me basta para poder plantar mi huella en tu búsqueda
¿no lo notas?
¿no lo alcanzas a dibujar en cada arremetida de cabras a tu costado?
¿no te has dado cuenta cebolla mágica?
mañana todos con nuestro rostro de cobre
y ese vestido de pedrería imaginaria
seremos esa luz en el plumaje voltaico
viva hambre de pertenecerte
seremos la distancia perezosa de árboles en el estío
las puertas que no resisten el paso de las barcas
o esas caracolas de odio que se regodean en tu luz
¿no logras reconocerlo?
He aquí las margaritas que siempre tengo dispuestas junto a la ventana
un poco de miel un poco de agua serán todas las abejas las que promulgarán
      [sus intemperies
donde no hemos vuelto a equinocciarnos porque no hay motivo
nada más que tus cejas duras y maquinistas del tiempo donde me guardo los
      [lobos
tus cuartos amplios donde me recibes
y el beso tan delgado y húmedo en que palidezco
Oh mi teresa de las fábulas   tú me preguntas si estas flores eran para ti
si cabrá esperar otra madrugada para atragantarnos el uno sobre el otro
con cada semilla que depositas en mi lengua

** Adán Echeverría
   adanizante@yahoo.com.mx
   Escritor mexicano (Mérida, Yucatán, 1975). Escribe poesía y cuento.
   Biólogo con Maestría en Producción Animal Tropical por la Universidad
   Autónoma de Yucatán (Uady, http://www.uady.mx). Integrante del Centro
   Yucateco de Escritores, A.C., de cuya revista Navegaciones Zur es
   editor. Ha publicado los poemarios El ropero del suicida (Editorial
   Dante, 2002), Delirios de hombre ave (Ediciones de la UADY, 2004) y
   Xenankó (Ediciones Zur-PACMYC, 2005). Participa en los libros colectivos
   Litoral del relámpago: imágenes y ficciones (Ediciones Zur, 2003),
   Venturas, nubes y estridencias (ICY-INJUVY, 2003) y Los mejores poemas
   mexicanos; edición 2005 (Fundación para las letras mexicanas y Joaquín
   Mortiz-Editorial Planeta, 2005). Textos suyos han aparecido en las
   revistas Abisal (Instituto Quintanarroense de Cultura), Luna zeta
   (Oaxaca), Acequias (Universidad Iberoamericana de Torreón, Coahuila),
   Tierra Adentro (Conaculta), Alforja de Poesía (Universidad Autónoma
   Metropolitana, UAM), El Universo del Búho (Instituto René Avilés
   Fabila), Molino de Letras (Texcoco, estado de México), Fandango (Oaxaca)
   y SIC y Los Otros Errores (Distrito Federal), así como en el suplemento
   Arena del periódico Excélsior (Distrito Federal) y en las revistas
   digitales Prometeo Digital (http://www.prometeodigital.org), Proyecto
   Sherezade (http://home.cc.umanitoba.ca/~fernand4), Ficticia
   (http://www.ficticia.com) y El Otro Mensual (EOM,
   http://www.eldigoras.com/eom/umbral.htm). Coordinó el taller de creación
   literaria del Injuvy (2003-2004) y el Taller Literario Grietas
   (2004-2005), participa en el taller del CYE y coordina la Catarsis
   Literaria El Drenaje. Ha obtenido diversos reconocimientos en su país,
   como el primer Certamen de Poesía Joven Jorge Lara (2002) y el Premio
   Nacional de Poesía Rosario Castellanos, donde obtuvo el segundo lugar.



=== Nostalgia del bosque      Arquímedes González Torres ==================

Dicen que maté a esos niños, pero juro que no.

Los cráneos encontrados en mi casa los descubrí en el bosque un día que
recogía madera. Recuerdo que caía una llovizna leve, de esas que no
empapan.

Me adentré en el bosque y fui a la colina en busca de pedazos de madera
porque soy escultor y obtengo mi material de ramas caídas para cortarlas,
tallarlas, pintarlas y vender figuras en el centro.

Iba con mi bolso en el que guardo el serrucho y de pronto, tropecé con un
pequeño promontorio.

Bajé la vista y ahí estaban: dos cráneos semienterrados sin cabellos ni el
resto de los huesos. Los recuperé y los miré largo rato, pensando qué
hacer. Confieso, fue mala idea traerlos a la casa, pero no imaginé que a
esos niños los habían matado porque ellos me contaron otra cosa.

Les quité la tierra y el lodo acumulado. Tenían mala dentadura, los cepillé
y los acomodé en la mesa de noche. Me senté en el sillón y los observé.
Cansado, los coloqué en la repisa y al día siguiente, ahí estaban.

Ya no estaba solo.

Al principio no hablaban pero se les quitó el susto de ser encontrados y de
poco soltaron palabras. Uno se llama Ignacio y el otro José. Huyeron de su
madre y se vinieron a la capital en donde se sentían felices de estar
libres de maltratos.

Pero las malas amistades los arrastraron a los barrios más peligrosos y ahí
conocieron a otros niños sin inocencia. Olieron pega y de tanto hacerlo, se
les olvidaba comer y con los años no recordaban ni los nombres de sus
padres.

Robaron en viviendas cercanas, los atraparon y les dieron palizas porque la
Policía no podía detenerlos, sin embargo cada día se hacían más fuertes y
experimentados. Corrían detrás de una mujer y zas, le quitaban la cartera o
esperaban que sacaran el dinero y chas, se lo arrebataban o seguían a su
víctima y pum, le daban de golpes, bangán, de patadas y le quitaban los
zapatos, la camisa y los pantalones para cambiarlos por pegamento.

Fue Ignacio el que enfermó. Del ayuno estaba enflaquecido. No le quedaban
fuerzas y José se esmeraba en cuidarlo. En las mañanas José salía en busca
de algo qué robar, regresaba con la pega y le daba al hermano para
reconfortarlo.

En la pocilga donde vivían con los otros diez muchachos, José descubrió que
abusaban de Ignacio y eso no lo soportaría. Suficiente habían aguantado con
su padrastro.

Se fueron de ese horrible tugurio y se quedaron en el bosque. Pero Ignacio
en la intemperie se puso peor, con fiebres y vómitos de color negro y un
día, José no logró despertarlo y se quedó junto a él consumiendo los cuatro
vasos de pega que había conseguido dos días antes.

José se sentía muy mal por la muerte de su hermano y le dio por no comer.
Robaba, compraba pega y corría al bosque porque al tardar, los zopilotes y
perros aprovechaban para arrancar y devorar una mano, un brazo o una pierna
de su hermano.

Un día, José descubrió que había muerto.

Por muchos meses la pasamos alegre haciéndonos compañía, sin embargo una
mujer lo estropeó todo. Vino a buscar una de las piezas que me había
encargado.

Ignacio y José oyeron golpes en la puerta y me gritaron:

—¡No la dejés entrar!

Pero no hice caso.

Al ver los cráneos su expresión fue de espanto, pero la tranquilicé:

—Son Ignacio y José —le dije presentándolos.

Me denunció a la policía y desde hace dos años estoy en esta celda
insistiendo en mi inocencia y padeciendo, porque me alejaron del bosque, de
Ignacio y José.

** Arquímedes González Torres
   shimane72@gmail.com
   Escritor nicaragüense (1972). Ha publicado los libros de cuentos La
   muerte de Acuario (2002, 2005), Qué sola estás, Maité (2007) y Tengo un
   mal presentimiento (2009), así como la novela corta Conduciendo a la
   salvaje Mercedes (2009). Fue ganador del Certamen para Publicación de
   Obras Literarias organizado por el Centro Nicaragüense de Escritores
   (http://www.escritoresnicaragua.com; 2009); además ha obtenido una
   mención en la categoría de libro de cuentos del Premio Centroamericano
   de Literatura Rogelio Sinán (Panamá, 2007) y ha sido finalista del I
   Concurso Internacional de Cuento Breve Salón del Libro Hispanoamericano
   Ciudad de México (2008), de los III Premios Literarios de Ediciones
   Oblicuas (http://www.edicionesoblicuas.com), en Narrativa (España,
   2009), y del V Premio Nacional de Novela Ciudad Ducal de Loeches
   (España, 2010). Mantiene una página personal en
   http://arquimedesgonzalez.blogspot.com y sus obras pueden adquirirse en
   http://acuario72.bubok.com.



=== Al borde del estallido (extractos)      Víctor Parra ==================

Al borde del estallido

Haces
el intento

Apaciguas

Con tu
mano

Esta 
hoguera
de mi vida

Apagada
O encendida
A ratos

===

Amada
nos queda
este amanecer
de luna
creciente
colada
en los predios
de un deseo

Que en
nosotros
se queda
quieto

Entre 
la cama

y su desorden

===

Nada impide
este encuentro
de dos juntos

bajo luna llena

dos pliegues

ondulantes
somos

===

Quieto
mi labio

Busca
su boca

Dormida

Al beso

===

Emparamas
mis noches

En este
refugio
donde soy

Recluida
calma

O soledad

Sin nombre

Ni doliente

===

Dejas
La cama

impregnada

Huyes
con la
noche

Para mí

Queda

La vigilia

===

Estás
en los
momentos

no
borrados

Cavilas
O remontas

El corcel
De algún

Avasallado
recuerdo

===

Anhelo
Lo cálido

Tu
lengua
que
aborda

Despliega
Transita

Detiene
Su
voracidad

Contenida

===

A orillas de ti
y  tu ausencia
aún espero
el hijo
que pinta

Favio
En su canción

===

Humedad
vertida
o plena

Lava derretida
que receso
no alcanza

Debajo

De mí

===

Dejar
de ser
esa piel
que no cubre
tus urgencias

No 
basta
para ti
este grito
que te invoca
En esta
pieza
donde
la culpa

Es lejura
Inacabada

===

Sigue
ábrete paso
en mis 
veredas

Tus anhelos
trastocan
lo sinuoso
que hay
en mí
Dejan
a su paso

El Alma
Henchida
De oscurana

===

Entreabiertos
tus labios

Echan

A volar

Breves 
Quejidos

===

Mi boca
frágil
movimiento
traza
indeleble
prende
una señal

Te pone
absorta

Al borde

Del estallido

** Víctor Parra
   Poeta venezolano (Villa de Cura, Aragua, 1967). Es docente egresado de
   la Universidad Pedagógica Experimental Libertador (Upel,
   http://www.upel.edu.ve), en El Mácaro (Aragua). Realizó talleres de
   poesía con Aly Pérez (http://www.letralia.com/firmas/perezaly.htm), Igor
   Barreto, Ana Coromoto Salas y William Osuna, y de narrativa con Kristel
   Guirado. Sus trabajos han sido publicados en revistas como Hipocampo
   Garabato, Expresión y Vida Activa, en los periódicos La Antena y El
   Vigía y en el suplemento Contenido del diario El Periodiquito
   (http://www.elperiodiquito.com). Sus trabajos aparecen en antologías de
   narradores de Aragua y en Muestra de minificción aragüeña (1979-2000)
   (compilación, prólogo y notas de Beatriz Mester, 2001). Es cantautor y
   cultiva la crónica sobre costumbres y personajes del pueblo en el
   periódico Portavoz de Aragua.



|||||||||||||||||||||||    EL REGRESO DEL CARACOL    ||||||||||||||||||||||

=== Material de derribo      José Garés Crespo ============================

      Poesía
      Editorial Germanía (http://www.germania.es)
      Valencia, España, 2009
      ISBN: 978-84-92587-24-7
      166 páginas

Pese a que sus títulos aluden a referencias de la cultura o la geografía de
Occidente, los textos que conforman Material de derribo
(http://bit.ly/hJcpmN) son básicamente poemas de amor, como si se
propusiera despertar en el lector minuciosos ejercicios intelectuales
derivados de la curiosidad. Así, un poema titulado “Del cabaret Voltaire al
café de Rick” carece de referencias a los míticos recintos de Zúrich y
Casablanca, y es en cambio un canto a la intimidad:

      (...) Somos la realidad que, cómplices, compartimos.
      Cierto. Y agotamos los plazos, el beso,
      desnudos y boca arriba.
      Perdonamos nuestra herejía y exhortamos
      la caricia, el tiempo y cuantos signos
      hablan de nuestros orígenes,
      del dolor, de nuestra estancia (...).

Garés Crespo (Alzira, Valencia, España; 1942) escribe desde la primera
persona una poesía conversacional, dirigida casi siempre a la mujer amada.
Los ochenta y dos poemas que componen el libro dan cuenta de una obra
profunda, que aspira a la trascendencia afirmándose en la respiración
cotidiana de la pasión:

      Aquella noche fuimos despiertos, deslumbrados.
      En un ritual de lujuria, vencidos por el naufragio
      tus suspiros, resueltos los silencios del río,
      victoriosa a mi pesar, reposaste tus cabellos
      sobre mi pecho y tu boca buscó mis atributos
      erguidos, que penetraron hasta donde nace
      la sensualidad de tu voz. El viejo recuerdo
      de la piel. Toda tú brillabas de deseo,
      haciéndome olvidar que estaba en custodia,
      encadenado y disperso en tus múltiples labios (...).

Según explica el escritor Hilario Barrero
(http://www.letralia.com/firmas/barrerohilario.htm) en el prólogo, Garés
Crespo escribe desde los veinte años. Fundó la revista de poesía Grama, que
apenas alcanzó los seis números pero incluyó firmas como Vicente Aleixandre
y Jorge Guillén, entre otros. Tras publicar un primer poemario, abrió una
librería con un grupo de amigos a través de la cual entraron en contacto
con grupos de la izquierda clandestina, durante los últimos años del
franquismo. Fue así como se convirtió en el máximo dirigente del Partido
Comunista de España en la clandestinidad. En septiembre de 1975 fue
detenido; estuvo en la cárcel hasta que le amnistiaron en 1977. Estando en
prisión publicó un poemario en catalán, Falç sense mà, con un prólogo de
Joan Fuster. Fue diputado socialista durante doce años y en 1997 abandonó
la vida política.

Sobre el libro escribe Barrero: “Material de derribo es sobre todo y ante
todo un fascinante libro de amor y sobre el amor, todo envuelto en una
reflexión cívico-social-política. En ocasiones en sus poemas el pretexto
del poema, la reflexión moral y el tema derivan unos de otros. Un texto que
quema y que, arropado por otros nobles materiales, lucha por romper los
límites a los que el poeta le ha confinado”.



=== A que te cuento dos      Antonio Castro ===============================

      Cuentos para niños
      Fundación Editorial El Perro y la Rana
      (http://www.elperroylarana.gob.ve)
      Caracas, 2009
      ISBN: 978-980-14-0620-4
      64 páginas

Las dos historias que se entrelazan en este libro —bellamente ilustrado por
el venezolano Armando Rodríguez— hacen juegos con las palabras y los
números, además de otros elementos que avivan la mente del pequeño lector.
“El río que cumplía 6 años” es sobre un río que, aunque tiene mucho más de
seis años, sólo sabe contar hasta ese número, por lo que cada año celebra
su sexto cumpleaños. “El paraguas de 7 colores” es sobre un hombre que
“además de artesano era un poeta, que bien dicho y bien escuchado es lo
mismo”, y a quien le toma siete días elaborar un paraguas de siete partes y
decorado en siete colores, como un homenaje a sus siete hijos.

El libro forma parte de la colección “Caminos del Sur”, con la que la
editorial estatal venezolana El Perro y la Rana obsequia a los más pequeños
de la casa. La colección está dividida en tres series: Verde, para niños de
hasta seis años; Amarilla —a la que corresponde A que te cuento dos—, para
niños de siete a once años, y Naranja, para jóvenes de doce años en
adelante.

Antonio Castro es oriundo de la ciudad colombiana de Barrancabermeja, donde
nació en 1940, pero vive en Venezuela desde los diez años. Periodista
egresado en 1981 de la Universidad de La Habana, Castro ha sido obrero
metalúrgico, albañil, dirigente comunal, titiritero y divulgador de la
música popular y folklórica, entre otras muchas cosas. Fue preso político
durante el gobierno de Jaime Lusinchi. Ha publicado el poemario De adentro
de la voz poesía (La Habana, 1975), los poemarios para niños El diario de
Andreína (1997) y Pájaro del corazón (2001) y el libro de cuentos para
niños Los cuentos de Victorino (2006). Con El Hombre azul y otros cuentos
obtuvo el primer premio del concurso “Rafael Rivero Oramas” convocado por
el Ministerio de Educación de Venezuela. Su libro El hombre de las
almohadas recibió, asimismo, el primer premio del Tercer Concurso
Internacional Raimundo Susaeta, y el primer premio en la categoría de
formato innovador en la IV Feria Internacional del Libro de Venezuela
Filven 2008. Actualmente trabaja en el Archivo Histórico de la Nación en el
Palacio de Miraflores.



|||||||||||||||||||||||||||    POST SCRIPTUM    |||||||||||||||||||||||||||

“...se escribe porque se muere, porque todo transcurre rápidamente y
experimentamos el deseo de retenerlo; la literatura es testimonio,
precisamente porque todo está condenado a desaparecer, y eso nos conmueve y
a veces nos pide a gritos residencia. Escribo, por lo tanto, porque estoy
momentáneamente viva, en tránsito, y no quiero olvidar aquella calle, un
rostro que vi mientras caminaba, o la alegría que sentí al manifestar por
la calle junto a compañeros que no habían leído libros, ni sabían lo que
hacía yo, ni me lo preguntaban, pero alcanzaba con saber que en ese momento
estábamos uno al lado del otro, hacíamos algo juntos, y ese sentimiento
creaba la confraternidad”.

      Cristina Peri Rossi, en: Marcha, 27/12/68.



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